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Fascinación, glamour, seducción... Pocas figuras eran comparables a las estrellas de cine durante los años cuarenta y cincuenta, cuando el séptimo arte era el gran medio de entretenimiento de masas. En especial, las actrices, que gozaron de una popularidad y un carisma que las convirtieron en instrumento de creación de identidades para muchas seguidoras. España también contó con su propia constelación. Sin embargo, en un contexto de precariedad y represión moral, estas mujeres no se ajustaban al ideal de feminidad que la dictadura franquista intentaba imponer al conjunto de españolas. Se constituyeron, pues, en modelos heterodoxos que suponían un desafío a los códigos normativos de género, ya que no representaban los preceptos de domesticidad y maternidad, subordinación al varón, recato... El presente libro muestra cómo, a través de las películas que protagonizaron y de sus apariciones en los medios de comunicación, se construyó su imagen como estrellas. Una proyección que a menudo resultaba incómoda para el régimen, que trató de resignificar o silenciar aquellos aspectos inconvenientes. Tres actrices encarnaron bien este desafío: Amparo Rivelles, Sara...

El presente libro ofrece una reflexión sobre el arte a través de sus «derivas», es decir, los movimientos que anidan en la creación y que hacen que en el arte actual quepan todas las maneras. A lo largo de sus capítulos no sólo se considera la creación propiamente dicha sino también la disciplina de la Historia del arte, sus límites y la necesidad de plantear nuevos métodos y estrategias de lectura. Y ello a partir de un modo de entender el conocimiento a través de intercambios de saberes entre disciplinas –afines o no–, en lugar de querer encapsularlo en un único y delimitado campo. Son estos saberes reticulares los que explican las mencionadas «derivas», que, partiendo de un núcleo central que podría resumirse en un análisis de la teoría y la historia del arte global de las dos últimas décadas, se diversifican en múltiples visiones no jerárquicas que dan cuenta de los contextos en los que se generan y operan. En definitiva, este texto desarrolla una serie de «líneas de fuga» que, desde la crítica de arte, los Estudios Visuales, el concepto de archivo o el de globalización, tanto convergen como divergen buscando un movimiento continuo y, en último ...

Agudo repaso del Arte Conceptual examinado a través de los más importantes artistas, sus obras y aporte teórico, que tan hondo ha calado desde su nacimiento en la década de los 60 hasta nuestros días en todas las esferas de las Artes Visuales.

Reflexión sobre cómo imaginar un nuevo arte o arquitectura a través de artistas modernos clave.

El objeto y el aura es un libro insólito por su voluntad de plantear los grandes problemas del arte contemporáneo desde una perspectiva histórica distinta a la privilegiada por la crítica de arte habitual. Rompe, además, con la visión tradicional del significado de la irrupción del arte moderno. Juan Antonio Ramírez, catedrático de Historia del arte de la Universidad Autónoma de Madrid, es actualmente uno de los autores más prestigiosos de ámbito nacional, con proyección internacional, en el campo del Arte contemporáneo.

Esta colección de ensayos del erudito y crítico Thomas McEvilley se ocupa primordialmente de tres temas. En primer lugar, varios ensayos presentan su crítica filosófica del enfoque formalista/estético del arte. La deconstrucción de la teoría kantiano/greenbergiana y de su función social por parte de McEvilley domina el discurso sobre ese tema desde hace veinte años. Tras despejar el campo de la herencia casi teológica, McEvilley lo abrió a una amplia perspectiva multicultural. La famosa crítica de la “Exposición ‘Primitivismo’” en el Museo de Arte Moderno en 1984 inauguró el discurso del multiculturalismo en las artes visuales. McEvilley ha escrito sobre el arte contemporáneo en Asia. África y Latinoamérica, así como en los Estados Unidos y Europa occidental, y ha abogado repetidamente por un enfoque polifacético de la cultura a escala global. En el último ensayo de esta sección, McEvilley expresa sus recelos con respecto al momento actual: ¿se burla la globalización económica del sueño del globalismo cultural? ¿Se apoyan o se oponen entre sí estas tendencias? Por último, varios ensayos sobre artistas individuales analizan tendencias recientes...

Los últimos alardes dadaístas del inteligente Duchamp quebraron la tradición artística en fragmentos. En adelante, la reconstrucción minuciosa y artesanal del entramado, el escenario y el público acordados para el arte iban a convertirse en una ardua, por refutable, tarea. Desplazado, el objeto artístico no era ya el actor principal, sino un tímido actor de reparto. El artista, sin embargo, mantenía su infranqueable ansia de perpetuidad, sus afectos y defectos, aunque la naturaleza de su disciplina mudara su especificidad en aire, su empirismo en teoría y su identidad en espejo. En los años ochenta, la transvanguardia en Italia, la nueva expresión en España o el neoexpresionismo en Alemania son síntomas de esa dolencia espiritual (fin del arte) que se ha dado en llamar posmodernidad y cuyas propuestas (unas más que otras) iban a concretarse en propósitos de enmienda para la plástica. A causa de circunstancias históricas trágicas y humanas –"demasiado humanas"–, el neoexpresionismo alemán, con Baselitz, Lüpertz, Penck, Kiefer, Richter, Polke e Immendorf a la cabeza, resuelve reinstaurar el espíritu alemán sin perder de vista la tierra quemada. Para ello,...

