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Nacido en 1912, en un pequeño pueblo de Wyoming, Jackson Pollock personificó el sueño norteamericano cuando su país enfrentaba las realidades de la era moderna que reemplazaba al siglo XIX. Pollock se marchó a la ciudad de Nueva York en busca de fama y fortuna. Gracias al Federal Art Project, logró rápidamente la aclamación del público y después de la Segunda Guerra Mundial, se convirtió en la celebridad artística más grande de Estados Unidos. Para De Kooning, Pollock fue un “rompehielos”. Para Max Ernst y Masson, Pollock fue un compañero del movimiento surrealista europeo, y para Motherwell, Pollock fue un legítimo candidato a la categoría de Maestro de la Escuela Norteamericana. Pollock se perdió entre los muchos trastornos de su vida en Nueva York en la década de 1950: el éxito sencillamente le había llegado demasiado rápido y con excesiva facilidad. Fue durante este periodo que se aficionó al alcohol y puso fin a su matrimonio con Lee Krasner. Su vida terminó de la misma forma en que acabó la vida del icono de la cinematografía, James Dean, detrás del volante de su Oldsmobile, después de una noche de copas.

A Chagall le encantaba el azul. “El azul del cielo que incesante combate las nubes que pasan, que pasan” (Baudelaire). El viaje de Marc Chagall se inicia en su nativa Rusia y culmina con su triunfo en París, el extraordinario techo de la Casa de la Ópera de París que le comisionó Malraux. A lo largo del camino, su inspiración se empapó en el espíritu del siglo XX, sin jamás negar sus orígenes judeo-rusos. Esta obra sigue la huella del artista desde sus primeros trabajos hasta su descubrimiento de Estados Unidos y su pasión por Francia. Marc Chagall, que jamás se afilió a ningún movimiento pero que recibió la influencia de sus encuentros con Bakst, Matisse y Picasso, puede considerarse sin duda alguna el pintor de la poesía.

A Chagall le encantaba el azul. «El azul del cielo que incesante combate las nubes que pasan, que pasan» (Baudelaire). El viaje de Marc Chagall se inicia en su nativa Rusia y culmina con su triunfo en París, en el extraordinario techo de la Casa de la Ópera de París que le comisionó Malraux. A lo largo del camino, su inspiración se empapó en el espíritu del siglo XX, sin jamás negar sus orígenes judeo-rusos. Esta obra sigue la huella del artista desde sus primeros trabajos hasta su descubrimiento de Estados Unidos y su pasión por Francia. Marc Chagall, que jamás se afilió a ningún movimiento pero que recibió la influencia de sus encuentros con Bakst, Matisse y Picasso, puede considerarse sin duda alguna el pintor de la poesía.

Paul Klee nació en 1879 en Münchenbuchsee, Suiza, y creció en una familia de músicos. En vez de seguir la tradición musical de la familia, decidió estudiar arte en la academia de Munich. Sin embargo, el amor que durante su niñez sintió por la música siempre fue parte importante en su vida y su obra. En 1911 Klee conoció a Alexei Javlensky, Vasily Kandinsky, August Macke, Franz Marc y otras figuras de vanguardia y participó en importantes muestras del arte vanguardista, incluyendo la segunda exhibición de Blaue Reiter en la galería Hans Goltz de Munich, en 1912. Es difícil clasificar a Klee como artista, ya que no se asoció con ningún movimiento en particular. En su obra se destacaron los temas satíricos y las representaciones de sueños y fantasías. El arte primitivo, el surrealismo y el cubismo parecen confundirse en sus delicadas pinturas en pequeña escala. El arte de Klee también se distinguió por una extraordinaria diversidad e innovación en la técnica, siendo una de sus más efectivas la transferencia al óleo. La realizaba dibujando con un objeto puntiagudo en el reverso de una hoja recubierta con pintura al óleo y colocada sobre otra hoja. Como...

