Este libro deja constancia de la proliferación y la complejidad de los fenómenos que aguardan a quienes se interesan por las transformaciones que el saber experimenta en el nuevo territorio de las imágenes, compuesto por una intrigante mezcla de tradición y posmodernidad tecnológica.
La forma de transmisión de conocimiento básica de la humanidad ha sido la narración. Los cada vez más rápidos y notables avances técnicos han abierto todavía más puertas al acto de la narración. El lenguaje verbal y el pensamiento visual asociados a la imagen manufacturada o tecnológica han caminado juntos durante todo el siglo XX y han entrado en el nuevo siglo en una convergencia que ha creado formas de narración nuevas con propósitos cognitivos, educativos o simplemente lúdicos diferentes y cada vez más sofisticados. Hoy, los denominados medios audiovisuales ocupan un lugar central en la cultura de la narración. Este libro se ha concebido como una completa guía de viaje por los frondosos caminos de la narración. Parte del punto de vista de que las estructuras narrativas se hallan presentes en todas partes. La técnica (y, sobre todo, el audiovisual) sólo ha ampliado los límites posibles del acto de explicar historias.
El autor propone la idea de imagen compleja como una nueva forma de pensar las imágenes, dado que las nuevas complejidades de la imagen proponen situaciones híbridas por las que las dos formas de gestión del conocimiento -cultura textual y cultura visual- se alían a favor de la comprensión de una realidad también compleja que no admite las vicisitudes de antiguos paradigmas, como el de la imagen mimética, que han regido la comprensión de lo visual hasta muy recientemente. Como ejemplo concreto de imagen compleja se propone el estudio de la interfaz, entendida como nuevo modelo mental que nos impulsa a pensar de forma distinta las relaciones entre sujeto y objeto y entre espectador e imagen, así como el propio funcionamiento de ésta, investigando el concepto de metáfora visual y proponiendo una alianza entre el saber y la imagen como salida al estancamiento de una cultura atascada en un temor a la imagen de raíces ancestrales pero obsoletas tras más de un siglo de continua y completa visualización de lo real.
La imagen es un campo problemático en el que conviven percepciones, emociones e ideas. La imagen es a la vez soporte técnico-material y forma expresiva simbólica, y a través de ella podemos trazar universos de sentido que comunican y transfieren diversas temporalidades del devenir humano. Por ello, la imagen exige aproximaciones interdisciplinarias, desde las cuales establecer diálogos y alianzas conceptuales. No es lo mismo la imagen pictórica que la fotográfica o audiovisual, por ejemplo, pues todas constituyen campos de problematización complejos y exigen esfuerzos semióticos y filosóficos distintos. Así, la imagen no es algo "que se piensa" sino, precisamente, una forma del pensamiento mismo. Este libro establece un panorama de reflexión sobre el carácter complejo de lo visual, según una postura crítica, que nos guíe por el pensamiento semioestético, hasta una dimensión postsemiótica de la imagen. Image is a complex field in which perceptions, emotions, and ideas coexist. It is both a technical-material support and a symbolic expressive form, through which we can shape universes of meaning that convey and transfer diverse temporalities of the human...
La imatge en moviment, que va nàixer inaugurant un nou règim de la representació visual, implica l'aparició d'una nova forma de retòrica audiovisual que supera els límits del llenguatge cinematogràfic clàssic, i afavoreix el desenvolupament de formes de pensament inèdites que amplien el règim del pensar basat en la paraula. Aquest volum presenta una sèrie d'aproximacions a diferents facetes del fenomen cinematogràfic que van des de la pràctica de les avantguardes, passant per l'acostament a cineastes relacionats amb l'assaig fílmic, com Herzog, Farocki o Rossellini, així com per l'anàlisi de territoris connectats amb la memòria o amb el cinema popular. Mitjançant aquests enfocaments diversos, es cobreixen les diferents facetes del pensar cinematogràfic, que van des de la possibilitat d'un pensament essencialment fílmic al desenvolupament d'un pensar amb el cinema.
