Los textos del fundador del Teatro de Arte de Moscú, Sistema y métodos del arte creador y Cinco ensayos de la ópera Werther de Massenet y el penetrante ensayo de Magarshack sobre el sistema forman ya un clásico, uno de los libros maestros para los teatros experimentales de América Latina.
Dramaturgias de la imagen constata la pérdida de validez de un modelo de representación teatral que hizo crisis a finales del XIX y, lo que es aún más interesante, trata de sistematizar la aparición a lo largo del siglo XIX de múltiples propuestas, provinientes de la vanguardia teatral, pero sobre todo de otros campos, que confluyen en la elaboración de nuevos modelos escénicos. Joaquín Medina (Escritor y gestor cultural).Sánchez ha escrito un libro necesario: hace conocer, difunde expresiones artísticas importantes, pero al mismo tiempo establece redes, vasos comunicantes que permiten entender mejor el panorama teatral de este siglo. Por otra parte, dedicarse a estudiar esta zona del teatro, con la pasión que él lo hace, implica una toma de posición frente a la experiencia teatral más recocnocida, que Sánchez sostiene con firmeza. Julia Elena Sagaseta Teatro del Sur . Buenos Aires (Argentina).
Relectura del Sistema de Stanislavski desde una perspectiva psicoanalítica freudo-lacaniana, para desbrozar la teoría implícita que fundamenta dicho Sistema de formación actoral. El libro realiza una aproximación teórica a la praxis teatral, es decir, al trabajo del actor y del director durante los ensayos y la puesta en escena.
En este estudio convergen ciencia, naturaleza y arte. Se describe la psicofisiología del actor a partir de la investigación y el análisis del sistema de actuación de Stanislavski y sus principales influencias científicas: las teorías de Darwin, Sechenov, Pavlov, William James, Ribot y Von Hartman. Pues en su momento —siglo xix— la ciencia se volvió un modelo para otras disciplinas —tanto humanas como sociales— que buscaban legitimidad y autonomía. Un libro para todos los interesados en indagar el contexto histórico, filosófico y científico que permearon el, hoy bien conocido, sistema de actuación de Stanislavski.
Cuando Brecht les dice a sus interlocutores, que él prefiere pensar, que van al mismo lugar por distintos caminos, no puede, estar más, en lo correcto. Los dos van al mismo lugar, los dos se proponen lograr el mejoramiento humano, pero sus caminos se bifurcan en su forma de hacer, ambos toman sendas paralelas, pero distintas. Stanislavski trata de lograr su objetivo, a través de la identificación, entre actor y público, recreando vivencias emocionales, que no se olviden nunca. Por su parte, Brecht, prefiere el distanciamiento, quiso alejarse de la identificación emocional, quiere llegar al público, a través del intelecto, para ello creo lo que el llamo, efecto quinto, o extrañamiento, para lograr con esto, que el público, al no identificarse con el personaje, pudiera tomar partido, desde la posición del juez, no la del participante, el buscaba la comunicación, apelando al juicio del público, lejos de los eventos emocionales. Es importante aclarar, que Brecht, nunca estuvo totalmente en contra de la identificación, de hecho, en los ensayos, le pedía a sus actores la identificación con el personaje, aunque no, en la representación con el público. De esta forma...
¿Por qué escribir un libro sobre algunas de las tantas posibilidades que posee un actor para la construcción del objeto de su trabajo? ¿Cuál sería el grado de complejidad que, pedagógicamente, resultaría conveniente proponer para trasmitir técnicas verificables? Con rigurosa descripción metodológica, el libro propone algunas respuestas a través de la elaboración conceptual y apelando a ejemplos prácticos de clases y ensayos dirigidos por el autor a partir de sus cuarenta años de profesión. El libro aborda procedimientos técnicos, los desmenuza y de detiene en cada uno de sus momentos constructivos. Son fuentes e inspiración de esta publicación -además de los trabajos originales de Stanislasvki y de Brecht- el indispensable aporte del maestro argentino Raúl Serrano como la tarea de investigación realizada por el autor en Berliner Ensamble, en 1988-1989, con datos invalorables sobre el último período de Bertolt Brecht.
