En el marco del 80 Aniversario del Exilio Republicano Español, este libro ha sido concebido, coordinado y elaborado en París por dos artistas hijos de exiliados españoles, un crítico de arte y un escritor español residente desde hace 30 años en Francia.
Esta colección de ensayos del erudito y crítico Thomas McEvilley se ocupa primordialmente de tres temas. En primer lugar, varios ensayos presentan su crítica filosófica del enfoque formalista/estético del arte. La deconstrucción de la teoría kantiano/greenbergiana y de su función social por parte de McEvilley domina el discurso sobre ese tema desde hace veinte años. Tras despejar el campo de la herencia casi teológica, McEvilley lo abrió a una amplia perspectiva multicultural. La famosa crítica de la “Exposición ‘Primitivismo’” en el Museo de Arte Moderno en 1984 inauguró el discurso del multiculturalismo en las artes visuales. McEvilley ha escrito sobre el arte contemporáneo en Asia. África y Latinoamérica, así como en los Estados Unidos y Europa occidental, y ha abogado repetidamente por un enfoque polifacético de la cultura a escala global. En el último ensayo de esta sección, McEvilley expresa sus recelos con respecto al momento actual: ¿se burla la globalización económica del sueño del globalismo cultural? ¿Se apoyan o se oponen entre sí estas tendencias? Por último, varios ensayos sobre artistas individuales analizan tendencias recientes...
Un tesoro de reflexiones y misivas cuidadosamente seleccionadas, escritas por grandes artistas. Organizado temáticamente, incluye notas y mensajes sobre el amor, el trabajo, la vida cotidiana, el dinero, los viajes y el proceso creativo. Las cartas se reproducen junto con las transcripciones, con atractivos datos de fondo que proporcionan información y nos sitúan en su contexto. Cada carta se presenta como una reproducción con un comentario y una transcripción o traducción. Algunas de las cartas originales ocupan varias páginas. En algunos casos, se conservan errores ortográficos y signos de puntuación poco convencionales o ausentes, con los mínimos aportes editoriales entre corchetes. Allí donde resulta útil o interesante, se han incluido membretes hechos a mano o impresos en las transcripciones. Salvador Dalí, Frida Kahlo, Michelangelo Buonarroti, Vincent van Gogh, Rembrandt van Rijn, Andy Warhol, Marina Abramovic, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, David Hockney, Yayoi Kusama, Henry Moore, Gustav Klimt y Georgia O'Keeffe son solo algunos de los numerosos artistas incluidos en esta cautivadora colección.
El presente libro ofrece una reflexión sobre el arte a través de sus «derivas», es decir, los movimientos que anidan en la creación y que hacen que en el arte actual quepan todas las maneras. A lo largo de sus capítulos no sólo se considera la creación propiamente dicha sino también la disciplina de la Historia del arte, sus límites y la necesidad de plantear nuevos métodos y estrategias de lectura. Y ello a partir de un modo de entender el conocimiento a través de intercambios de saberes entre disciplinas –afines o no–, en lugar de querer encapsularlo en un único y delimitado campo. Son estos saberes reticulares los que explican las mencionadas «derivas», que, partiendo de un núcleo central que podría resumirse en un análisis de la teoría y la historia del arte global de las dos últimas décadas, se diversifican en múltiples visiones no jerárquicas que dan cuenta de los contextos en los que se generan y operan. En definitiva, este texto desarrolla una serie de «líneas de fuga» que, desde la crítica de arte, los Estudios Visuales, el concepto de archivo o el de globalización, tanto convergen como divergen buscando un movimiento continuo y, en último ...
Este libro es el segundo de una colección que pretende impulsar, difundir y reconocer el rol creciente que la filantropía está desempeñando como respuesta a los desafíos sociales. Al igual que el primero, este segundo libro quiere destacar la figura del filántropo, aquella persona que de forma desinteresada destina parte o la totalidad de su vida y/o de su patrimonio en ayudar a la sociedad, creando su propia fundación y desarrollando o apoyando, entre otros, programas humanistas, sociales, educativos y culturales que generan un gran impacto social. El libro reúne a seis fundaciones filantrópicas que relatan la biografía personal y profesional, así como la experiencia filantrópica de sus fundadores.