La presente publicación contiene un conjunto de artículos de diversa procedencia pero con un arraigo común, fruto de un encuentro realizado en el marco de investigación universitaria. En su momento, los trabajos que van a poder leer formaron parte del congreso INNTED 2017 I Congreso Internacional de Innovación y Tendencias Educativas, celebrado en la ciudad de Sevilla los días 5, 6 y 7 de julio de 2017, donde quedaron inscritos en la mesa de trabajo: Pedagogía en Artes y Diversidad. Finalmente estas ponencias se publican en el presente tomo en su versión extendida bajo revisión académica, ya como artículos de investigación. -
Este libro evalúa la aportación del documental cinematográfico y televisivo producido en España a partir de los años 90 al debate en torno a la memoria de la represión franquista. This book examines how a selected grof documentaries made since 1995 for both film and television inform the debate centered on the so-called "recuperation of memory" of the Spanish Civil War and dictatorship. Este libro evalúa la aportación del documental cinematográfico y televisivo producido en España a partir de los años 90 al debate en torno a la memoria de la represión franquista, por un lado, así como a la construcción de la identidad democrática, en términos más generales. Propongo que tanto los documentales con un enfoque histórico explícito como aquellos cuya mirada retrospectiva se realiza sin referentes tan concretos cuestionan el proyecto político teleológico concebido durante la Transición. La primera parte de mi estudio trata de la memoria histórica de la guerra civil específicamente y, la segunda, de la memoria en un sentido socioeconómico para apuntar el déficit de agencia del sujeto en la democracia neoliberal. En última instancia se reivindica la marginalidad ...
Este libro introduce y presenta el documental interactivo, una nueva forma audiovisual que nace y se posiciona en los últimos años dentro del ecosistema mediático. Esto sucede gracias a la eclosión del medio digital interactivo, que ha afectado a las lógicas de producción, exhibición y recepción audiovisuales del género documental tradicional. Durante los últimos años, estas nuevas dinámicas han transformado los procesos comunicativos y la naturaleza de los diferentes actores implicados, dando lugar a un nuevo ámbito que denominamos "documental interactivo". A partir de una muestra de casos significativos, se presenta en este libro un marco conceptual original con el objetivo de caracterizar el documental interactivo como terreno audiovisual específico, diferenciándolo a la vez de otras formas convencionales de documental y de no ficción interactivas. En definitiva, el texto muestra todo el potencial latente que encierra esta nueva manera de contar historias que parte de la narración y la interacción como elementos clave. Saber mezclar estos dos ingredientes adecuadamente es el secreto de la receta.
TicLaude es una propuesta totalmente nueva y pionera en el ámbito universitario, que ha nacido con el objetivo de facilitar a todos los estudiantes —jóvenes emprendedores universitarios de la UAB— de forma gratuita, y sin distinción formativa en cursos, grado, titulación, especialidad o nivel, los conocimientos necesarios para poder iniciar un proyecto de empleabilidad y futuro como emprendedores. Con TicLaude, desde la Facultad de Ciencias de la Comunicación, hemos iniciado una nueva ruta abriendo una puerta a la oportunidad de las ideas. Estamos propiciando que todos los alumnos de la UAB tengan a su alcance la formación precisa para hacer realidad sus proyectos, dando viabilidad a sus iniciativas mediante el conocimiento necesario para encauzar la creatividad y el empuje que se respira en las aulas. En la presente publicación se reúnen 18 artículos de diferentes autores en los que, desde diversas perspectivas que toman como punto de partida la realidad y objetivos de Ticlaude, se analizan la actual situación universitaria, social, económica y global, así como los retos y posibles oportunidades a los que esta situación nos enfrenta. Así, nos encontraremos una...
Las sociedades tecnificadas han acumulado una creciente cantidad de imágenes a través de la fotografía, el cine, la televisión, el arte y los nuevos dispositivos digitales, generando un universo visual: la iconosfera. Esta constituye una compleja red de interacciones que, además de transformar nuestra percepción del mundo, abre un espacio público donde son posibles nuevas relaciones, nuevos puntos de encuentro. Puntos de encuentro en la iconosfera ofrece al lector un lugar de interrelación entre distintos especialistas del sector, donde voces experimentadas entran en diálogo con otras más jóvenes para reflexionar sobre el pasado, el presente y el futuro de la producción audiovisual. El libro presenta, tanto a nivel temático como estructural, una visión actual, abierta e ineludible del mundo iconosférico en el que vivimos inmersos.