Nacido en 1912, en un pequeño pueblo de Wyoming, Jackson Pollock personificó el sueño norteamericano cuando su país enfrentaba las realidades de la era moderna que reemplazaba al siglo XIX. Pollock se marchó a la ciudad de Nueva York en busca de fama y fortuna. Gracias al Federal Art Project, logró rápidamente la aclamación del público y después de la Segunda Guerra Mundial, se convirtió en la celebridad artística más grande de Estados Unidos. Para De Kooning, Pollock fue un “rompehielos”. Para Max Ernst y Masson, Pollock fue un compañero del movimiento surrealista europeo, y para Motherwell, Pollock fue un legítimo candidato a la categoría de Maestro de la Escuela Norteamericana. Pollock se perdió entre los muchos trastornos de su vida en Nueva York en la década de 1950: el éxito sencillamente le había llegado demasiado rápido y con excesiva facilidad. Fue durante este periodo que se aficionó al alcohol y puso fin a su matrimonio con Lee Krasner. Su vida terminó de la misma forma en que acabó la vida del icono de la cinematografía, James Dean, detrás del volante de su Oldsmobile, después de una noche de copas.

Desde el Renacimiento temprano, pasando por el Barroco y el Romanticismo hasta el Cubismo, Surrealismo y Pop Art, estas pinturas canónicas del arte occidental abarcan ocho siglos y una multitud de temas. Aquí encontrarás lo sagrado y lo escandaloso, lo minimalista y lo opulente, lo rompedor y lo convencional; hay cuadros que capturaron la esencia de una época y otros que marcaron el inicio de una nueva; obras de arte que fueron inmediatamente catalogadas de geniales y otras que al principio encontraron cierta reticencia. Todas han superado la prueba del tiempo y, a su manera, contribuyen a la dialéctica sobre lo que convierte a un cuadro en obra maestra, sobre lo que han cambiado las nociones sobre el arte, hasta qué punto el arte refleja la realidad y en qué medida la altera. Presentándolas aquí reunidas, estas obras de arte pretender ayudar a comprender la evolución de las preocupaciones y percepciones de nuestros ancestros, así como ofrecernos una pausa para considerar qué obras de nuestra era pasarán a los cánones de la pintura.

Una mujer del reino le da al diablo tanta razón para temer como un hombre del reino. Ella vive con la seguridad de saber que Cristo murió y resucitó por ella para poder experimentar la importancia del destino al cual ha sido llamada. En Una mujer del reino, Tony Evans y su hija Chrystal Evans Hurst le recuerdan a las mujeres su llamado de Dios a ser libres, sanadas y a tener esperanza. Los autores dan conceptos que alientan a las mujeres a cambiar ideas distorsionadas y a comprender quiénes son realmente en Cristo, sin aceptar menos cuando están conectadas con Aquel que les da esperanza. Todos los creyentes están cubiertos por el pacto de Dios con Abraham. Evans y Hurst quieren que las mujeres conozcan esos derechos, los reclamen con confianza y vivan por ellos. El nuevo pacto ofrece más que una vida de mediocridad. ¡Una mujer del reino es llamada y recibe poder para vivir una vida victoriosa por medio de Cristo! A kingdom woman gives the devil as much reason to fear as a kingdom man. She lives confidently in the knowledge that Christ died and rose for her so that she can experience the significance of the destiny to which she has been called. In Kingdom Woman, Tony Evans...

Paul Klee nació en 1879 en Münchenbuchsee, Suiza, y creció en una familia de músicos. En vez de seguir la tradición musical de la familia, decidió estudiar arte en la academia de Munich. Sin embargo, el amor que durante su niñez sintió por la música siempre fue parte importante en su vida y su obra. En 1911 Klee conoció a Alexei Javlensky, Vasily Kandinsky, August Macke, Franz Marc y otras figuras de vanguardia y participó en importantes muestras del arte vanguardista, incluyendo la segunda exhibición de Blaue Reiter en la galería Hans Goltz de Munich, en 1912. Es difícil clasificar a Klee como artista, ya que no se asoció con ningún movimiento en particular. En su obra se destacaron los temas satíricos y las representaciones de sueños y fantasías. El arte primitivo, el surrealismo y el cubismo parecen confundirse en sus delicadas pinturas en pequeña escala. El arte de Klee también se distinguió por una extraordinaria diversidad e innovación en la técnica, siendo una de sus más efectivas la transferencia al óleo. La realizaba dibujando con un objeto puntiagudo en el reverso de una hoja recubierta con pintura al óleo y colocada sobre otra hoja. Como...

Marc Chagall was one of the most popular artists of the 20th century, famous for his poetic, surreal images that represent a topsy-turvy world and that combine fantasy and spirituality with a modernist style. This book showcases a wide range of his seductive work, from the famous paintings of the Jewish "shtetl" to his unforgettable images of folklore figures such as the "fiddler on the roof." The book even includes his theater murals and gorgeous stained-glass windows. Informative text accompanies the art, offering useful biographical information and historical context.

