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Federico de Cárdenas ha sido el crítico de cine más prolífico del Perú. Participó durante veinte años en la revista Hablemos de Cine y escribió para muchas otras en diversas oportunidades; aunque lo más copioso de su producción lo vemos en las amplias columnas, y con frecuencia artículos a página entera, que redactó entre 1975 y 2018 en las ediciones dominicales de La Prensa, El Observador y La República, donde escribió durante más de treinta años. El material que conforma este volumen antológico, si bien no incluye sus textos escritos para diarios, reúne varios de los que publicó en revistas de cine, programas de la Filmoteca PUCP y especialmente en la revista Artes & Letras de la Biblioteca Nacional del Perú, para la cual se concentró sobre todo en los grandes cineastas de la modernidad, como Michelangelo Antonioni, Ingmar Bergman, Federico Fellini, Orson Welles, Akira Kurosawa, Luis Buñuel y Luchino Visconti. De esta forma, gracias a los textos de Federico de Cárdenas, este libro rinde homenaje a la obra de aquellos y muchos otros notables directores.

¿No existen los personajes de las novelas que nos apasionan? ¿No son verdaderas las figuras del cuadro que nos absorbe o las escenas de la película que nos aterroriza? ¿Por qué nos emocionan así entonces? ¿Por qué nos las creemos tanto como para sollozar o reír a carcajadas? Actualizando un tema clásico del pensamiento occidental, la pregunta por el estatuto de realidad que corresponde a las creaciones artísticas, Pablo Maurette (autor de 'El sentido olvidado: ensayos sobre el tacto', Mar Dulce editora, 2015) compone aquí un ensayo brillante, preciso y delicioso. Armado con el concepto grecolatino de evidencia, Maurette recorre hitos artísticos y filosóficos de toda nuestra tradición (de Platón a Susan Sontag, pasando por Giotto o Proust), deteniéndose especialmente en un cuento de Julio Cortázar y en una película de Quentin Tarantino, para desnudar como nunca las herramientas y estrategias clave de esa mágica fábrica de verdad que son nuestras ficciones.

El temperamento melancólico es una desenfrenada novela en la que Jorge Volpi ilustra las terribles consecuencias de fundir vida y arte, así como la inevitable melancolía que conlleva este peligroso acto. Cuando Carl Gustav Gruber descubre que tiene cáncer y que pronto morirá, decide filmar la que será su última película. El director alemán, afincado en México, elige a nueve actores inexpertos con el objetivo de explotar sus características psicológicas. En este microcosmos que retoma el Juicio Final como tema central del filme, y del libro de Volpi, los protagonistas conocerán hasta qué extremos son capaces de llegar.

¿Qué relación existe entre el cine y la filosofía, entre la narración y el pensamiento, entre la imagen y el concepto? ¿Qué tipo de conocimiento puede ofrecer el cine? ¿Qué quiere el cine de la filosofía? ¿Y la filosofía del cine? ¿Puede hacerse filosofía a través del cine o toda la filosofía que se hace es siempre una proyección de filosofía que no tiene nada que ver con el cine ni con las películas? ¿Puede el cine hacer algo más que ilustrar ideas filosóficas previas? ¿Pueden los cineastas transmitir con sus películas ideas filosóficas originales? ¿Existe un pensamiento cinematográfico que se resiste a ser traducido al lenguaje conceptual? ¿Qué han dicho los filósofos sobre el cine?

¿Qué técnicas han utilizado los grandes directores para rodar películas? ¿Cómo se consigue construir una historia? ¿De qué forma se crea un ambiente de tensión con un plano detalle? ¿Qué es un barrido? ¿Qué diferencia hay entre un plano objetivo y un plano subjetivo? ¿Qué es un MacGuffin? El cine en 7 películas responde a estas cuestiones y a otras muchas para lograr su objetivo: sistematizar todos los elementos propios del lenguaje cinematográfico. Por eso, y por su estilo ameno –ilustrado con más de 300 fotogramas de películas memorables–, esta publicación aportará luces al lector iniciado y resultará una magnífica «Guía básica del lenguaje cinematográfico» para todos los que quieran introducirse en el apasionante mundo del cine: como lenguaje, como arte y como transmisor de ideas. La obra, enriquecida por el interesante material gráfico que aporta, maneja conceptos generales sobre el guion cinematográfico, técnicas del rodaje, tipos de planos, etc., ilustrados con ejemplos de siete películas significativas de la historia del cine: Casablanca, El crepúsculo de los dioses, Psicosis, West Side Story, Grupo salvaje, Blade Runner y L.A....

"Paladín de la modernidad" y "maestro de la comunicación", "polemista de Fráncfort" y "conciencia moral pública de la cultura política": tales son algunos de los epítetos de los que se ha hecho merecedor Jürgen Habermas. Con razón se ha dicho de él que "no solo es el filósofo vivo más famoso del mundo, sino que su propia fama es famosa". Pero si su figura como pensador resulta noticiable, y hasta puede parecer fascinante, es porque supo abandonar una y otra vez el ámbito protegido de la vida académica para intervenir en los debates de la esfera pública. "Es la irritabilidad", dice el propio Habermas de sí mismo, "lo que convierte a un sabio en intelectual". Reconstruir el intrincado entrelazamiento entre el oficio del filósofo y teórico social y el oficio del intelectual público es el objeto de esta biografía. Por ello, sus páginas no se limitan a narrar, de la mano de los textos del propio Habermas, la gestación y maduración de una obra filosófica ingente a través de sus distintas etapas, que han supuesto la elaboración de una "teoría de la acción comunicativa" plasmada en un lenguaje y un estilo de pensar inconfundibles. Revelan, además, la entraña...