Una serie de investigadores de vanguardia de varias universidades mundiales han recibido el encargo de analizar el EEES. Así, se han recopilado sus investigaciones y reflexiones en torno a los nuevos contenidos en el área de comunicación a partir de las reformas que ha supuesto el Espacio Europeo de Enseñanza Superior (EEES o Plan Bolonia) como reto innovador en las aulas en tanto en cuanto contenidos y fórmulas. Esta aportación intelectual a las nuevas corrientes docentes se ha plasmado en un trabajo, multidisciplinar y variado, que se presenta en formato de libro, patrocinado por el Fórum Internacional de Comunicación y Relaciones Públicas (Fórum XXI), la Sociedad Española de Estudios de la Comunicación Iberoamericana (SEECI) y el Grupo de Investigación Validado Complutense Concilium. En estas páginas el lector podrá hallar un selecto grupo de trabajos encargados a unos autores comprometidos con las reformas educativas, quienes conforman la vanguardia actual en el campo de la Comunicación, para la confección de un estudio prospectivístico sobre las directrices por las que se encaminan los referentes de la nueva Universidad derivada del EEES. A través de los...
Más allá de la polémica que originó en su estreno en el 25 Festival de Venecia de 1964, El evangelio según San Mateo es importante por numerosos motivos antropológicos, filosóficos, religiosos y cinematográficos, aunque la mayoría de estudiosos del cine de Pasolini han pasado “como de puntillas”, sin prestarle la atención que merece. Fue, sin embargo, un momento clave en la vida de Pasolini, en el que inicia un nuevo estilo, una nueva forma de lenguaje que consolida en su cine posterior. En El evangelio según San Mateo se dan cita relatos contradictorios sobre el personaje de Jesús de Nazaret llamado El Cristo: ¿Quién es? ¿Cuál es su origen? ¿Quién es su familia? ¿Cuál es su comportamiento? ¿Qué pretende en su vida ¿De quién se rodea? ¿Cuál es su doctrina? ¿Es un hombre, un dios o un mito? Pasolini construye su narrativa sin una intención biográfica ni cronológica. La elección del texto de San Mateo se debe a su atractivo contenido pero, sobre todo, a su caótica estructura configurada por tradiciones orales yuxtapuestas sin ningún orden temporal. Su intención es adentrarse en el mito-sacro de ese Jesús capaz de trasmitir a la sociedad...
El film-ensayo es un subproducto que ha sido incansablemente generado desde el siglo de Montaigne, y que se ha plasmado en esos ejercicios liminares de escritura como los diarios personales, los autorretratos, los ejercicios epistolares, los diarios íntimos, las autobiografías, los ensayos. Este libro reflexiona sobre el film-ensayo. A partir de una indagación en los dispositivos retóricos propios del ensayo literario, se profundiza en la significación específica del cine documental, en las características generales de la forma ensayo y en la relación de las imágenes con el pensamiento. El film-ensayo es un laboratorio donde puede examinarse la confluencia de distintas formas de saber: literario, filosófico, artístico, emocional, tecnológico, psicológico o científico. El volumen incluye un análisis de las obras de cineastas que, para el autor, han sido especialmente significativos.
No sólo es Perdición (1944) una de las películas más importantes de la Historia del Cine sino que la estela de su influencia puede rastrearse hasta nuestros días. Para Woody Allen se trata de la mejor película jamás filmada por nadie. En cualquier caso, fue una obra decisiva para todo el cine negro rodado durante el final de la época de los Grandes Estudios. Esta primera película noir de Billy Wilder introdujo algo realmente nuevo en el cine americano: los delincuentes ya no eran criminales profesionales, ni pertenecían a la mafia; eran personas normales, de clase media, arrastradas por la ambición y la pasión sexual. Quizá lo realmente insólito de este filme sea que, siete décadas más tarde, todavía mantenga intacto su poder de seducción. Si Perdición sigue fascinando no es solo por el trabajo de adaptación que convirtió el poco convincente y banal argumento de la novela en un guion de complejo andamiaje, rico en punzantes diálogos y dotado de un ritmo de tintes jazzísticos, sino también porque Wilder supo orquestar la brillante interpretación de su reparto con una puesta en escena envolvente, dotada de una imaginería rica y sugestiva.
Este libro analiza algunas de las representaciones teatrales más significativas que abordan el pasado reciente de Argentina, concentrándose específicamente en la última dictadura militar. El trabajo se centra en obras dramáticas realizadas en la ciudad de Buenos Aires en el período 1995-2015. Cada una de ellas constituye un acto específico de memoria performativa en relación con el terrorismo de Estado y sus consecuencias, y, también, cada una escenifica formas diversas y contradictorias de narrar la historia del pasado reciente del país, lo que da lugar a memorias escénicas activas y disconformes con las narrativas socialmente establecidas y consolidadas. Con esas interpretaciones históricas se abre, así, una incesante y continua lucha de lecturas y sentidos.