En una recopilación de sus escritos titulada El ojo pensante, Paul Klee pide a sus lectores que hagan un pequeño viaje con él a la tierra de la mejor Comprensión. Estaba hablando de los aspectos técnicos del arte, pero se puede hacer la misma invitación al principio de esta breve reseña del artista. Este libro contiene una magnifica colección de obras del gran maestro. Hay muchas láminas a todo color de sus primeras obras. Se incluyen ejemplos de muchas de sus series de pintura que comparten el tema que a Klee le gustaba producir, como también las numerosas pinturas.

“En el comienzo, el lienzo es blanco, vacío; luego el inicio cauteloso, y, después, el vertido de la pintura del tarro sobre el blanco de la superficie...” Hans Namuth Nacido en 1912 en un pequeño pueblo de Wyoming, Estados Unidos, Jackson Pollock encarnó el sueño americano en el momento en que el país se enfrentaba a las realidades de la era moderna, que apenas empezaba a reemplazar al concluido siglo XIX. Como en una novela, Pollock abandonó su hogar para buscar fama y fortuna en Nueva York. Gracias al Proyecto Federal de Artes fue aclamado rápidamente y al terminar la Segunda Guerra Mundial, se convirtió en la más grande celebridad del arte estadounidense. Para De Kooning, fue Pollock quien “rompió el hielo”. Max Ernst y André Masson consideraban a Pollock un compañero del movimiento surrealista europeo, mientras que para Motherwell, el artista era un legítimo candidato al estatus de Maestro de la Escuela Americana. Durante los muchos eventos tumultuosos que caracterizaron su vida en Nueva York en los años 50 y 60, Pollock perdió su rumbo; el éxito le había llegado demasiado pronto y demasiado fácilmente. Fue también durante ese período cuando se...

Amedeo Modigliani nació en Italia en 1884 y murió en París a la edad de treinta y cinco años. Desde temprana edad se interesó en estudios de desnudos y en la noción clásica del ideal de belleza. En 1900-1901 visitó Nápoles, Capri, Amalfi y Roma, además de Florencia y Venecia, y estudió de primera mano muchas obras maestras del Renacimiento. Quedó impresionado por los artistas del trecento (siglo XIV), como Simone Martini (c. 1284-1344), cuyas figuras alargadas y con aspecto de serpientes, realizadas con gran delicadeza de composición y color e imbuidas de tierna tristeza, fueron precursoras de las líneas sinuosas y luminosas evidentes en la obra de Sandro Botticelli (c. 1445-1510). Ambos artistas claramente influyeron en Modigliani, que utilizó las poses de la Venus de Botticelli en El nacimiento de Venus (1482) en su Desnudo de pie (Venus) (1917) y en Mujer joven pelirroja con camisa (1918), y la misma pose invertida en Desnudo sentado con collar (1917). La deuda de Modigliani con el arte del pasado se transformó por la influencia del arte antiguo (sobre todo las figuras cicládicas de la antigua Grecia), el arte de otras culturas (como la africana) y el cubismo....

Eric Shanes es una de las máximas autoridades sobre Turner y en este libro recoge más de cuarenta años de experiencia de trabajo sobre el artista. De la primera edición del libro se dijo lo siguiente: “Tal como podríamos esperar del editor de los Estudios sobre Turner, Eric Shanes nos brinda una lectura particularmente enriquecedora y estimulante al incorporar los resultados de muchas investigaciones recientes”. John Gage, The Burlington Magazine

Modigliani (1884-1920) era un artista que no encontró mucha felicidad en su Italia natal, y en la tierra adoptiva de Francia sólo encontró tristeza. De esta infelicidad nació una extraordinaria y original producción de obras, influenciada por el arte africano, el movimiento cubista y las noches de alcohol de Montparnasse. Sus desnudos femeninos, con su profunda sensualidad casi agresiva, con sus rostros enigmáticos, parecen expresar todo el sufrimiento y la falta de reconocimiento de Modigliani. Modigliani murió a la edad de treinta y cinco años. Este libro contiene pinturas que, en aquel entonces, provocaron un gran escándalo, pero que en la actualidad parecen inofensivas.

Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz, Emil Nolde, E.-L. Kirchner, Paul Klee, Franz Marc y los austriacos Oskar Kokoschka y Egon Schiele pertenecieron a la generación de artistas de gran individualidad que contribuyeron al nuevo movimiento, intenso y con frecuencia controversial, de principios del siglo XX en Alemania y Austria: el expresionismo. Esta obra presenta su trabajo y lo coloca dentro del contexto cultural de los movimientos más importantes del periodo. Ashley Bassie, autora e historiadora independiente, explica cómo el arte expresionista condujo a un tratamiento nuevo, evocativo e intenso de los temas sociales, emocionales y psicológicos a principios del siglo XX. El libro examina el desarrollo del expresionismo y sus obras principales, y pone de manifiesto las imágenes, aspiraciones y conflictos, con frecuencia intensamente subjetivos, de los que surgió.

La obra de Rubens irradia energía y manifiesta una percepción vertiginosa de los placeres de la vida. Sus colores brillantes e inagotable imaginación glorifican el mundo en todo su esplendor. Rubens ejerció una fuerte influencia en posteriores pintores: sus idilios heroicos se reflejan en las escenas caballerosas de Antoine Watteau y las escenas de caza en la obra de Eugène Delacroix, mientras que sus pinturas encomiásticas de la belleza opulenta de la figura femenina evocan inmediatamente los desnudos de Auguste Renoir.

Salvador Dalí (1904-1989), conocido principalmente por su estilo único y grandilocuente, puede presumir de un repertorio extraordinario donde concurren cine, escultura, fotografía y, por supuesto, pintura. Mientras que su nombre es a menudo asociado, con razón, al surrealismo, Dalí demostró su maestría en géneros tan dispares como el clasicismo, el modernismo y el cubismo. No por menos, supone una figura crucial en la historia del arte que ha inspirado innumerables libros y estudios. En este volumen los lectores podrán encontrar una fascinante apreciación de la vida y obra de uno de los pioneros del arte que más controversia y excitación despiertan.

La obra recoge las contribuciones aceptadas en la XIX edición de las Jornadas sobre la Enseñanza Universitaria de la Informática celebradas en la Universitat Jaume I de Castelló del 10 al 12 de julio de 2013.

“No me intereso en mí mismo como tema de una pintura, sino en los demás... en especial en las mujeres...” Hermosas, sensuales y, sobre todo, eróticas, las pinturas de Gustav Klimt hablan de un mundo de opulencia y placer que parece estar a miles de años luz de distancia del rudo entorno posmoderno en el que vivimos ahora. Los temas que trata, alegorías, retratos, paisajes y figuras eróticas, no contienen prácticamente ninguna referencia a eventos externos, sino que tratan de crear un mundo en el que la belleza predomina sobre todo lo demás. El uso que hace del color y los patrones está profundamente influenciado por el arte japonés, el antiguo Egipto y Bizancio. Ravenna, la perspectiva plana y bidimensional de sus pinturas y la calidad con frecuencia estilizada de sus imágenes dan forma a una obra imbuida de una profunda sensualidad y en la que la figura femenina es soberana. Las primeras obras de Klimt le hicieron alcanzar el éxito a una edad muy temprana. Gustav nació en 1862 y consiguió una beca del estado para estudiar en la Kunstgewerbeschule (escuela de artes y oficios de Viena) a la edad de catorce años. Su talento como dibujante y pintor quedó de...

Obra que tiene como objetivo fundamental lograr una mayor accesibilidad de las fuentes de información en el área de neurociencias para los estudiantes y profesionales. Está diseñado en un formato pensando en los estudiantes que tienen un primer abordaje a la información científica en neurociencias. Destaca la perspectiva funcional en sus contenidos de una forma práctica y de fácil comprensión, integrando temáticas básicas y clínicas aplicadas lo que le da una perspectiva global en el conocimiento al lector. El libro maneja todos los contenidos básicos actuales de las neurociencias pero posee la novedad de contar con capítulos de interés clínico o aplicado y aun en los temas elementales se establece la correlación práctica de la información y la transferencia del conocimiento a la toma de decisiones en el plano profesional.

