Biblioteca Digital (PDF / EPUB)

Fascinación, glamour, seducción... Pocas figuras eran comparables a las estrellas de cine durante los años cuarenta y cincuenta, cuando el séptimo arte era el gran medio de entretenimiento de masas. En especial, las actrices, que gozaron de una popularidad y un carisma que las convirtieron en instrumento de creación de identidades para muchas seguidoras. España también contó con su propia constelación. Sin embargo, en un contexto de precariedad y represión moral, estas mujeres no se ajustaban al ideal de feminidad que la dictadura franquista intentaba imponer al conjunto de españolas. Se constituyeron, pues, en modelos heterodoxos que suponían un desafío a los códigos normativos de género, ya que no representaban los preceptos de domesticidad y maternidad, subordinación al varón, recato... El presente libro muestra cómo, a través de las películas que protagonizaron y de sus apariciones en los medios de comunicación, se construyó su imagen como estrellas. Una proyección que a menudo resultaba incómoda para el régimen, que trató de resignificar o silenciar aquellos aspectos inconvenientes. Tres actrices encarnaron bien este desafío: Amparo Rivelles, Sara...

El presente libro ofrece una reflexión sobre el arte a través de sus «derivas», es decir, los movimientos que anidan en la creación y que hacen que en el arte actual quepan todas las maneras. A lo largo de sus capítulos no sólo se considera la creación propiamente dicha sino también la disciplina de la Historia del arte, sus límites y la necesidad de plantear nuevos métodos y estrategias de lectura. Y ello a partir de un modo de entender el conocimiento a través de intercambios de saberes entre disciplinas –afines o no–, en lugar de querer encapsularlo en un único y delimitado campo. Son estos saberes reticulares los que explican las mencionadas «derivas», que, partiendo de un núcleo central que podría resumirse en un análisis de la teoría y la historia del arte global de las dos últimas décadas, se diversifican en múltiples visiones no jerárquicas que dan cuenta de los contextos en los que se generan y operan. En definitiva, este texto desarrolla una serie de «líneas de fuga» que, desde la crítica de arte, los Estudios Visuales, el concepto de archivo o el de globalización, tanto convergen como divergen buscando un movimiento continuo y, en último ...

Agudo repaso del Arte Conceptual examinado a través de los más importantes artistas, sus obras y aporte teórico, que tan hondo ha calado desde su nacimiento en la década de los 60 hasta nuestros días en todas las esferas de las Artes Visuales.

El objeto y el aura es un libro insólito por su voluntad de plantear los grandes problemas del arte contemporáneo desde una perspectiva histórica distinta a la privilegiada por la crítica de arte habitual. Rompe, además, con la visión tradicional del significado de la irrupción del arte moderno. Juan Antonio Ramírez, catedrático de Historia del arte de la Universidad Autónoma de Madrid, es actualmente uno de los autores más prestigiosos de ámbito nacional, con proyección internacional, en el campo del Arte contemporáneo.

Estudio de las vanguardias y neovanguardias artísticas, desde el minimalismo y el pop-art hasta nuestros días. Va acompañado de abundante material gráfico.

Esta colección de ensayos del erudito y crítico Thomas McEvilley se ocupa primordialmente de tres temas. En primer lugar, varios ensayos presentan su crítica filosófica del enfoque formalista/estético del arte. La deconstrucción de la teoría kantiano/greenbergiana y de su función social por parte de McEvilley domina el discurso sobre ese tema desde hace veinte años. Tras despejar el campo de la herencia casi teológica, McEvilley lo abrió a una amplia perspectiva multicultural. La famosa crítica de la “Exposición ‘Primitivismo’” en el Museo de Arte Moderno en 1984 inauguró el discurso del multiculturalismo en las artes visuales. McEvilley ha escrito sobre el arte contemporáneo en Asia. África y Latinoamérica, así como en los Estados Unidos y Europa occidental, y ha abogado repetidamente por un enfoque polifacético de la cultura a escala global. En el último ensayo de esta sección, McEvilley expresa sus recelos con respecto al momento actual: ¿se burla la globalización económica del sueño del globalismo cultural? ¿Se apoyan o se oponen entre sí estas tendencias? Por último, varios ensayos sobre artistas individuales analizan tendencias recientes...

Reflexión sobre cómo imaginar un nuevo arte o arquitectura a través de artistas modernos clave.