"El dadaísta ama el sinsentido y odia la estupidez." Así resume Raoul Hausmann el impulso dadaísta de subversión de la civilización que trajo la I Guerra Mundial como la nube trae la tormenta. Estupidez de la ciencia que perfeccionó la maquinaria militar, estupidez del arte y la literatura que enaltecieron la guerra, estupidez de la razón instrumental que manipula todo lo que toca, estupidez de la explotación capitalista que produce individuos estúpidos, etc. El programa dadá opuso una lógica del absurdo a la estupidez organizada. El poema fonético contra el lenguaje devastado y vuelto imposible por el periodismo. El fotomontaje para desintegrar las formas semánticas establecidas y engarzar de otra forma lo decible y lo visible. El haptismo como indagación de una sensorialidad excéntrica. El arte nuevo como dislocación del individuo moderno, su óptica posesiva, su seguridad vertical sobre el mundo, su presencia soberana. Raoul Hausmann se entregó en cuerpo entero a esta revuelta lógica como uno de los fundadores del Club Dadá de Berlín, que exploraba el camino entre el radicalismo político y el antiarte. En su Correo Dadá, que apareció en 1958, repasa la...
La obra de Claudio Bertoni muestra –como pocas– al ser humano, al artista y poeta, en su relación radical con el tiempo y el espacio inmediatos, con todo lo que hay de luminoso y oscuro en esa experiencia. De ahí emerge su inapelable observación del mundo interior y exterior, que es la materia de sus poemas: una mezcla de ángel y bestia que nos recuerda al mismo tiempo a san Agustín y Mick Jagger, a Edith Stein y Nina Simone. Neurosis, miedos, deseos, amores y desamores –a menudo traspasados por un humor de tono menor– se atan y desatan aquí para convertir al lector en un privilegiado voyerista de la naturaleza humana. Al poeta de la reflexión existencial se le entrelaza el poeta sensual y mundano que observa, recolecta y goza del mundo y de los cuerpos, los que a través de su visión se reorganizan en notas, reflexiones y cachureos que se transforman en poemas tan queribles como corrosivos, cartas, libros y libros-cartas. Durante más de medio siglo, la escritura de Bertoni le ha proporcionado una inimitable vitalidad a la poesía chilena, lo que le ha otorgado al autor un espacio privilegiado y entrañable dentro de ella. Este volumen reúne en forma íntegra los ...
Aunque no cabe duda de que la obra de arte es la fuente originaria y primordial de todo el proceso creador, éste no podrá entenderse ni contextualizarse sin la consulta de otras fuentes contemporáneas al artista, que, a modo de eslabones de una cadena, dan sentido a la obra, ayudan a desentrañar las circunstancias que rodearon su creación,y actúan como espejo crítico donde se hace balance de todo el proceso. Las fuentes se convierten así en herramientas o instrumentos de trabajo, a veces difícilmente clasificables (sobre todo en la época contemporánea), que aportan al investigador información orientada a descubrir, resolver o dar forma y sentido al tema que le ocupa. Las fuentes de la historia del arte en la época contemporánea , además de paliar el vació bibliográfico que actualmente existe en este campo, surge con el propósito de servir de apoyo a la investigación y a la docencia. A la investigación, porque las 'fuentes' son los instrumentos de los que se sirven el estudioso para dar forma a la historia, y en este caso a la historia del arte. No importa el tema, pues este repertorio de 540 fuentes (ordenadas por tipologías y cronología), lo que le brinda...