Pablo Picasso (1881-1973) es considerado por muchos el artista más importante del siglo XX. Nacido en Málaga, Picasso demostró su talento desde una edad muy temprana y se apresuró en tomar contacto con los círculos artísticos más importantes de su tiempo, primero en Barcelona y posteriormente en París. En su modernista búsqueda de la novedad, Picasso acudió a la historia premoderna y al arte primitivo para encontrar la inspiración. A él y a su compañero Georges Braque les debemos la invención del cubismo, que no se trataba de uno más de entre muchos movimientos vanguardistas, sino de la corriente estética que cambiaría la pintura para siempre. Una vez que se liberó de los valores tradicionales, Picasso produjo una obra excepcional tanto en términos cuantitativos como cualitativos.

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Picasso era español y por eso, según dicen, comenzó a dibujar antes que a hablar. Cuando niño, se sintió atraído de manera instintiva hacia las herramientas del artista. En sus primeros años pasaba horas en feliz concentración dibujando espirales con un sentido y un significado que sólo él conocía. Otras veces dejaba de lado sus juegos infantiles para trazar sus primeras imágenes en la arena. Tan temprana expresión artística encerraba la promesa de un raro don. No hay que olvidar hacer mención de Málaga, pues fue ahí donde, el 25 de octubre de 1881, nació Pablo Ruiz Picasso, y fue ahí donde pasó los primeros diez años de su vida. El padre de Picasso era pintor y profesor en la Escuela de Bellas Artes y Oficios. Picasso aprendió de él los rudimentos del entrenamiento académico formal en arte. Luego fue a estudiar a la Academia de las Artes en Madrid, pero no se graduó. Antes de cumplir los dieciocho años había llegado al punto de mayor rebeldía; repudió la estética anémica de la academia junto con la prosa pedestre del realismo y, naturalmente, se unió a aquellos artistas y escritores que se llamaban a sí mismos modernistas, a los inconformistas,...

Un recopilatorio de maravillosas obras de arte de autores como Dalí, Tàpies, Picasso, Casas o Rusiñol y una apasionante investigación sobre las mujeres que inspiraron a estos grandes artistas. El artista siempre parte de la realidad para crear algo que la transciende, algo mágico que llamamos arte y a cuyo aliento críticos, especialistas, curiosos y aficionados escriben, investigan, reflexionan y sienten. Lejos queda el origen, la chispa que lo originó, tal vez el incendio. La cultura clásica posee una deidad específica para representar eso, que solemos llamar inspiración: las musas. Hijas de Zeus y de Mnemosine (la memoria) obran en el artista que la magia sea posible. Este libro propone el camino hacia atrás, desde unas maravillosas obras de arte que se hallan en los mejores museos y colecciones privadas de Barcelona hasta las musas en carne y hueso que las originaron. Fueron mujeres que transitaron sus calles, con las que probablemente nosotros o nuestros antepasados se cruzaron, que celebraron con su ciudad tantas fiestas como nosotros. No siempre es un recorrido fácil, pero aquí cuenta con el trabajo de diecinueve periodistas y colaboradores de La Vanguardia que, ...

Los claros retratos metálicos, desnudos y naturalezas muertas de Tamara de Lempicka resumen el espíritu del Art Déco y del apogeo del Jazz, además de reflejar la vida elegante y hedonista de la élite adinerada, exclusiva y glamurosa de la París de entre guerras. En el arte de Lempicka confluyen una formidable técnica clásica con elementos prestados del cubismo, combinación que en su momento representó el culmen de la modernidad y de la moda, toda vez que se inspiraba en maestros tradicionales del retrato, como Ingres y Bronzino. Este libro destaca la pureza racional y la línea clara y sencilla de las mejores obras de Lempicka durante las décadas de 1920 y 1930, y las huellas que hay en ellas de la vida de esta talentosa artista llena de glamur. Este texto explora sus primeros años en Polonia y en la Rusia zarista durante el cambio de siglo, su período de gloria en París, y los largos años en Estados Unidos, pasando por el redescubrimiento de su obra en la década de 1970, cuando sus retratos alcanzaron un estatus icónico y fama mundial.