A partir del estudio de estética de Aristóteles, este libro demuestra la vigencia de su pensamiento en la teoría y la práctica artística, a través de una serie de aportaciones que convertirán su contenido en un referente para el desarrollo del talento y la creación. Varios objetos se hallan implícitos en esta obra, entre ellos la formación de una sensibilidad crítica, el fomento de la imaginación, a la par de constituir una valiosa fuente documental para el investigador sobre las leyes universales que rigen la dramaturgia y el universo del arte escénico, siendo un texto en sí mismo inspirador para todos aquellos que se interesan o dedican al mundo de la cultura. Bajo el título general de El guión de Aristóteles, se aborda igualmente la influencia del ideario de este filósofo en la narratología teatral, cinematográfica y literaria; la temática de los géneros, y la concepción aristotélica de puesta en escena. Otros importantes hallazgos se revelan además con este volumen, los cuales contestan diversas interrogantes originadas desde la Poética fuera conocida y divulgada por ver primera. Iván González Cruz (1967) Doctor en Comunicación Audiovisual, es...
Una revolución creativa en que las personas crean sus propias casas: editoriales, discográficas y cinematográficas: surgen los círculos incendiarios.
Una revolución creativa en que las personas fundan su propia casa: editorial, discográfica y cinematográfica. Surgen los círculos incendiarios. gurujobs.org
Como en el Teatro Houdin de Georges Méliès, o en los espectáculos de vodevil de Winsor McCay a comienzos del siglo XX, las artes escénicas están experimentando hoy una evolución hacia el espectáculo multimedia mediante la incorporación de imagen animada —o, dicho esto sin ironía, la animación reanima el teatro. Las artes escénicas también han sido motivo de fascinación para los animadores que acuden al teatro y a los géneros musicales como fuente de inspiración o crítica. Por añadidura, los principios teatrales de acting y puesta en escena son fundamentales en la narrativa animada de hoy y de siempre, pues donde hay un animador, sin duda encontraremos también a un actor. Nos sobran los motivos, pues, para brindar en este número de Con A de animación un homenaje al intercambio entre la imagen animada y las artes escénicas a las que tanto debe. El presente número de Con A de animación contiene una serie de reseñas, reportajes, entrevistas y textos de investigación originales e inéditos en torno a la animación y las artes escénicas, que destacarán figuras como el animador británico Barry Purves, el sudafricano William Kentridge o los españoles Alberto ...
Historia del teatro en Chile (1941-1990) relata de forma amena como pormenorizada una de las aventuras culturales más apasionantes y trascendentes de Chile en el siglo XX: el nacimiento y desarrollo de nuestra modernidad teatral.
Antes de la llegada del cine, los personajes populares de las representaciones teatrales solían ser arquetipos reconocibles por el gran público. El cine y el naturalismo de Stanislavski cambió el modo de construir en escena los caracteres. El presente texto se centra en el modo en que se prototipan personajes fílmicos teniendo en cuenta aspectos relacionados con la construcción de la identidad social y elementos de la teoría de la interpretación actoral. Los personajes resultan ser objetos mentales con los que interaccionamos y que nos ayudan a entender quiénes somos. Las habilidades informativas en este contexto juegan un papel nuclear. El vínculo entre performatividad y psicología narrativa se sintetiza en la idea de que no solo somos lo que hacemos, sino más bien, lo que pensamos que estamos haciendo.
Publicada en su versión original inglesa en 2004 para conmemorar el centenario de la muerte de Antón Chéjov, esta nueva y extraordinaria biografía enriquece ahora el panorama editorial español como la única y más completa disponible en castellano del escritor ruso. Chéjov, escenas de una vida ofrece un cuadro enormemente convincente no solo del hombre, sino también de los lugares en los que éste vivió y trabajó. Las descripciones de la región de Taganrog y de las estepas meridionales rusas; de las ciudades de Moscú y San Petersburgo; de Siberia; de la Riviera francesa y de Yalta configuran y amplían nuestra interpretación de su obra. Emerge así el genio de Chéjov en toda su rica complejidad, avivado por la tensión creativa que le hizo anhelar, por un lado, el contacto con sus semejantes y, por otro, rehuirlos y disfrutar de la soledad. Un siglo después de su muerte, la visión del mundo y el estilo de Chéjov resultan más certeros que nunca, plenamente maduros para ser redescubiertos en todo su esplendor. Ésta es, pues, una obra esencial para llegar a comprender por entero al escritor y su obra en su auténtico contexto. Por encima de todo, le devuelve el...
Este librotrata de enfatizar el lado humano y singular que el cerebro, ese órgano prodigioso, ha inspirado a lo largo de la historia. El profesor García-Albea, veterano divulgador de la neurología, nos regala un ameno ensayo sobre los enigmas y misterios, los desafíos y límites de una «majestad» única y compleja, en nada comparable con otras zonas del cuerpo.