La multitud de matices, citas e interpretaciones que ofrece La piel que habito subrayaban la necesidad de un estudio pormenorizado sobre ella. De un lado, si bien Almodóvar no se aleja del melodrama e incluso juega con el cine negro más clásico, la proximidad con el thriller fantástico y su filiación con el subgénero de Mad Doctors supone una novedad suficiente en la filmografía del director como para que esta producción resulte destacable. De otra parte, con Los ojos sin rostro de Franju y el relato de Tarántula de Jonquet en el punto de mira, la película supone un excelente ejercicio sobre lo trans, ya que no se detiene únicamente en lo transgénico, transgenérico y transexual, sino que, igualmente, se alude a lo transtextual. Así, el uso consciente de la obra de ciertos artistas en general y de Louise Bourgeois en particular, constituye una parte fundamental en la narración para completarla, estableciéndose de este modo una serie de relaciones que se analizan en el presente libro. Tanto la minuciosidad en la selección de los elementos que circundan a los protagonistas, como la meticulosa utilización del flashback, la interpretación desde las teorías queer y...
En esta ocasión,Telos ha confiado la tarea de dirigir este Dossier a dos reputados expertos que simbolizan por contraste un acercamiento fructífero y complejo: un investigador académico, Andreu Casero (Universidad Jaume I), y un consultor profesional, Antoni Gutiérrez-Rubí. Su "call for papers" llamaba a colaboraciones abiertas, señalando que: «El objetivo de este dossier central es analizar el momento actual de la relación entre la democracia y la comunicación, poniendo el foco en los cambios impulsados por los nuevos medios y la tecnología digital. Es decir, explorar cuáles son las aportaciones de los nuevos medios digitales a la democracia» ISBN: 978-84-08-11316-4
El estreno de La matanza de Texas cambió de manera radical y definitiva el devenir del cine de terror, convirtiéndose en un nítido ejemplo de lo que el género ha constituido temática, narrativa y formalmente en su periodo moderno. Cuatro décadas después de su realización, La matanza de Texas continúa influyendo en nuevas generaciones de cineastas e infundiendo terror a aquellos espectadores que se acercan a ella por primera vez merced al intenso estado de sugestión en el que Hooper sume a su público mediante la conjunción de un inteligente uso del montaje, unas imágenes con un look decididamente insalubre y sucio, la adopción de rasgos formales más propios del cine documental que del de ficción y una banda sonora conformada por incómodos efectos sonoros, entre otros recursos que el presente libro examina con minuciosidad.
Ladrón de bicicletas, una de las más logradas colaboraciones entre el director Vittorio De Sica y el guionista Cesare Zavattini, es una película esencial en la historia del cine. Ante todo, porque se trata de un filme admirable y que sigue emocionando –ese era su gran objetivo– de una manera similar a como lo hizo en su estreno. Pero también porque es una de las más esclarecedoras muestras del neorrealismo italiano, una tendencia cinematográfica que desde la posguerra, e incluso antes, estaba empezando a sentar las bases de la futura modernidad fílmica, y que influiría considerablemente en el cine mundial.La película narra algo tan habitual en la Roma de entonces como el robo de una bicicleta. Pero para Antonio Ricci y su familia adquiere tintes de tragedia, ya que la condición indispensable para desempeñar el trabajo que acaba de conseguir, tras dos años parado, es la posesión de una bicicleta. Junto con su hijo Bruno buscará desesperadamente por toda la ciudad su ansiado vehículo, mientras se nos irá presentando un variado muestrario de situaciones y tipos de todo el espectro social. Por primera vez en España se analiza la versión íntegra, incluyendo las...