Los últimos alardes dadaístas del inteligente Duchamp quebraron la tradición artística en fragmentos. En adelante, la reconstrucción minuciosa y artesanal del entramado, el escenario y el público acordados para el arte iban a convertirse en una ardua, por refutable, tarea. Desplazado, el objeto artístico no era ya el actor principal, sino un tímido actor de reparto. El artista, sin embargo, mantenía su infranqueable ansia de perpetuidad, sus afectos y defectos, aunque la naturaleza de su disciplina mudara su especificidad en aire, su empirismo en teoría y su identidad en espejo. En los años ochenta, la transvanguardia en Italia, la nueva expresión en España o el neoexpresionismo en Alemania son síntomas de esa dolencia espiritual (fin del arte) que se ha dado en llamar posmodernidad y cuyas propuestas (unas más que otras) iban a concretarse en propósitos de enmienda para la plástica. A causa de circunstancias históricas trágicas y humanas –"demasiado humanas"–, el neoexpresionismo alemán, con Baselitz, Lüpertz, Penck, Kiefer, Richter, Polke e Immendorf a la cabeza, resuelve reinstaurar el espíritu alemán sin perder de vista la tierra quemada. Para ello,...

Hay un hilo secreto que conecta las pinturas rupestres de la cueva de Altamira, los bestiarios medievales, las campañas de reclutamiento de soldados durante la Primera Guerra Mundial, los posters psicodélicos de los conciertos de rock, las tapas de las revistas de moda, la apropiación de productos de consumo en obras del arte pop y la irrupción de las nuevas tecnologías en la vida cotidiana. En cada uno de los momentos en que el ser humano tuvo necesidad de comunicar algo mediante signos, el diseño gráfico estuvo presente, a veces de manera solapada, pero a medida que se consolidó el capitalismo llegó a convertirse en una actividad crucial de nuestra cultura. Johanna Drucker y Emily McVarish recorren esa historia y organizan, de manera cronológica y a partir de una impactante profusión de imágenes, los hitos que marcan sus hallazgos y rupturas.

La lupa de Beckett es un estudio sobre la relación del escritor irlandés con la pintura, pero también sobre lo imaginario y lo visible en su escritura. ¿Qué vemos al acercarnos, con una lupa sobre el lienzo pictórico, a lo que ya no se puede nombrar o decir? La cuestión de fondo es el estatuto ético y estético de lo visible y lo decible, un viejo problema que en el caso de Beckett se replantea en los términos característicos de la modernidad tardía.?Las dos partes principales del ensayo se consagran a dos aspectos del problema: la primera trata sobre lo visible y lo invisible en la escritura de Beckett y, la segunda, sobre sus relaciones con el informalismo parisino de los años cuarenta, especialmente con Bram van Velde. Una tercera parte, a partir de la relación entre Beckett y Duchamp al hilo del juego del ajedrez, pretende señalar aquello que se ve al aplicar la lupa de Beckett sobre las imágenes y lo imaginario.

El libro cuenta con 14 ensayos de distintos académicos entorno a la obra de exilio que realizó Kurapel en Canadá tras el Golpe Militar.

Este libro, el primero dedicado íntegramente a la obra de Valeria Sarmiento, contiene una serie de ensayos que abordan diversos aspectos de su obra fílmica y una selección de documentos que incluyen su discurso de recepción del Doctorado Honoris Causa otorgado por la Universidad de Valparaíso, una extensa conversación con los editores, una filmografía comentada y un álbum de imágenes de su carrera.

Una vez que Internet y las redes sociales se han convertido en elementos indispensables de nuestra experiencia cotidiana, hasta el punto de que resulta difícil imaginar nuestra vida sin ellos, comienza a ser necesario realizar una "arqueología" de estos espacios. El presente libro se hace cargo de esa necesidad y se aventura en la excavación de nuestro pasado reciente, centrándose en analizar el papel que tuvieron las redes sociales en la primera década de nuestro siglo a la hora de configurar nuestras identidades. Concretamente, se centra en el desarrollo de identidades que hasta la aparición de la red no tenían un lugar propiamente dicho en el espacio político: las identidades abyectas y monstruosas. Para ello se narran, las historias de vida de diez cuerpos abyectos (personajes, obesos, personas con enanismo...) que además de su anomalía física resultan incomprensibles por su carácter fanático y por su particular relación con la cultura de masas, siendo por ello definidos socialmente como "freaks".