Si hiciésemos una encuesta para saber cuántos pintores conocemos, la mayoría consultada mencionaría a Goya, Velázquez o Van Gogh, pero con seguridad no se hallaría a ninguna mujer en esta lista. Como si no hubiesen existido, pero no es verdad, existieron muchas y excelentes pintoras. ¿Por qué no las conocemos? Porque a lo largo de los siglos han estado escondidas en conventos en el Medievo o dedicándose a labores domésticas en el Renacimiento o el Barroco. Durante el siglo XIX las impidieron formarse porque pintar no era de "señoritas bien" y cuando se crearon las grandes pinacotecas europeas se siguió la norma patriarcal y las pintoras fueron relegadas. Aún hoy nos parece normal que en pleno siglo XXI, el Museo del Prado solo tenga a trece mujeres expuestas en su colección permanente. Es hora de sacar del olvido a estas pintoras, mujeres artistas con coraje, y este libro lo hace.

Detrás de los retratos de Frida Kahlo se ocultan tanto la historia de su vida como la de su obra. Es precisamente esta combinación lo que cautiva al espectador. La obra de Frida es un testimonio de su vida. Pocas veces se puede aprender tanto acerca de un artista con sólo contemplar lo que inscribe dentro del marco de sus cuadros. Frida Kahlo es sin lugar a dudas la ofrenda de México a la historia del arte. La historia y las pinturas que Frida nos dejó revelar el valiente relato de una mujer en constante búsqueda de sí misma. Al lado de Frida estuvo siempre el gran pintor y muralista mexicano Diego Rivera cuyos murales únicos hacen estallar las paredes en una explosión de representaciones de gran virtuosismo y su organización conmociona la mente del espectador. En esas paredes se juntan el hombre, su leyenda y sus mitos, su talento técnico, su intensa focalización sobre la narración de la Historia y sus convicciones ideológicas propensas a la auto-indulgencia.

¿No logras vender tus obras de arte? ¿No te pagan lo que ellas valen? ¿Estás a punto de abandonar el sueño de vivir de tu arte? ¿Estás pensando en buscar un trabajo "normal"? En EL ARTE DE VIVIR DE TU ARTE podrás aprender paso a paso lo que tienes que hacer para vender tus obras y vivir como un artista exitoso. Un libro fácil y valioso, para todos los artistas que quieran modernizar y actualizar sus estrategias de venta y alcanzar la prosperidad económica. "Cuando quiero recordar cómo quiero vivir, sencillamente recuerdo lo que soy: UN ARTISTA" anónimo Este libro te enseñará la manera más rápida y efectiva para vivir de los ingresos de tu arte.

Mientras que la matemática trabaja con espacios y conceptos abstractos, el diseño opera sobre espacios concretos, los que habita el hombre con sus objetos cotidianos. Este libro aborda los puntos de contacto entre estos dos campos: desarrolla contenidos de la disciplina matemática aplicándolos a temas directamente vinculados al quehacer de arquitectos y diseñadores. El eclecticismo del conjunto responde al recorte elegido, y a la intención de enfatizar los vínculos con la práctica profesional. El libro se inicia con un capítulo dedicado a la geometría de las formas. Los dos siguientes ("Grafos" y "Teoría de la simetría") permiten conocer qué pautas básicas han regulado históricamente los cánones de belleza o las proporciones de los objetos diseñados. El capítulo 4, "Aplicaciones de derivadas e integrales", ofrece herramientas de cálculo básicas para analizar el comportamiento de las estructuras. El 5 y el 6, "Teoría de la probabilidad" y "Estadística", brindan nociones de indiscutible utilidad en el proceso de desarrollo de una obra o producto. El capítulo 7, finalmente, aborda el estudio de la topografía e incluye información sobre dispositivos de...

La invención de trastornos mentales se extiende a la infancia. Algunos problemas que tienen los adultos con la atención, la actividad y el humor de los niños están siendo capitalizados por la industria farmacéutica como dianas para la comercialización de medicamentos, sobre el supuesto de que son enfermedades cerebrales. Nos referimos, en particular, al TDAH y al trastorno bipolar infantil de reciente lanzamiento. Educar a los niños es mucho más complicado de lo que se piensa y el comportamiento de algunos supone un reto para su educación.

¿Cómo dibujas un retrato en 15-20 minutos? En la última década más o menos, he ganado miles de dólares sentado en eventos y dibujando bocetos rápidos de las caras de las personas. Me volví más rápido y más exacto a medida que seguía practicando, pero también descubrí que debes aprender algunas técnicas básicas incluso antes de intentarlo. Mientras dibujas lo más rápido que puedes y observas los rasgos faciales, examinas todo en tu cerebro y lo asimilas todo, hay ciertos trucos que puedes usar, preguntas que debes hacerte cuando estudias una cara, y consejos que debe conocer para minimizar el tiempo que dedica a ellos. En este libro, te contaré lo que sé, te daré una serie de ejemplos y te explicaré cuáles son los pasos más efectivos cuando dibujas un retrato.