" Estudios del arte contemporáneo I " agrupa una serie de textos que analizan los temas de Manet, Cézanne, Toulouse-Lautrec, Kandinsky, Klee, etc., y termina con el estudio del expresionismo abstracto estadounidense. El autor piensa que el arte tiene que ver con la vida cotidiana y con la historia, que la pintura y la escultura nos proponen modos de mirar e imágenes en las que podemos reconocer nuestra violencia y nuestra sexualidad, el sentido lúdico, el carácter dramático, la condición fragmentaria de nuestra realidad común, personal y colectiva, las formas y las concepciones del trabajo, el placer del paisaje, la figura del otro. Estos son algunos de los temas que se abordan en los Estudios. Las obras de los expresionistas, futuristas, constructivistas, dadaístas, surrealistas, las obras de los artistas neoplásticos y de los puristas, informalistas, expresionistas abstractos, realistas, pop y conceptuales, todas ellas "hablan" de asuntos diversos, del sexo, la crueldad, la violencia, la explotación, las diferencias de género, la alienación, la guerra, los prejuicios, el consumo, la banalidad, las máquinas y la velocidad, los valores sublimes, la sociedad más...
Nueva edición actualizada de la apasionante historia del mítico cuadro Guernica de Pablo Picasso, convertido en un icono del siglo XX gracias a su fuerza simbólica y a su contenido antibelicista. La historia es conocida. El 26 de abril de 1937, docenas de aviones alemanes de la Legión Cóndor bombardearon durante tres horas la ciudad de Gernika, lo que causó su destrucción y centenares de muertos. Este trágico suceso inspiró a Pablo Picasso, uno de los artistas más comprometidos de su tiempo, para acometer la tarea de pintar un cuadro que llegaría a ser síntesis del horror y de la violencia de la cultura occidental moderna y referencia del mundo progresista durante décadas. Guernica se convirtió con el paso del tiempo en uno de los cuadros más famosos de la historia de la pintura, un lienzo profundamente español y universal que durante las largas décadas franquistas se exhibió en Nueva York pero que, tras la llegada de la democracia, y por expreso deseo del pintor, regresó a España, donde se puede contemplar en el Museo Reina Sofía de Madrid desde octubre de 1981. Este libro -que incluye un extenso prólogo que actualiza el análisis del cuadro- es un...
Obra que propone una relectura de las neovanguardias en el doble ámbito de las prácticas artísticas europeas y norteamericanas, partiendo del supuesto de que la neovanguardia no tiene por qué convertir lo antiestético en artístico ni lo trasgresor en institucional.
Este catálogo presenta un panorama del informalismo internacional planteado como una pluralidad de propuestas que permite hablar, por primera vez, de 'informalismos'.
La autora hace un recuento de la historia del arte desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, analizando los diferentes movimientos artísticos anteriores a 1916 -cuando los dadaístas lanzaron su grito de rebeldía en el Cabaret Voltaire- , y los que surgieron posteriormente.
El autor recorre el vanguardismo europeo desde el punto de vista de su recepción en Estados Unidos. Desde 1910 el público y la crítica estadounidenses tuvieron que posicionarse ante la avalancha de obras de arte europeas que no dejaban de llegar a Filadelfia, Chicago o Los Angeles y a menudo llevaban las firmas de Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró. También llegaban a Pittsburgh (Pensilvania), donde el Instituto Carnegie estaba organizando desde 1896 unos certâmenes llamados "Internacionales". El ensayo analiza ademâs cómo fue variando la fortuna crítica de los tres protagonistas a lo largo de las décadas siguientes, hasta los años setenta cuando ya no eran símbolos de radicalidad plástica sino venerables iconos de la historia del arte moderno.
Estudio e índices… se adentra en los itinerarios de la revista Poesía y Poética (1988-1999) con el fin de mostrar los cursos y derivaciones de uno de los proyectos editoriales de mayor coherencia y unidad en la historia de la literatura latinoamericana.