Este libro es resultado del seminario realizado en el marco de la celebración de los 25 años del Programa de Estudios de Género de la PUCP. Es también la demostración del papel crucial de nuestra universidad en la promoción y producción de conocimiento en esta área de trabajo académico. El libro recoge aportes de importantes investigadores que forman parte de la Maestría en Estudios de Género, así como de profesores visitantes, entre los que destacan Rita Segato y Daniel Balderston. Los artículos reunidos estudian el género desde distintas perspectivas interdisciplinarias y abordan temas tales como las dimensiones de la violencia de género, la diversidad sexual, el amor romántico, la necesidad de una educación que reconozca las desigualdades de género en nuestro país y las múltiples aristas de las representaciones del género en la cultura contemporánea: el cine, los medios de comunicación masiva, los testimonios de la CVR y la tradición literaria peruana y latinoamericana.

Muchas dudas invaden al espectador del arte de hoy: lo que antes era válido, hoy resulta obsoleto. Unos se preguntan si aquello se puede llamar arte, mientras otros simplemente declaran su muerte. Por supuesto, es una enunciación precipitada, porque con la disolución de sus límites el arte no desaparece. No se trata del fin del arte, sino del fracaso de las viejas doctrinas que pretenden explicarlo. De ahí que este libro plantea abordar los conceptos considerados como más emblemáticos de la teoría estética posmoderna presentada por los autores que constituyen sus ejes fundamentales: el eclecticismo radical de Charles Jencks (capítulo I), el pastiche y la esquizofrenia de Fredric Jameson (capítulo II), la cita, la ironía, el laberinto y lo absurdo de Umberto Eco (capítulo III), el simulacro de Jean Baudrillard (capítulo IV), la deconstrucción de Jacques Derrida (capítulo V) y el rizoma y el esquizoanálisis de Gilles Deleuze - Felix Guattari (capítulo VI). El análisis de estos conceptos responde a un doble propósito. Por una parte, puede proporcionar una herramienta conceptual para describir los procesos transcurridos en las prácticas artísticas actuales,...

Este libro explora nuestra historia cinematográfica a partir del archivo fílmico, la documentación, la crítica y las miradas subjetivas, que nos permiten establecer una historiografía del cine chileno y latinoamericano.

Este libro busca suplir un vacío en los estudios sobre el ensayo colombiano, un vacío que, como se puede constatar en cualquier pesquisa bibliográfica, es teórico y crítico, divulgativo y patrimonial, y que se ha extendido desafortunadamente hasta las antologías y los estudios sobre el ensayo hispanoamericano, materiales en los que la producción ensayística colombiana es casi invisible. Para tal fin, elige acercarse a su objeto de estudio desde una perspectiva doble. En primer lugar, busca suscitar una pregunta por el ensayo colombiano del siglo xx; y, por otro lado, indaga en la obra de tres ensayistas que se podrían considerar representativos, tanto de las modalidades estéticas del ensayo, como de las zonas grises que pueden dejar la historia y la crítica literarias cuando se dedican a perpetuar definiciones sin someterlas a revisión o reconstrucción histórica. La expresión "modalidades estéticas", pese a ser problemática, sirve para indicar la voluntad artística que hay en las construcciones ensayísticas analizadas y para acusar más explícitamente la índole "crítica" de la aproximación. Si se opta por dedicar atención a Baldomero Sanín Cano, Hernando...

Los jóvenes adquirieron un lugar protagónico a lo largo del siglo xx como actores ligados a las dinámicas de modernización sociocultural. La juventud devino metáfora de cambio a medida que cuestionaba la autoridad del pasado y ponía en tela de juicio el poder patriarcal y las normas profundamente arraigadas de la interacción familiar y social. A partir de la reunión de materiales dispares, desde archivos institucionales hasta películas, grabaciones musicales y expedientes policiales, Valeria Manzano examina cómo la juventud pasó a ser una categoría central, cuyos representantes se contaron entre los actores culturales y políticos más dinámicos de Argentina desde el derrocamiento del segundo gobierno de Perón hasta el golpe militar de 1976, pasando por las revueltas de mayo de 1969. ¿Cómo se la entendió, debatió y reguló en esos años de fuertes convulsiones políticas y transformaciones culturales? ¿Cuál fue el rol de la educación secundaria y universitaria, cada vez con más alcance entre los jóvenes de distintas clases sociales? ¿Qué cambios implicaron los nuevos consumos culturales, las novedosas prácticas de esparcimiento, la progresiva erotización ...