Este libro es para todo aquel que quiera saber más de los nombres de sus seres queridos y para todos los que quieran elegir el nombre de un hijo o una hija por llegar. Elegimos un nombre por su sonoridad, porque nos recuerda a alguien querido o admirado, por muchas razones y todas válidas. Pero siempre es interesante saber de dónde viene, cuál es su origen y desde cuándo se otorga como nombre o qué personaje en la historia lo ha llevado. Y muchos nombres de origen extranjero tienen un significado que desconocemos y que, sin embargo, acompañará a la persona que lo lleve. Este libro da razón de más de 1000 nombres que se usan actualmente. Josep Maria Albaigès, que fue el primero en publicar hace ya muchos años un libro de nombres propios, ha completado este gran trabajo suyo con nombres de todas las regiones de España (aragoneses, catalanes, gallegos, vascos,) pero también guaranís, guanches, chinos, japoneses, hindús... dando fe de nuestra sociedad cosmopolita.
Publicado por la editorial Artezblai y coordinado por Gabriele Sofia, Diálogos entre Teatro y Neurociencias’ recoge una selección de intervenciones realizadas en los congresos organizado por la Sapieza Universitá di Roma A comienzos de los años noventa, un grupo de científicos de la Universidad de Parma, encabezados por Giacomo Rizzolatti, descubrieron de forma casual mientras experimentaban con monos el sistema de neuronas espejo’, localizando finalmente un espacio en el que la percepción de una acción y su propia ejecución, coinciden. Mucho ha dado que hablar aquel descubrimiento, al abrir infinidad de vías de exploración a diferentes niveles, entre ellos el arte y más concretamente las Artes Escénicas. Y es que no es casualidad que el propio Peter Brook haya dicho que, hoy en día, los neurocientíficos están empezando a entender lo que el teatro ha sabido desde siempre. Desde hace dos años la Sapienza Università di Roma viene realizando un congreso anual que explora este campo de investigación artística, en unas jornadas denominadas Diálogos entre Teatro y Neurociencias’ con la intervención de investigadores científicos y teatrales. La Editorial...
La biografía más completa de la figura de Antonio Gades Antonio Gades. Arte y revolución es un recorrido por la infancia y la juventud de Antonio Gades, su interés temprano por el teatro, la literatura, el cine, las artes plásticas y la fotografía, sus inicios en la danza, su formación política y, finalmente, su consagración como bailaor y coreógrafo de renombre mundial. Este libro es la primera biografía que recoge la vida de Antonio Gades, basada en documentos históricos y en en el propio testimonio del artista, extraído de distintas entrevistas y de conversaciones con personalidades de España, Italia, Francia, Cuba y Argentina que fueron parte de su vida. Una biografía centrada en sus múltiples facetas como artista, su compromiso con la causa de la revolución cubana y el amor inquebrantable hacia este pueblo. Tras su muerte, este intérprete excepcional quedó inmortalizado en la historia de la danza española y flamenca.
Cuaderno de apuntes de un titiritero recoge más de una decena de textos del autor donde reflexiona y dialoga con los conceptos, representantes y espectáculos de actuación y trabajo con títeres. Figuras como Dora Alonso, los hermanos Camejo, Stanislavski y Obraztsov, confluyen para armar las pautas y cimientos sobre los que Rubén Darío Salazar funda su obra y su convicción de titiritero.
Este libro reúne dos ensayos estrechamente relacionados. En el primero, Eduardo Gómez esboza en líneas generales el surgimiento del teatro moderno en Colombia, mientras que en el segundo se detiene en la influencia de las tesis del Brecht pedagogo y político en la actividad teatral del país. Esos dos textos tienen, además, un carácter testimonial puesto que su autor fue testigo de esta génesis y conoció de primera manera los métodos de trabajo brechtianos en su paso por la Alemania Oriental, donde tuvo oportunidad de asistir a los ensayos del Berliner Ensamble, la famosa compañía fundada por el mismo Bertolt Breche.