El concepto de belleza cambiar á radicalmente; es más, ya no se tendr á que buscar lo bello en el arte. Habrá múltiples tendencias, algunas francamente innovadoras, que después arrastrar án tras de sí toda una fila de malos o mediocres imitadores; paralelamente correrá un arte más o menos tradicional y vendible.
«Se invita a los jóvenes artistas de Zúrich para que acudan con sus propuestas y aportaciones sin que importe su orientación particular.» Así decía el llamamiento que Hugo Ball publicó en un periódico de Zúrich el 2 de febrero de 1916 cuando decidió fundar el mítico Cabaret Voltaire, la cuna del dadaísmo. Y lo hizo sin saber quiénes acudirían ni qué llevarían. Tres días más tarde, el Voltaire abrió sus puertas sin ninguna planificación previa. «Mítico» es un adjetivo que suele asociarse, con frecuencia, al dadaísmo y a algunos de sus geniales representantes: Tristan Tzara, primero en Zúrich y luego en París, junto a André Breton, futuro padre del surrealismo; George Grosz en Berlín, donde también destacaron artistas como Raoul Hausmann y Hannah Höch, pioneros del collage y del fotomontaje, y Richard Huelsenbeck, autor del insustituible Almanaque dadá; la pareja Duchamp-Picabia con su dadaísmo neoyorquino... Pero, como oportunamente se pregunta el autor de este libro, ¿qué hubo de verdad y qué de mito en el origen y la evolución del dadaísmo? En cualquier caso, esta amena y documentada biografía colectiva, en la senda de los trabajos de...
Este libro presenta una nueva recopilación de ensayos y guiones de performances y videos de la artista Martha Rosler, haciendo especial hincapié en la construcción de esfera pública y en el mito de la cotidianidad. Explora temas que van desde la vida cotidiana y los medios de comunicación hasta la seguridad nacional y los conflictos bélicos, especialmente en lo que afecta a las mujeres. Partimos de su trabajo La dominación y lo cotidiano que da titulo al libro para dar muestra de la dilatada trayectoria de una artista muy conocida por sus videos, performances y fotografías y otras obras, así como por ser una de las voces críticas culturales y teóricas más originales e influyentes de estos últimos cuarenta años. Este libro muestra la capacidad de Rosler de realizar un trabajo artístico y construir un discurso para contextualizarlo. Textos que van desde el año 1975 al 2016, reflexionan sobre el arte feminista, la idea de la artista-madre, la gentrificación en relación a la cultura y un largo etcétera.
¿Por qué, a pesar del extraordinario auge que tuvo la pintura en España desde 1948, no llegó a crearse un «arte franquista»? ¿Por qué los jóvenes artistas españoles pudieron hacer carrera en la Península? ¿Cómo en un país sometido a la censura y la represión cultural pudieron sacudirse el yugo del pensamiento totalitario nacional-católico? ¿Hasta qué punto la elección obligatoria entre oposición y complicidad objetiva pesó sobre su obra? ¿Cuáles fueron el alcance y las formas de la protesta? ¿Qué acogida y qué rechazo tuvieron? Éstas son algunas de las cuestiones que esta obra trata de responder. Las relaciones entre el arte y el fascismo, el nazismo o la Francia de Vichy han sido objeto de estudios profundos. Faltaba una reflexión bien documentada sobre el caso español como la que ahora se presenta.
Este libro trata de cubrir las necesidades de contenidos icónicos, teóricos y visuales, de los estudiantes de un nivel medio alto de Bellas Artes, Escuelas de Arte, Arquitectura, Historia del Arte o Restauración y, en general, de los artistas y de todas aquellas personas interesadas en conocer los procesos de aprendizaje del dibujo del natural, así como la permanencia de sus conceptos básicos y la significación histórica de su legado académico.