¿Cómo han sido los tránsitos y aspectos del melodrama en Chile? ¿Solo lo podemos encontrar en forma de género dramático, o hay ciertos elementos que impregnan a los creadores de la escena? Espérame en el cielo, corazón. El melodrama en la escena chilena de los siglos XX- XXI, analiza los diversos estados y estratos de la categoría melodramática a lo largo del teatro chileno del recién pasado siglo hasta nuestra fecha, indagando en sus diversas formas y fondos. Los diferentes ensayos teóricos, análiticos y críticos que conforman el presente libro, no buscan unificar el concepto sino más bien diversificarlo, cuestionarlo en sus múltiples materialidades. El melodrama como representación de un nuevo poder social que asciende a la esfera del entretenimiento y que tiene voz para decidir qué ver y no ver; el melodrama como gestus actoral o dramático dentro de las propuestas escénicas de postdictadura; el melodrama como un elemento de indentificacción y diferenciación política que conforma una esfera de lucha contra el sistema elitista imperante; el melodrama como apoyo y conflicto dentro de los creadores y públicos de los siglos estudiados; el melodrama como parte ...

Si entendemos la cultura pop como un espacio de negociación política en el que se establecen batallas culturales relacionadas con el feminismo y el antirracismo, la figura de Beyoncé se encuentra en la encrucijada de muchas de esas luchas. Beyoncé en la intersección. Pop, raza, género y clase de Elena Herrera Quintana, primera obra publicada en castellano que analiza desde un enfoque multidisciplinar la trayectoria de la artista estadounidense, nos ofrece un estudio pormenorizado de muchas de sus influencias y referencias simbólicas y del metarrelato que ha construido a lo largo de su carrera. Contextualizando a la creadora de Lemonade y del reciente Renaisannce dentro de la corriente que se ha venido a llamar "feminismo de celebridades", la autora demuestra que su propuesta dio el pistoletazo de salida para toda una serie de manifestaciones feministas que se empezaron a suceder en la cultura pop y mediática. Además de repasar las claves musicales de su carrera, el libro se centra en las lecturas feministas y antirracistas que se han hecho de la obra de Beyoncé, considerada en ocasiones como punta de lanza para que las personas más jóvenes tomen contacto con los...

Síntesis interpretativa sobre la arquitectura, la pintura y la escultura del siglo XX. Se describen y explican las principales tendencias artísticas, se tratan de forma individualizada los grandes nombres y se comentan las obras más representativas. Aunque el ámbito geográfico es universal, se presta particular atención a las manifestaciones artísticas españolas. El marco cronológico se prolonga hasta los primeros años del siglo XXI.

Completa reflexión sobre el concepto de posmodernidad, que analiza su significado y su repercusión en los distintos ámbitos de la creación y la sociedad contemporáneas.

Robert Morris (Kansas City, 1931) es uno de los artistas clave para entender el desarrollo y la evolución del arte durante la segunda mitad del siglo XX. Su obra ha transitado prácticamente por la mayoría de los movimientos y tendencias del arte desde finales de los años cincuenta hasta la actualidad. Ha pintado a la manera expresionista, ha realizado obras neodadaístas y conceptuales, estructuras primarias y formas escultóricas minimalistas, trabajos de arte procesual, intervenciones en el arte de la tierra, acciones de reivindicación social, crítica institucional al museo y la galería, danza, performance, vídeo o dibujo. Aunque ha sido su vinculación con el minimal art y la escultura de los años sesenta la que le ha garantizado un lugar en el canon del arte contemporáneo, la riqueza de su producción artística abarca otro gran número de preocupaciones y temáticas entre las que se encuentran la experiencia del cuerpo, el movimiento, el proceso, el tiempo real, la reivindicación de la condición social del artista como trabajador, la relación entre visión y ceguera, entre texto e imagen, la memoria, la muerte, la catástrofe o la melancolía. Cuestiones en todos ...

“Desde una articulación multidisciplinar –aunque desde un eje de interpretación psicoanalítico -, el libro propone una reflexión sobre la idea de la “muerte del Arte”. Lo hace en base a una homología existente hoy entre el objeto del arte contemporáneo, y la nueva subjetividad de sus creadores y espectadores. La convergencia en su condición de objeto, sería el efecto mayor de la primacía del discurso científico-técnico, el nuevo capitalismo de mercado y la crisis simbólica de la subjetividad moderna, que afectan hoy a la totalidad de la Cultura”.