Una novela divertida, salvaje, terrorífica y totalmente nihilista. La camarera Misty Marie Wilmot, sufrida trabajadora en un centro turístico, cuyo marido yace en coma tras un intento de suicidio, se propone tomar nota de todo lo que ocurre para que él pueda leerlo cuando regrese del otro lado, si eso llega a suceder. Mientras ella escribe su diario, diferentes actos de vandalismo contra los turistas y reveladores graffiti en las paredes se suceden como indicios de la existencia de algo podrido. «Nadie hay más brutalmente tierno que Palahniuk en la joven ficción norteamericana. Con él está asegurada la diversión.» El Mundo «Corra a comprar los libros de Palahniuk. Vaya a la biblioteca del barrio. Pídaselos a un amigo. Róbelos. Pero léalo. Ya está tardando.» ABC Cultural «Narrada con una prosa cruda y que elude florituras, sus novelas son salvajes y divertidas en su dramatismo.» El País
Fundador en 1897 del Teatro del Arte de Moscú, la figura de Constantin Stanislavski (1863-1937) ocupa un puesto destacado en la reformulación de la labor interpretativa planteada a principios del siglo XX a causa de su empeño en desarrollar una concepción teatral basada en la adecuada ambientación de cada obra y en la preparación psicotécnica del actor. LA CONSTRUCCIÓN DEL PERSONAJE, su último libro, fue publicado póstumamente, y el tratamiento de los temas que en él se abordan la caracterización física de los autores, el vestuario, la expresión corporal, la plasticidad del movimiento, la contención y el control, la dicción y el canto, la acentuación y la expresividad, el ritmo en el movimiento y el lenguaje, la ética teatral, etc. da fe de la riqueza de experiencias, el talento didáctico y el sentido dramático del gran actor y director de escena.
L'expressió corporal té a veure amb la imatge que tenim de nosaltres mateixa, la que projectem als altres i amb la creativitat. Aquest manual es proposa una aproximació conceptual i metodològica de l'expressió corporal amb la intenció de recolzar la seva aplicació pràctica i la recerca que consolide la seua importància com a matèria educativa. Així ho van entendre en la segona meitat del segle XX, els moviments reivindicatius que, en oposició a l'orientació predominantment productiva de l'educació física, van aconseguir que a l'escola s'atengueren els aspectes corporals relacionats amb la sensibilitat. Des de la seua implantació com a contingut de l'educació física, l'expressió corporal mostra un desenvolupament irregular, tant per l'escassa presència d'aquesta matèria en les facultats on es formen els professionals com per l'escassa producció científica sobre la seua aplicació.
Las memorias de Bono, el vocalista principal de U2 ***EDICIÓN EN ESPAÑOL*** Se trata de uno los artistas más icónicos de la música en todo el mundo y se han escrito miles y miles de páginas sobre su carrera; sin embargo, en Surrender, es ahora Bono quien se sienta ante la hoja en blanco para contarnos, por primera vez y en primera persona, los detalles de su formidable vida y las personas con las que la ha compartido. Su indistinguible voz nos conduce en un recorrido que va desde su infancia en Dublín, pasando por la repentina muerte de su madre cuando tenía 14 años y el insólito camino que hubo de recorrer U2 para convertirse en uno de los grupos de rock más influyentes del planeta, hasta llegar a un examen de las más de dos décadas que ha dedicado al activismo, luchando contra el SIDA y la pobreza extrema. La escritura de Bono, con la que ha realizado un ejercicio de autorreflexión honesta, no exenta de un saludable sentido del humor, logra abrir más el foco sobre su vida, así como sobre su familia, sus amigos y sus creencias, los cuales le han servido de apoyo, acicate y ejemplo durante todos estos años. Críticas: «Querido B: ¿por qué no te rindes ante la...
El posible futuro del cine según Francis Ford Coppola, uno de los cineastas más grandes del siglo XX. Un ensayo trufado de experiencias personales que seducirá a los cinéfilos. En este libro, uno de los más aclamados cineastas modernos da un repaso exhaustivo a un nuevo medio audiovisual. El Live Cinema es una forma de arte en vivo y en formato digital que puede aportar calidad a la creación e innovar en su difusión por salas de cine de cualquier rincón del mundo. Su visión de este nuevo medio está trufada de observaciones e intuiciones magistrales, dada su larguísima experiencia en el séptimo arte: notas sobre las primeras décadas del cine, recuerdos sobre su fascinación con la televisión en directo de la década de los cincuenta, reflexiones sobre la dirección de actores, comentarios sobre la tecnología audiovisual más puntera... Por ello, este volumen funciona también como una suerte de autobiografía, ya que Coppola repasa sus triunfos y fracasos con una honestidad inusitada. Reseñas: «Una verdadera mina de libro, intensamente personal, a la par que un viaje astral hacia el futuro potencial del cine/teatro/televisión. Es una obra íntima y confesional y a ...
En casi todos los guiones hay palabras que expresan lo que dicen, y palabras que no. A veces son mentiras, y otras un modo alternativo de comunicación, indispensable para construir un guion excelente. Pero cabe también expresar ese mismo contenido mediante asociaciones de imágenes, objetos, nombres y evocaciones, que proporcionan al espectador la información que necesita para sospechar, alegrarse y amar, desconfiar o sorprenderse con los personajes, que adquieren una realidad inesperada. El subtexto constituye un lenguaje indispensable para el gran cine, y también para la novela. Linda Seger elabora, como siempre de un modo sintético, un magnífico manual divulgativo para amantes del cine y de la creación literararia, novelistas y guionistas, pero también para academias y universidades, y para todo aquel que busca disfrutar y aprender con el buen cine.