Con una estructura clara año a año, los autores presentan más de un centenar de artículos que, centrados en un acontecimiento crucial –la creación de una obra seminal, la publicación de un texto importante o la inauguración de una exposición fundamental, por ejemplo– contienen un gran volumen de información sobre el arte desde 1900 hasta nuestros días. Se exploran en profundidad todos los puntos de inflexión y los avances clave de la modernidad y la posmodernidad, sin olvidar las frecuentes reacciones modernas que proponían visiones alternativas del arte y del mundo. Cada uno de los autores ha escrito una introducción en la que se ocupa de las metodologías en boga en la historia del arte, informando y aumentando el grado de comprensión del lector en lo tocante a su práctica actual. La estructura flexible y las numerosas referencias cruzadas permiten que éste trace su propio camino a lo largo del siglo y siga cualquiera de las muchas narraciones que se despliegan en el libro, ya sea la historia de un medio como la pintura, el desarrollo del arte en un país determinado, la influencia de un movimiento como el Surrealismo o la aparición de un corpus estilístico ...
El arte de matar es la más escalofriante historia de Jonathan Santlofer, de nuevo con Kate McKinnon como protagonista tras El artista de la muerte y Daltónico. Una novela repleta de pistas para los lectores, pero con un final impredecible. Las obras maestras de los expresionistas abstractos de Nueva York están siendo objeto de actos vandálicos. Un demente ha emprendido su destrucción . Kate McKinnon ha dejado la policía para dedicarse a escribir. Sin embargo, los investigadores la necesitan más que nunca: nadie más podrá intuir las motivaciones del destructor ni descifrar con tanta precisión las pistas que este va dejando. Muy pronto la situación empeora... El demente comienza a asesinar a los propietarios y admiradores de las obras. Jonathan Santlofer es un reputado pintor neoyorquino cuya obra forma parte de algunas colecciones permanentes, como la del MoMA de Nueva York.
Leo Castelli fue hasta los cincuenta años lo que en Estados Unidos se considera un europeo típico: diletante, más aficionado a la vida social que al trabajo, mujeriego y vividor. Pero entonces abrió su local en Nueva York, y se convirtió en El Galerista: el hombre que dio entidad y cuerpo al pop-art, que descubrió a Jasper Johns, a Lichtenstein, a Rauschenberg o a Warhol. El anfitrión de las fiestas clave, el marchante de los artistas que contaban... un europeo que reinó durante varias décadas en Nueva York, y que desde allí reconquistó Europa con toda una red de galerías satélite. Annie Cohen-Solal llegó a Nueva York a finales de la década de 1980, a tiempo de caer fascinada por el hechizo de este hombre enigmático, con el que sostuvo largas charlas, complementadas con los testimonios de sus familiares, esposas y ex, hijos, artistas, colaboradores, amigos y adversarios. De todo ello emerge un retrato fascinante, el relato de unos años mágicos en la Gran Manzana y una obra imprescindible para los lectores interesados en el arte contemporáneo y en el mercado que lo rodea.
Edición de una selección de textos del autor publicados en catálogos y publicaciones diversas, así como conferencias y seminarios, y pequeñas anotaciones en sus cuadernos de trabajo. El tema central de la escultura está tratado desde dos puntos de vista: el de la relación entre escultura y naturaleza, de una parte y de cómo la obra (artificio) se identifica con el espacio (orden natural), de la otra. El autor, va repensando la idea de la escultura, a través de su constante intersección con las nociones de lugar, paisaje, arquitectura y memoria. La edición a cargo de Miquel Molins, no es una mera compilación de materiales, sino que retoca y reorganiza, en parte, los textos originales.
Esta obra presenta una visión del arte del siglo XX, a mitad de camino entre el ensayo y la historia. Constituye una trama, por ser un conjunto de apreciaciones, consideraciones y reflexiones sobre el fenómeno de la modernidad artística. El contenido se divide en dos secciones: la primera presenta una narración continua estructurada en capítulos, y la segunda, a modo de diccionario, constituye un complemento y guía de la anterior. Es un instrumento fundamental para comprender los porqués y los cómos de las manifestaciones artísticas del siglo XX.