El libro cuenta con 14 ensayos de distintos académicos entorno a la obra de exilio que realizó Kurapel en Canadá tras el Golpe Militar.

Este libro, el primero dedicado íntegramente a la obra de Valeria Sarmiento, contiene una serie de ensayos que abordan diversos aspectos de su obra fílmica y una selección de documentos que incluyen su discurso de recepción del Doctorado Honoris Causa otorgado por la Universidad de Valparaíso, una extensa conversación con los editores, una filmografía comentada y un álbum de imágenes de su carrera.

Muchas dudas invaden al espectador del arte de hoy: lo que antes era válido, hoy resulta obsoleto. Unos se preguntan si aquello se puede llamar arte, mientras otros simplemente declaran su muerte. Por supuesto, es una enunciación precipitada, porque con la disolución de sus límites el arte no desaparece. No se trata del fin del arte, sino del fracaso de las viejas doctrinas que pretenden explicarlo. De ahí que este libro plantea abordar los conceptos considerados como más emblemáticos de la teoría estética posmoderna presentada por los autores que constituyen sus ejes fundamentales: el eclecticismo radical de Charles Jencks (capítulo I), el pastiche y la esquizofrenia de Fredric Jameson (capítulo II), la cita, la ironía, el laberinto y lo absurdo de Umberto Eco (capítulo III), el simulacro de Jean Baudrillard (capítulo IV), la deconstrucción de Jacques Derrida (capítulo V) y el rizoma y el esquizoanálisis de Gilles Deleuze - Felix Guattari (capítulo VI). El análisis de estos conceptos responde a un doble propósito. Por una parte, puede proporcionar una herramienta conceptual para describir los procesos transcurridos en las prácticas artísticas actuales,...

Este libro explora nuestra historia cinematográfica a partir del archivo fílmico, la documentación, la crítica y las miradas subjetivas, que nos permiten establecer una historiografía del cine chileno y latinoamericano.

Este libro busca suplir un vacío en los estudios sobre el ensayo colombiano, un vacío que, como se puede constatar en cualquier pesquisa bibliográfica, es teórico y crítico, divulgativo y patrimonial, y que se ha extendido desafortunadamente hasta las antologías y los estudios sobre el ensayo hispanoamericano, materiales en los que la producción ensayística colombiana es casi invisible. Para tal fin, elige acercarse a su objeto de estudio desde una perspectiva doble. En primer lugar, busca suscitar una pregunta por el ensayo colombiano del siglo xx; y, por otro lado, indaga en la obra de tres ensayistas que se podrían considerar representativos, tanto de las modalidades estéticas del ensayo, como de las zonas grises que pueden dejar la historia y la crítica literarias cuando se dedican a perpetuar definiciones sin someterlas a revisión o reconstrucción histórica. La expresión "modalidades estéticas", pese a ser problemática, sirve para indicar la voluntad artística que hay en las construcciones ensayísticas analizadas y para acusar más explícitamente la índole "crítica" de la aproximación. Si se opta por dedicar atención a Baldomero Sanín Cano, Hernando...

¿Cómo han sido los tránsitos y aspectos del melodrama en Chile? ¿Solo lo podemos encontrar en forma de género dramático, o hay ciertos elementos que impregnan a los creadores de la escena? Espérame en el cielo, corazón. El melodrama en la escena chilena de los siglos XX- XXI, analiza los diversos estados y estratos de la categoría melodramática a lo largo del teatro chileno del recién pasado siglo hasta nuestra fecha, indagando en sus diversas formas y fondos. Los diferentes ensayos teóricos, análiticos y críticos que conforman el presente libro, no buscan unificar el concepto sino más bien diversificarlo, cuestionarlo en sus múltiples materialidades. El melodrama como representación de un nuevo poder social que asciende a la esfera del entretenimiento y que tiene voz para decidir qué ver y no ver; el melodrama como gestus actoral o dramático dentro de las propuestas escénicas de postdictadura; el melodrama como un elemento de indentificacción y diferenciación política que conforma una esfera de lucha contra el sistema elitista imperante; el melodrama como apoyo y conflicto dentro de los creadores y públicos de los siglos estudiados; el melodrama como parte ...