Teatro es un lenguaje primario que solía hablar todo el mundo; incluso la «comunidad viva». \r \r Entrelazando la teoría de sistemas y las extraordinarias ideas innovadoras de Fritjot Capra, el legado revolucionario del Teatro del Oprimido de Augusto Boal y sus varias décadas de experiencia práctica creando teatro con comunidades por el mundo, David Diamond ha escrito este libro rompiendo silos y abrazando la complejidad de la vida real.\r \r Teatro para la vida intenta responder algunas preguntas: desde la perspectiva biológica y sociológica, ¿cómo puede estar viva una comunidad? ¿Cómo diseñamos una práctica del teatro para trabajar conscientemente con comunidades vivas, ayudándoles a contar sus historias? ¿Cómo lo conseguimos sin demonizar a los personajes con quienes disentimos? ¿Debemos luchar permanentemente para derrotar a un flujo infinito de opresores o podemos imaginar un mundo en el que dejemos de crearlos? ¿Por qué es esto importante? ¿Qué deberíamos esperar (positivo y negativo) al hacer este trabajo? ¿Qué juegos y ejercicios prácticos podemos usar para despertar la conciencia grupal?\r \r ¿A quién le puede interesar el Teatro para la vida?...
A pesar de sus múltiples afinidades y similitudes, las diferentes artes escénicas, la danza, el mimo, el teatro, el circo, la ópera, entre otras, tienen una relación desigual con la propiedad intelectual. Preguntarse el motivo es emprender una interrogación poco frecuente en nuestro ámbito, que nos conduce a averiguar la relación de los derechos de autor con el teatro. Una relación intrincada, compleja, delicada, en la que la diversidad de sus modalidades y el avispero de sus relaciones internas y externas juegan un rol fundamental. Hablar de teatro es hablar de una experiencia escénica en cuya realización participan un gran número de creadores: actores, dramaturgos, escenógrafos, vestuaristas, diseñadores de luces, de espacios sonoros, directores de escena… Como acontecimiento escénico, como mise en scène, el teatro es una obra poliautoral. Y no deja de sorprender que, de todos sus creadores, sólo el escritor del texto sea legalmente considerado autor. ¿Por qué motivo? ¿Qué tipo de consideración legal reciben los demás artistas teatrales? ¿Cómo considerar la demanda de autoría que reivindican los directores de escena respecto a su obra? ¿Por qué los...
Este libro es fruto de una larga y accidentada conversación con mi hijo Orso: a veces apasionada y dulce, otras triste y amarga, pero siempre regida por la verdad. Escribir lo que un padre le cuenta a su hijo es una de las formas más antiguas de hacer literatura, de transmitir la palabra. A lo largo de su vida, mi hijo me ha escuchado hablar, platicar, recitar y dar clases y conferencias, y también me ha visto escribir. Toda mi vida he recitado poesía en voz alta. Este libro es de Orso pero también es mío; lo hicimos entre los dos, pero él, al escribirlo y ordenarlo le dio vida. Sin su trabajo estas memorias no existirían y me da gusto que mi hijo haya vuelto sus ojos al pasado, a esa vida que ya no recordaba. En alguna ocasión dije, a propósito de Orso, que me atenía -y me sigo ateniendo- a unos versos de Rubén Darío que dicen: "...te he de ver en medio del triunfo que merezcas, renovando el fulgor de mi psique abolida". Las memorias de Juan José Arreola no pudieron haber sido mejor recopiladas y editadas sino por su hijo, Orso Arreola.
Cruce de caminos entre un pasado de tentativas, un presente de evidencias y un futuro de indudables repercusiones, el Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) resume el pulso dramático de una época y la posición estética y vital de su autor. Considerado el primer manifiesto del teatro moderno, Lope de Vega plasmó en él lo que ya había conseguido en escena: que las comedias se convirtieran en el mayor divertimento popular y en la más excelsa manifestación artística. Tan vigente hoy como en el siglo XVII, esta cuidada edición crítica de Evangelina Rodríguez nos permite asistir a las circunstancias y motivos que llevaron a Lope a escribir el Arte nuevo, convirtiéndose, más que en la inauguración de un nuevo teatro, en el apasionante relato de la audacia colectiva que lo impulsó.