Aparecida en 1969, ha sido traducida y repetidamente editada, en versiones sucesivamente revisadas, convirtiéndose en un clásico. Esta Historia del cine de Román Gubern, aparecida en 1969, ha sido traducida y repetidamente editada, en versiones sucesivamente revisadas, convirtiéndose en un clásico, utilizado como texto docente en muchas universidades, como obra de consulta o como relato ameno de la historia del nacimiento de un nuevo arte y medio de comunicación que se ha convertido en un lenguaje artístico novedoso, un imaginario colectivo, un moldeador de costumbres sociales, un medio de propaganda ideológica y una forma de entretenimiento masivo. En ella se describe la historia de un espectáculo popular que nació como una derivación de la instantánea fotográfica, creció en barracas de feria o espectáculos de music hall y llegó a convertirse en fábrica de sueños en templos de mármol y suntuosos cortinajes, para recluirse luego en minisalas, pantallas de televisión o soportes informáticos. El libro describe tanto su evolución estética como su evolución técnica y sus implicaciones socioeconómicas e ideológicas. Agente activo de propaganda política, supo ...

Este libro recoje los trabajos de Jaime Chávarri, Ángeles González-Sinde, Vicente Mora y todos aquellos que colaboraron en la película documental homenaje a las víctimas de los atentados del 11-M en Madrid.

El Muro de Berlín se levantó el 13 de agosto de 1961 para impedir que los habitantes de Alemania Oriental abandonaran el país. Dividida la ciudad después de la Segunda Guerra Mundial en Berlín-Este y Berlín-Oeste, una muralla de hormigón de 156 kilómetros cercaba completamente la zona occidental, que, de esta manera, se convertía en el bastión del mundo libre detrás del Telón de Acero. En el Muro de Berlín reconstruye la historia del Muro, el plan que desarrollaron los dirigentes comunistas de la RDA para controlar la libertad de sus ciudadanos, los puntos álgidos de desencuentro y conflicto de ambas sociedades, en realidad pertenecientes a una misma nacionalidad. Pero, sobre todo, rememora la trayectoria vital de las 140 personas que perdieron su vida intentando cruzarlo. Todavía hoy, 60 años después de su construcción, el Muro sigue siendo un símbolo de la represión comunista.

Con apenas un poco más de un siglo y cuarto de existencia, el cine no se inscribe cómodamente en el sistema de estilos y épocas que la historia del arte prescribe para disciplinas milenarias como la pintura, la música o la literatura. En este libro, Isaac León Frías nos acerca a las particularidades de la historia del cine y al desarrollo de sus distintas estéticas. Esta es la historia del ascenso de un modelo clásico de narración audiovisual que pronto se vuelve hegemónico y, también, de la aparición de formas disidentes —las modernidades— que contestan esa hegemonía y proponen nuevas estéticas narrativas y hasta antinarrativas. Con singular claridad, desbordante erudición y puntillosa atención a los matices y los casos particulares, Isaac León Frías nos muestra cómo la irrupción de las modernidades viene anunciada por el paulatino desarrollo de premodernidades que se gestan al interior mismo del modelo clásico. Así, Del clasicismo a las modernidades es una puesta en escena de las tensiones entre las convenciones impuestas por la industria y la independencia y creatividad de los autores, así como del modo en que estas entran en juego con los contextos...

La relación entre cine y Antigüedad es casi tan antigua como el séptimo arte. La historia antigua a través del cine: historia antigua, arqueología y tradición clásica trata de analizar, por medio de una serie de ensayos, la intensa relación entre cine y Antigüedad, casi tan antigua como el séptimo arte, y que no se somete sencillamente a lo que se ha dado en llamar péplum o, más comúnmente, cine de romanos. Como historia de la cultura popular y el imaginario colectivo sobre la Antigüedad, así como del uso y la utilidad que de todo ello pudo haberse obtenido en un sentido político, cultural o social, el análisis del cine sobre la Antigüedad permite al historiador el establecimiento de un extraño diálogo entre la época que estudia y el presente desde el que escribe.

This volume examines the symbolic systems that governed America’s integration into the European weltanschauung,including Amerindian myths and religious beliefs, and concepts of Christian belief, as introduced and taught by the Europeans. Thiscollection of essayspresents a detailed examination of political, legal, theological, and historiographic problems associated with this process.

En 1996 un grupo de jóvenes escritores sacudió al medio literario mexicano con la publicación del "Manifiesto del Crack", acompañado por cinco novelas: "El temperamento melancólico" (Jorge Volpi), "Memoria de los días" (Pedro Ángel Palou), "Si volviesen sus majestades" (Ignacio Padilla), "La conspiración idiota" (Ricardo Chávez Castañeda) y Las Rémoras (Eloy Urroz). La respuesta de la crítica no se hizo esperar: fueron vapuleados. Ramón Alvarado Ruiz pone en tela de juicio las valoraciones hechas en la época y se aboca al análisis del fenómeno. En esta obra se presenta la génesis del Crack; se reflexiona sobre el concepto "generación" y se transita por las que tuvieron lugar antes de este grupo; se revisa el manifiesto, se discurre sobre su relación con las vanguardias; y, por supuesto, se analizan las cinco novelas. Hoy día, el Crack goza de mayor aceptación y de más lecturas, algunos de sus autores incluso han recibido honores por sus novelas. En este contexto, el trabajo de Alvarado Ruiz resulta una lectura de referencia para aproximarse a las cinco novelas inaugurales.