En El arte de hoy, su red estética, el Dr. Mario Padilla Lobato, hace una reconstrucción histórica del concepto de arte y de cómo cambia su semántica a través del tiempo y contexto, que va desde el concepto del griego Tecné, hasta los actuales Dispositivos Metartísticos. Poniendo de manifiesto la red de conceptos, dinámicas y relaciones que operan hoy en lo que podría ser un nuevo fenómeno, y una nueva forma de entender lo que el arte significa, si es que aun significa algo. — Caleb Olvera Romero —

Parece conveniente pensar la historia del arte en un momento en que el término arte asume, más que nunca, una dimensión multidisciplinar. Revisar los métodos de la disciplina es hacer propias las propuestas más recientes y reflexionar sobre la utilidad de otras más antiguas. En este libro, los enfoques vigentes de la disciplina (algunos admiten una larga proyección en el pasado) se entienden como estrategias narrativas de un relato que posee una fuerte especificidad, pero que puede construirse de muchas maneras; esa, que es una de las grandes fortalezas de la historia del arte, parece también una de sus debilidades.

El montaje como traducción cuestiona la presentación expositiva del arte contemporáneo por medio de varias preguntas relacionadas con las transformaciones en la manera de hacer, de mostrar, de ver y de entender al arte desde finales de los años 60 hasta la actualidad. En obras cuya forma es variable e inestable, ¿existe un procedimiento correcto de exhibición? ¿Qué sucede con aquellas manifestaciones artísticas que no han sido pensadas para ser expuestas? ¿Es el formato expositivo el medio adecuado para cualquier tipo de obra? ¿Cómo volver a mostrar una obra instalativa cuando las condiciones originales de presentación han desaparecido? ¿Debemos optar por la traducción y esclarecimiento del contexto de producción de una pieza o, más bien, conviene diseñar montajes en los que se prime la experiencia del espectador ante la obra sin ningún tipo de mediación?

Estos estudios son una selección de aquellos presentados y discutidos en el I Congreso Nacional de Jóvenes Historiadores, reunión científica celebrada en Murcia en febrero de 2014. Allí, y bajo las premisas del debate y el intercambio del conocimiento, se plantearon estas visiones en torno a un territorio y una memoria, de la aguda necesidad que experimentan los pueblos de poseer una conciencia clara de su patrimonio histórico y cultural como arma fundamental para combatir toda clase de engaños, manipulaciones y tópicos, tan frecuentes en estos últimos tiempos. Este primer congreso tuvo como objetivo investigar aspectos diversos del patrimonio histórico artístico del levante español, particularmente en la zona de Murcia, pero el propósito de los organizadores ha sido y es no circunscribirse exclusivamente a áreas locales, sino dar una mayor amplitud de miras a los trabajos que constituyan las aportaciones de los futuros congresos. La idea de convocar a jóvenes investigadores que, recién terminada su licenciatura de Historia del Arte, intentan hacer sus primeras armas en el campo de la investigación artística, nos parece excelente e...

Tras un primer capítulo en el que plantea los problemas fundamentales del arte contemporáneo teniendo en cuenta las reflexiones de Benjamin, Adorno y Greenberg, así como los cambios habidos en la industria de la cultura y la comunicación, en la tecnología y el mercado, Di Giacomo traza las líneas fundamentales del arte contemporáneo a partir del desarrollo de la vanguardia, el cubismo, las obras de Braque y Picasso, la ruptura radical que supone el trabajo de Duchamp, el surrealismo y el dadaísmo, y la posterior evolución del arte abstracto, Malevich y Kandinsky. Los cambios políticos, culturales y sociales, morales también, habidos tras la Segunda Guerra Mundial determinaron trayectorias significativamente diferentes a las mantenidas hasta entonces. Di Giacomo estudia a Giacometti y a Bacon, pero también las creaciones del Minimalismo y del Arte Conceptual, no menos que las de una "nueva figuración" que tiene su mejor expresión en el "realismo" de Koons: paradójicamente, la realidad se aplica a imitar al arte. El arte no está, sin embargo, exento de rebeldía y testimonio: Beuys, Boltanski y Kiefer son los mejores ejemplos a este respecto.