La ópera prima del director Sam Mendes fue una de las mayores sorpresas del año 1999. Con esa particular mirada ácida y descarnada sobre la sociedad estadounidense –el reverso del American Way of Life– consiguió el reconocimiento unánime por parte de la crítica y del público. American Beauty se convirtió en un fenómeno social en USA gracias a la disección milimétrica planteada del día a día del modo de vida americano, mostrando el comportamiento de una serie de personas atípicas a través de sus miedos, deseos, mentiras o sueños en el entorno de una comunidad donde, prácticamente, todo el mundo debe fingir lo que no es para lograr sobrevivir. El tono de tragicomedia que envuelve la película nos permite presenciar momentos de cierta ternura junto con otros de auténtica desesperación e incluso violencia por parte de algunos de los protagonistas. El mensaje acerca de la idea de belleza americana del título original del filme es el motor simbólico de la trama, y sirve a Mendes para mostrar esa búsqueda existencial y los caminos que exploran para llegar hasta ella tanto Lester Burnham –principal foco de la acción– como el resto de personajes.
A pesar de las dudas iniciales, el estreno de Up supuso la confirmación del extraordinario momento creativo de los estudios Pixar a lo largo de la década de 2000. Encabezado por un inusual prólogo que incluía una de las secuencias más celebradas del cine reciente, el filme da paso luego a un frenético festín visual que supone el punto de encuentro entre la brillantez técnica de la animación norteamericana y la intensidad emocional del cine de Miyazaki, condensada en la alegoría de la casa flotante con sus globos de colores. El presente libro analiza en profundidad los diversos aspectos de una obra dirigida en apariencia al público infantil, pero con hermosas reflexiones sobre la pérdida y la aceptación de la muerte, en la que es sin duda una de las más relevantes obras maestras de la animación contemporánea.
Alien es mucho más que una magnífica película de ciencia ficción. Siendo cierto que gracias a ella el fantástico alcanzó madurez y consiguió un mayor acceso al público adulto, la grandeza de Alien -segunda película de Ridley Scott- consiste en que pulverizó las barreras entre géneros: terror, ciencia ficción o thriller. Con evidentes influencias del western y la roadmovie, Alien señala, junto a Blade Runner, el camino estético y narrativo por el que habría de discurrir todo el cine fantástico de las décadas posteriores. Dotada de una escenografía irrepetible y de un ritmo astutamente variable, Alien contiene una atmósfera llena de pesimismo que condensa a la perfección las angustias de la época en que fue filmada. Quizá por ello, las posteriores revisitaciones del propio Ridley Scott al universo de Alien demuestran que la obra original es inimitable en su esencia. Todo es terriblemente verosímil en Alien: la nave Nostromo y sus infinitos recovecos, sus siete protagonistas humanos, plenamente vigentes, y un diseño de producción espeluznante donde la malignidad del genio de H. R. Giger dotó a la criatura alienígena de eterna vida fílmica. Todo el rodaje...
El western ideal para todos aquellos a los que no les gustan los westerns, según Andrew Sarris, Solo ante el peligro fue producido por una modesta compañía independiente tras el desmoronamiento del sistema de estudios de Hollywood. Estrenado en 1952, a priori nadie esperaba gran cosa de este film debido a sus múltiples inconvenientes: presupuesto escaso, un director austriaco debutante en el cine del Oeste, una vieja estrella en decadencia o un guionista perseguido por el maccarthismo que ocultó en el subtexto una nada velada alegoría sobre la Caza de Brujas. Sin embargo, los astros se alinearon y Solo ante el peligro se convirtió en un fenomenal éxito de crítica y público, erigiéndose con el tiempo en un título clave en la evolución del western -a pesar de contar con enemigos como Howard Hawks o John Wayne- y en un clásico imperecedero del cine cuya influencia llega hasta nuestros días, extendida incluso al lenguaje popular. Un film a reivindicar más allá de su aparente simplicidad, ya que un análisis más profundo permite apreciar su condición de pionero en factores tales como la hibridación genérica, la crítica a los tópicos del cine mainstream o al...
Con el inicio del nuevo milenio la Literatura, el Cómic, el Cine y la Televisión parecen haber redescubierto la Antigüedad Clásica y, más específicamente, el Imperio Romano y los Juegos de Gladiadores. Series de televisión, películas, novelas y cómics se ambientan en la Roma imperial o tienen a gladiadores como protagonistas. Es el efecto Gladiator. Solo por ello esta película ya supone un hito en la historia reciente del cine, pero aún acumula más méritos, y entre ellos no es el menor haber conseguido que Ridley Scott, antaño director de culto y en aquel momento en horas bajas tras películas como La teniente O'Neill o Tormenta blanca, enderezara su carrera cinematográfica. Scott, apoyado por los avances tecnológicos y en sus conocimientos de Historia del Arte, y ayudado por su núcleo duro de colaboradores (el editor Pietro Scalia, el director de arte Arthur Max) y por un elenco de actores que aúnan experiencia (Derek Jacobi, Richard Harris, Oliver Reed) y pujanza (Joaquin Phoenix, Russell Crowe en su primera colaboración con este director), no se limita a retomar la tradición del epic, sino que la renueva profundamente con sus aportaciones estéticas y...