Desde el análisis sociológico hasta la interpretación psicoanalítica, pasando por los estudios literarios y la explicación biológica, el suicidio es un fenómeno que ha provocado un enorme interés y que genera múltiples interrogantes. En Miradas sobre el suicidio, Hugo Bauzá aborda algunos de ellos desde el análisis de diversos casos emblemáticos y su incidencia en la literatura y el arte. A partir de un preciso itinerario por obras clásicas y contemporáneas, Bauzá reconstruye el imaginario suicida desde su origen hasta la actualidad: la muerte voluntaria de las Sirenas, el debate entre estoicos y epicúreos, el suicidio lógico en Fiódor Dostoievski, la oposición en Albert Camus y la valoración del acto en Antonio Di Benedetto, entre otros. Asimismo, el autor se sirve de testimonios escritos para aproximarse a la vida de aquellos que decidieron interrumpirla, como es el caso de las poetas Sylvia Plath y Alejandra Pizarnik, el filósofo Walter Benjamin, la escritora Virginia Woolf, el artista Alberto Greco o el político Leandro N. Alem. " ¿Por qué razón hay seres humanos que, en lugar de aguardar la muerte de manera natural, deciden anticiparla provocándosela ...
«Una biografía épica. Un libro para disfrutar, ameno y plagado de detalles. Fascinante». Kirkus Reviews Basada en años de investigación y entrevistas con decenas de amigos, amantes y detractores de Warhol, esta biografía traza el recorrido del artista desde sus orígenes como hijo de inmigrantes de Europa del Este en Pittsburgh hasta su revolucionario papel en el mundo del arte. Además, es un fascinante retratode la sociedad y del mundo en los años setenta y ochenta y de las grandes transformaciones ocurridas en el comercio y la cultura. Tras el resplandor de su famosa Factory, por donde pasaron las figuras más glamurosas de su tiempo (Susan Sontag, Mick Jagger o los barones de Rothschild, entre otros), había un hombre tímido que vivió gran parte de su vida con su madre y protegió con celo su privacidad. Repleto de ideas nuevas sobre el trabajo y la personalidad del artista, este libro capta a la perfección las contradiccionesy el radical ingenio que llevaron a Warhol a revolucionar el panorama cultural. ¿Era una broma o un auténtico genio? ¿Era un radical o un arribista? Como el propio Warhol habría respondido: sí. La crítica ha dicho: «Ojalá hubiese podido ...
Debatir, reflexionar y pensar la historia del arte desde las diversas metodologías se convierte en un ejercicio esencial para la redefinición de la disciplina. Además de la puesta en valor de las nuevas perspectivas, la historia del arte de nuestros días se preocupa por la divulgación y la interpretación del patrimonio, por el turismo, los medios de masas y la reflexión sobre los discursos museológicos. También se encarga del estudio de las nacientes formas de expresión artística, la inclusión de los nuevos públicos o los estudios de género y decoloniales. Este libro colectivo plantea una mirada a todos estos temas a través de las investigaciones de especialistas en distintos ámbitos de una historia del arte cada vez más transversal y multifocal, que no renuncia a su tradición historiográfica, pero tampoco a la vanguardia de los nuevos discursos.
“El archivo de Miguel González: Evidencias como crítico, curador y gestor cultural de la ciudad de Cali” es una investigación que presenta un minucioso levantamiento de archivo de su trabajo en dos espacios culturales de la ciudad de Cali. A través de una cuidadosa recopilación de datos y reseñas, se exploran las contribuciones de González como crítico, curador y gestor cultural en los inicios de su carrera. La entrevista con el autor y la revisión de otros acervos institucionales enriquecen esta investigación que se ofrece como una valiosa brújula para futuros investigadores interesados en adentrarse en este archivo, proporcionando coordenadas que les permitan explorar de manera más directa, detallada y crítica este rico acervo, organizado a manera de indexación.
Opciones de Descarga