Síntesis interpretativa sobre la arquitectura, la pintura y la escultura del siglo XX. Se describen y explican las principales tendencias artísticas, se tratan de forma individualizada los grandes nombres y se comentan las obras más representativas. Aunque el ámbito geográfico es universal, se presta particular atención a las manifestaciones artísticas españolas. El marco cronológico se prolonga hasta los primeros años del siglo XXI.

Completa reflexión sobre el concepto de posmodernidad, que analiza su significado y su repercusión en los distintos ámbitos de la creación y la sociedad contemporáneas.

En El arte de hoy, su red estética, el Dr. Mario Padilla Lobato, hace una reconstrucción histórica del concepto de arte y de cómo cambia su semántica a través del tiempo y contexto, que va desde el concepto del griego Tecné, hasta los actuales Dispositivos Metartísticos. Poniendo de manifiesto la red de conceptos, dinámicas y relaciones que operan hoy en lo que podría ser un nuevo fenómeno, y una nueva forma de entender lo que el arte significa, si es que aun significa algo. — Caleb Olvera Romero —

Parece conveniente pensar la historia del arte en un momento en que el término arte asume, más que nunca, una dimensión multidisciplinar. Revisar los métodos de la disciplina es hacer propias las propuestas más recientes y reflexionar sobre la utilidad de otras más antiguas. En este libro, los enfoques vigentes de la disciplina (algunos admiten una larga proyección en el pasado) se entienden como estrategias narrativas de un relato que posee una fuerte especificidad, pero que puede construirse de muchas maneras; esa, que es una de las grandes fortalezas de la historia del arte, parece también una de sus debilidades.

El montaje como traducción cuestiona la presentación expositiva del arte contemporáneo por medio de varias preguntas relacionadas con las transformaciones en la manera de hacer, de mostrar, de ver y de entender al arte desde finales de los años 60 hasta la actualidad. En obras cuya forma es variable e inestable, ¿existe un procedimiento correcto de exhibición? ¿Qué sucede con aquellas manifestaciones artísticas que no han sido pensadas para ser expuestas? ¿Es el formato expositivo el medio adecuado para cualquier tipo de obra? ¿Cómo volver a mostrar una obra instalativa cuando las condiciones originales de presentación han desaparecido? ¿Debemos optar por la traducción y esclarecimiento del contexto de producción de una pieza o, más bien, conviene diseñar montajes en los que se prime la experiencia del espectador ante la obra sin ningún tipo de mediación?

Estos estudios son una selección de aquellos presentados y discutidos en el I Congreso Nacional de Jóvenes Historiadores, reunión científica celebrada en Murcia en febrero de 2014. Allí, y bajo las premisas del debate y el intercambio del conocimiento, se plantearon estas visiones en torno a un territorio y una memoria, de la aguda necesidad que experimentan los pueblos de poseer una conciencia clara de su patrimonio histórico y cultural como arma fundamental para combatir toda clase de engaños, manipulaciones y tópicos, tan frecuentes en estos últimos tiempos. Este primer congreso tuvo como objetivo investigar aspectos diversos del patrimonio histórico artístico del levante español, particularmente en la zona de Murcia, pero el propósito de los organizadores ha sido y es no circunscribirse exclusivamente a áreas locales, sino dar una mayor amplitud de miras a los trabajos que constituyan las aportaciones de los futuros congresos. La idea de convocar a jóvenes investigadores que, recién terminada su licenciatura de Historia del Arte, intentan hacer sus primeras armas en el campo de la investigación artística, nos parece excelente e...

Este libro se inscribe en el contexto de reflexión-acción sobre los modos de educar desde una perspectiva de género, revitalizado a partir de la sanción de la Ley Nacional de Educación Sexual Integral. Partiendo de la puesta en valor de la sexualidad como dimensión fundamental de nuestras identidades, esta compilación presenta una minuciosa revisión conceptual, metodológica y bibliográfica de la Historia, la Lengua y Literatura, la Educación Artística y la Comunicación tramadas desde los aportes e interpelaciones que formulan los estudios de género y de sexualidad en estos campos. Junto a ello, brinda recursos informativos, sugerencias prácticas y recorridos didácticos para trabajar estas cuestiones en cada materia. ¿Qué sabemos de la historia de las mujeres y la diversidad sexual en nuestro país y en el mundo? ¿Tiene género el lenguaje? ¿Cómo interpela la producción artística a las sexualidades? ¿Cómo analizar las marcas del sexismo, la homofobia y la discriminación en los discursos mediáticos? Estas son algunas de las preguntas que este libro invita a hacer a los docentes de la enseñanza media, en su doble papel de educadores y de agentes...