Desde su estreno mismo, Lola Montes se convirtió en uno de los films más controvertidos e incomprendidos de la historia del cine. Oculto durante décadas hasta su recuperación en 2008 por el Festival de Cannes, el testamento fílmico de Max Ophüls se erige sin embargo en un jalón esencial en la comprensión de la poética de uno de los grandes nombres del cine, así como de los corrimientos tectónicos que estaban teniendo lugar en el universo cinematográfico de los años 50. No en vano, concebido como un proyecto grandilocuente capaz de competir en igualdad de condiciones con las superproducciones de Hollywood, la provocadora intuición de Truffaut –que llegó a considerar el film como la primera película de la Nouvelle Vague– se revela clarividente: Lola Montes se sitúa en el punto de llegada de una forma de entender el cine que es también, in nuce, un punto de partida para los inexplorados senderos que terminaron por imponer la modernidad cinematográfica.
La fiera de mi niña, una de las obras más elogiadas del cine clásico y protagonista indiscutible de numerosas listas y antologías que la proclaman como una de las mejores comedias cinematográficas de la historia. Howard Hawks dirigió esta alocada y enérgica visión de la guerra de sexos, dominada por la inversión de roles, y donde ningún personaje parece estar cuerdo. Es una de las piezas más representativas de la denominada comedia screwball, con sus diálogos ingeniosos y vertiginosos, unos personajes variopintos con reacciones irracionales por encima de la lógica y, sobre todo, su confrontación de pares opuestos basada en el antagonismo entre la pareja protagonista. Guion, dirección y actuación, tres elementos especialmente vinculados entre sí lograron este prodigio: una obra magistral pionera en su época; una comedia innovadora que realiza un detallado análisis sobre las relaciones humanas, con una inversión de roles en la que la mujer se convierte en parte activa de la trama, marcando y sosteniendo el trepidante ritmo de la película, un ritmo afín con el sentido alocado del relato en el que se suceden las más disparatadas situaciones, que mezclan lo...
In the Mood for Love es, sin lugar a dudas, el film más representativo de Wong Kar-wai, el que le ha dado fama y reconocimiento mundial, y el que supone un punto de inflexión en su quehacer, ya que es resumen y paradigma del conjunto de sus films anteriores y, nos atreveríamos a decir, posteriores. Esta película es un claro ejemplo de la forma de trabajar de Wong Kar-wai: Ausencia de guión. Las tramas se construyen a medida que el rodaje avanza, mediante la implicación de sus actores fetiche, Tony Leung y Maggie Cheung, quienes, interiorizada la esencia de sus personajes, condicionan el avance de la historia (rodada con radicalidad cronológica) y sus propias características personales. Eliminación, en la fase de montaje, de los aspectos más obvios de la trama. Mediante este mecanismo, los espacios fuera de campo, las ausencias, los elementos sugerentes y la quiebra de las relaciones causa-consecuencia se constituyen en elementos determinantes. Esto, que resulta poco comprensible desde el punto de vista de los costes de producción (¿por qué rodar escenas que serán suprimidas al montar?), permite comprender que el rodaje de In the Mood for Love se prolongara durante...
Siempre polémica, atravesada por tremendas tensiones formales y narrativas, la escritura fílmica de Lars von Trier es una de las grandes experiencias cinematográficas de las últimas décadas. Su cine está a medio camino entre la carcajada bufonesca y la náusea más sincera, siempre suspendido entre una autoconsciente idiotez y una lucidez crítica con las estructuras ideológicas del mundo en el que vivimos fuera de toda duda. Melancolía supone uno de los grandes hitos de su carrera, una suerte de condensado filosófico y estético sobre sus búsquedas y sus hallazgos precedentes. Amarga, disparatada, desesperada y profundamente incómoda, la cinta es sin duda merecedora de un análisis como el que aquí proponemos: la búsqueda de su “decir cinematográfico”, pero también la escucha atenta de su denuncia descarnada de las relaciones que se establecen entre la quiebra de la subjetividad y los delirios impuestos por la economía neoliberal.