Diego Velázquez fue un artista individualista del periodo barroco contemporáneo. A la edad de veinticuatro años, Velázquez hizo su primer viaje a Madrid con su maestro, Francisco Pacheco. Rápidamente logró la certificación como maestro de pintura. El rey Felipe IV se dio cuenta de su genio y lo nombró pintor de la corte en 1627. Poco después, el artista se hizo amigo de Rubens, en Madrid. Desarrolló un enfoque más realista en el arte religioso, con figuras que son retratos más naturales, en lugar de representar un estilo idealizado. El uso del claroscuro recuerda la obra de Caravaggio. Velázquez hizo al menos dos viajes a Roma para adquirir arte renacentista y neoclásico para el rey. En Roma, se hizo miembro de la Academia de San Lucas en 1650 y lo nombraron caballero de la orden de Santiago en 1658. Una de las mayores obras que se encargaron fue La rendición de Breda (c. 1634), donde muestra la derrota de los holandeses a manos de los españoles y glorifica el triunfo militar del reinado de Felipe. El artista pintó al Papa Inocencio X (1650) durante su segundo viaje a Roma, probablemente basándose en obras similares de Rafael y Tiziano. Esta pintura está...

Una misma imagen puede dar lugar a interpretaciones muy distintas, incluso antagónicas. Por eso es que resulta deslumbrante la distancia entre una obra, que es siempre la misma, y los relatos que hablan de ella como conciencia crítica de la historia o como desafío a la imaginación teórica. Los ensayos que componen este libro proponen una lectura del arte argentino y latinoamericano que se detiene en el poder que este posee de condensar polémicas, articular tramas sociales o políticas y suscitar interpretaciones que hacen estallar los sentidos codificados. La autora revisa los presupuestos que han ordenado la historia del arte y explora perspectivas que escapan al relato canónico. Así, analiza un corpus de imágenes a la luz de las fricciones de la segunda posguerra, el feminismo y los estudios de género, las tensiones entre arte y política, las controversias en torno a la definición de latinoamericanismo.

Un thriller político-informático que conecta las sangrientas dictaduras latinoamericanas con la nueva dictadura de la información. Cuando la privacidad es una ilusión, cuando nuestras acciones, deseos y certezas pueden ser manipulados, el único enemigo del sistema es el anónimo. Chile será el laboratorio de Camelot, el elaborado plan de J.F. Kennedy y su grupo de "arturianos" para intervenir los gobiernos y predecir los movimientos sociales en distintos países de un mundo divido por la Guerra Fría. Un enigmático personaje −bautizado por Salvador Allende como "celoso guardián de los secretos de la patria"− ayudará a un periodista mexicano a desentrañar la compleja trama del intervencionismo estadounidense, cuyas redes cambiarán la cara del país y del continente hasta la actualidad. Dauno Tótoro Taulis nos entrega una novela apasionante y terriblemente contingente, gracias a los oscuros manejos de la información que producimos en internet y de las huellas digitales que vamos dejando como individuos en cada interacción. ¿Se ha transformado el sueño de la libertad conectada en otra forma de opresión? Plan Camelot conecta de manera magistral una investigación...

Las 88 teclas del piano -52 blancas y 36 negras- han sido la base sonora sobre la que la mayoría de los compositores han probado y escuchado por primera vez sus melodías antes de llevarlas al pentagrama. Desde su invención en los primeros años del siglo XVIII hasta hoy, el piano ha sido protagonista indispensable de la música. EL PIANO presenta un panorama de su evolución, sus características y modelos, fabricantes, compositores, escuelas e intérpretes, en el que también se tiene en cuenta la producción española, llenando así una laguna frecuente en la bibliografía extranjera. Ofrece al aficionado a la música, a cualquier lector interesado, no sólo la posibilidad de encontrar en él datos contrastados, clarificación de aspectos concretos y lúcidas observaciones; lo enriquecen incontables vivencias y pormenores que su autor ha ido recogiendo durante una prolífica vida profesional vinculada a la música y que hacen de su lectura una verdadera delicia de amenidad y erudición.