Escrito en los difíciles comienzos de su exilio en París, Walter Benjamin presenta El autor como productor como una conferencia impartida en el Instituto para el Estudio del Fascismo el 27 de abril de 1934. Sin embargo, ni la fecha ni el lugar ni la condición misma de conferencia están libres de duda. ¿Cómo es posible que Benjamin contradijera la fecha del subtítulo en cartas escritas el día siguiente? ¿Por qué eligió el Instituto para el Estudio del Fascismo como marco para un texto en el que apenas menciona al fascismo? ¿A quién se dirigía Benjamin y con qué intención? ¿Llegó realmente a impartir la conferencia? Responder estas y otras cuestiones, que permanecían abiertas, permite ofrecer nuevas claves de interpretación de un texto que no ha recibido toda la atención que merece y que se ha leído a menudo de un modo reduccionista. Junto a una detallada reconstrucción de las circunstancias vitales que acompañaron su redacción y una exposición de su encaje en el pensamiento maduro de Walter Benjamin, este libro ofrece una nueva versión del texto en castellano, que se acompaña, por primera vez, con un extenso aparato crítico.Jaime Cuenca (Bilbao, 1983)...

¿De qué tienes miedo? Del dolor, de la muerte, de la pérdida... La mayoría de nuestros terrores son innatos, espontáneos, pero también pueden ser aprendidos, sociales, colectivos. Hemos aprendido a temer muchas cosas en lo que va de siglo, empezando por los atentados del 11 de septiembre y siguiendo con la crisis financiera. Este volumen se centra en el cine de terror estadounidense estrenado entre el 11-S y el comienzo de la crisis (2001-2011), para analizar los cambios que se han producido en la ideología dominante. A través del terror, los excesos del orden y las amenazas de la otredad se vuelven transparentes, pero para verlos debemos elucidar la relación entre el cine y la ideología, entre nuestros miedos cotidianos y los de la ficción. Desde una perspectiva teórica y analítica, este libro analiza con rigor cómo el cine de terror dialoga con la ideología de nuestra época.

A través de «Arquetipos femeninos perversos en el cine de terror: el mito y la construcción de la mujer vampiro y su (re)producción en la sociedad occidental» se ha tratado de revelar cómo se articulan las representaciones de las mujeres perversas en el espacio fílmico y cómo, a su vez, estas representaciones son un reflejo y una retroalimentación en y del espacio social, respectivamente. Teniendo en cuenta la multiplicidad incontable de miradas e intentando huir de generalizaciones globalizadoras y esencialismos que convierten la diversidad de experiencias subjetivas en interpretaciones «idénticas» se profundiza en cómo estas perversas han llegado a ser parte de nosotras, cómo han evolucionado a nuestro lado y cómo se han hecho imprescindibles. Imprescindibles en el «ser» ineludibles en el «hacer». Ellas nos muestran que hay más opciones, que existe un derecho a reivindicar ser lo que se quiera ser, incluso si la elección es ser «malvada o egoísta» aunque ser malvada no signifique más (y a su vez signifique tanto) que abandonarse a un placer sin medida ni remordimiento en el film o negarse a renunciar a una carrera profesional por cumplir con un rol...

Latino Book Award 2006 - Mejor Diseño Interior (Best Interior Design) Notably influenced by both the colorful character of pop art and the wide spectrum of Colombian local art, the painting and sculpture of Beatriz González explores political, social, and romantic subjects with equal insight. Although she refers to herself as "a provincial painter," González has been recognized in the Colombian fine arts scene for more than four decades. In this complete collection of her work, it becomes clear how her pieces?with their fresh explosions of color and critically viewed subject matter?have captivated art lovers and critics alike. Influenciada de manera notable por coloridas tendencias pop, el amplio abanico de arte popular local colombiano y la contracultura, la pintura y la escultura de Beatriz González explora y abraza desde lo político y lo social hasta el amor. Aunque se autodenomina "pintora de provincia," González se ha convertido en una de las de mayor renombre y protagonismo en la escena de las artes plásticas colombianas. En este registro completo de su trabajo, está evidente por que ha cautivado la mirada de críticos y público no sólo con la fuerte explosión de...

Obra que propone una relectura de las neovanguardias en el doble ámbito de las prácticas artísticas europeas y norteamericanas, partiendo del supuesto de que la neovanguardia no tiene por qué convertir lo antiestético en artístico ni lo trasgresor en institucional.

Estos ensayos exploran la dinámica crítica de un arte que se sitúa firmemente "más allá de la estética". Los temas en los que indaga incluyen: el estatus ontológico del arte contemporáneo, la importancia duradera del modernismo como la lógica de lo nuevo, la relación del arte conceptual con la filosofía, la fotografía y el problema de los medios o soportes artísticos, el papel del espacio social en la constitución de la obra de arte y las estructuras temporales características de la experiencia del arte contemporáneo.

CONTENIDO: Los inicios - Modernidad y patrimonio - Desarrollo urbano - Construcción de ciudadanía - Redescubrimiento y apropiación del espacio público - Un futuro con énfasis social - La Lonja.