Easy Rider está incluida entre las cien películas más importantes de la historia por el American Film Institute. Desde su estreno en 1969 se convirtió en un extraordinario éxito de taquilla. Más de cincuenta años después se mantiene como un icono cultural y audiovisual reconocible en todo el mundo gracias a su banda sonora, pero también por su simbología, que ya forma parte del imaginario colectivo de su época. Easy Rider es también el punto de inflexión del que saldrían los creadores del “nuevo Hollywood”, una hornada de directores que decidió no seguir el camino trazado por las grandes majors norteamericanas y que dio origen a una nueva estética cinematográfica.
Los idiotas ocupa un lugar privilegiado entre las películas más representativas de Dogma 95, último gran movimiento de resistencia cinematográfica, no solo por haber sido dirigida por Lars von Trier, principal ideólogo del movimiento, sino sobre todo por acercarnos a esa radicalidad originaria de la propuesta que iría diluyéndose con el paso del tiempo. La cinta nos ofrece, así, una buena muestra de la estética ordinaria, la incorrección política, la ácida ironía y el fuerte impacto emocional sobre el espectador que caracterizaron a los primeros films de la corriente. Presentándonos la provocadora dinámica de unos jóvenes que simulan ser personas con diversidad funcional y sumergiéndonos en el misterio que alberga Karen, la mujer que topa con el grupo por casualidad, Los idiotas nos insta a reflexionar sobre los beneficios terapéuticos de la idiotización y a posicionarnos ante la voluntad de Dogma 95 de hacer el idiota en el mundo del cine.
El verdugo (1963) es una de las obras cumbre del cine español y una película básica para comprender el arranque económico del desarrollismo franquista, sustentado en la polarización de la industria pesada y el desarrollo del turismo de costa. La imagen desenfadada y de “progreso” que Franco quiere dar de cara al exterior, contrasta con las miserias de un estado dictatorial excesivamente burocratizado que aplica la pena de muerte y no puede evitar los movimientos migratorios desde las zonas rurales más desfavorecidas a las ciudades más pujantes y a países extranjeros como Alemania, Francia o Suiza. Probablemente la mejor película de Berlanga, supone la cuarta colaboración entre el director valenciano y Rafael Azcona que firman un esperpéntico guion trufado de situaciones absurdas, donde predomina el humor negro, sin abandonar la tradición realista de la cultura española, narrando las miserias de un funerario (Nino Manfredi), que se casa de penalti con la hija de un verdugo (Emma Penella), y que cae en una trampa burocrática que le hará optar a un puesto de ejecutor de la ley, para no perder el piso del patronato que correspondía a su suegro (José Isbert), por...
Tras una exitosa carrera en el cine británico, Hitchcock desembarcó en Estados Unidos a finales de los años treinta para realizar Rebeca, adaptación de la novela homónima de Daphne du Maurier. Durante largos años, esta obra ha permanecido a la sombra de otros filmes de su director, como Psicosis (1960) o Vértigo (1958), quizá por tratarse, aparentemente, de una película más convencional. Sin embargo, un análisis atento de sus formas y su estructura permiten ver que bajo la apariencia de clasicismo Rebeca articula unos planteamientos formales y narrativos de una complejidad notable.Este libro analiza la manera en la que Hitchcock construye su filme, reivindicando la modernidad de esta película tradicionalmente menospreciada por la crítica y ejemplo paradigmático del modelo clásico hollywoodiense. Carmen Arocena Badillos (Bilbao, 1964) es profesora titular en la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación de la Universidad del País Vasco/ Euskal Herriko Unibertsitatea. Su actividad investigadora se centra en el análisis fílmico, análisis semiótico e historia del cine español. En la actualidad, su línea investigadora se ha ampliado hacia la utilización...
Un piano abandonado en la playa, la pequeñez de una silueta femenina ante la inmensidad de la selva neozelandesa o una mujer acampada con su hija, de noche, bajo el miriñaque de su falda decimonónica son algunas de las imágenes que inauguran el relato de El piano (Jane Campion, 1993). La historia ubica en Nueva Zelanda un drama victoriano que enhebra conflictos propios del género –un matrimonio forzado, un triángulo amoroso en cuyos personajes masculinos acecha una vertiente sombría, el comportamiento ambiguo de una niña, una tentativa femenina de suicidio– con el imaginario estético de la cultura romántica: la banda sonora compuesta por Michael Nymann, grandes planos generales de océanos rugientes y bosques frondosos y la presencia de un personaje singular –una madre soltera, muda desde niña y virtuosa pianista– cuyo punto de vista vertebra el relato.
Antes de labrarse su carrera como cineasta, Clint Eastwood trabajó como actor a las órdenes de otros realizadores. Uno de ellos, el director norteamericano Don Siegel, fue su referente a la hora de construir su propio estilo fílmico junto con el italiano Sergio Leone. Famoso gracias a películas como La invasión de los ladrones de cuerpos, Crimen en las calles, The Lineup, Código del hampa o Brigada homicida, Siegel dirigió a Eastwood en varias ocasiones. Una de las más memorables fue Harry el sucio, vibrante thriller y uno de los títulos más significativos de la renovación que experimentó el cine policíaco estadounidense a principios de los años setenta. El retrato de un duro policía de San Francisco que, en su afán por capturar a un asesino en serie, acaba saltándose los límites de la legalidad, servía para trazar un ambiguo y polémico contraste que diluía las diferencias entre el inspector y el criminal. Harry el sucio es un clásico del género y estableció un patrón que pervive en la actualidad.
Considerada como una de las obras maestras del malogrado director Satoshi Kon, Perfect Blue es uno de los filmes sobre los que la animación comercial japonesa contemporánea ha construido su identidad como producto cultural atravesado, por un lado, por elementos propios de la ficción de explotación, y, por otro, por rasgos pertenecientes a la complejidad narrativa de la narración postclásica. La ópera prima de Kon va más allá de las superficiales representaciones del mundo de las idols japonesas y explora los elementos más sombríos del entramado del entretenimiento mediático que las sustenta: la inmoralidad de sus agencias de representación, lo deshonesto de los productores televisivos, el potencial obsesivo de los otaku y, sobre todo, de las secuelas psicológicas a las que están sometidas las idols.
Jennie es la película que mejor define el cine de William Dieterle. La sensibilidad del director queda patente en cada fotograma de esta historia intimista y romántica. Una película que habla del arte y la naturaleza, del tiempo, el amor y la muerte. Un relato que transita en la delgada línea que separa lo real y lo sobrenatural. La producción supuso una amarga experiencia para su extraordinario equipo y dio un vuelco a la carrera del productor David O. Selznick. Jennie fue una película atípica para el Hollywood de los años cuarenta. Incomprendida entonces, hoy es una obra de culto en busca de su lugar en la historia del cine. Jennie ha influido de manera profunda en cineastas como Alfred Hitchcock o Luis Buñuel que dijo de ella: “es la entrada en un mundo maravilloso en el que nada se explica, por fortuna”.
Andréi Tarkovski, uno de los directores soviéticos más aclamados por la crítica mundial, estrenó en 1972 su adaptación de la novela de Stanislaw Lem, Solaris, una historia de ciencia ficción que se convirtió en su película más conocida fuera de la Unión Soviética. La escurridiza frontera entre la realidad y la ilusión o los límites del conocimiento humano y al mismo tiempo su grandeza, son algunos de los temas que el director aborda en esta película de tempo moroso y cuidada fotografía y puesta en escena, en la que están presentes buena parte de los recursos estilísticos y narrativos característicos de su director.
Convertido en un icono ineludible de la historia del cine gracias a sus interpretaciones en la serie de películas del detective Harry Callahan y los spaghetti western de Sergio Leone, Clint Eastwood ha tenido que luchar para quitarse la simple etiqueta de “tipo duro” para ser considerado como uno de los mejores directores estadounidenses de las últimas décadas y una suerte de cronista cinematográfico de su país de origen. Habiendo conseguido su consagración como cineasta con Sin perdón, el autor norteamericano pasó la década de los noventa encadenando cintas apreciables que sin embargo no superaron o igualaron el éxito de su último western hasta que ya iniciado el siglo XXI estrenó Mystic River. La película protagonizada por Sean Penn, Tim Robbins y Kevin Bacon fue reconocida inmediatamente como una obra maestra de tintes negros que inauguraba una nueva etapa de madurez fílmica para su artífice, que sería confirmada un año después con la multipremiada Million Dollar Baby. La obra que nos ocupa es una historia que reúne gran parte de las inquietudes de su director, como el retrato de la violencia dentro de los núcleos familiares, y que consigue radiografiar...
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