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Convertido en un icono ineludible de la historia del cine gracias a sus interpretaciones en la serie de películas del detective Harry Callahan y los spaghetti western de Sergio Leone, Clint Eastwood ha tenido que luchar para quitarse la simple etiqueta de “tipo duro” para ser considerado como uno de los mejores directores estadounidenses de las últimas décadas y una suerte de cronista cinematográfico de su país de origen. Habiendo conseguido su consagración como cineasta con Sin perdón, el autor norteamericano pasó la década de los noventa encadenando cintas apreciables que sin embargo no superaron o igualaron el éxito de su último western hasta que ya iniciado el siglo XXI estrenó Mystic River. La película protagonizada por Sean Penn, Tim Robbins y Kevin Bacon fue reconocida inmediatamente como una obra maestra de tintes negros que inauguraba una nueva etapa de madurez fílmica para su artífice, que sería confirmada un año después con la multipremiada Million Dollar Baby. La obra que nos ocupa es una historia que reúne gran parte de las inquietudes de su director, como el retrato de la violencia dentro de los núcleos familiares, y que consigue radiografiar...

Revista de Medicina y Cine / Journal of Medicine and Movies es una publicación que analiza los contenidos biosanitarios del cine con fines educativos, discursivos, de mentalización y divulgación. Sus fundadores y actuales editores son José Elías García Sánchez y Enrique García Sánchez, profesores de la Universidad de Salamanca. La revista está publicada de forma on-line, es gratuita y bilingüe (español e inglés) y tiene una periodicidad trimestral. Está dirigida a los profesionales de ciencias de la salud, educación, comunicación y cine y a la población en general.

Un grupo de viejos camaradas son convocados a una cena. Un día estuvieron unidos por un luminoso, aunque confuso, proyecto común:?la revolución. Ahora, tantos años después, hacen repaso de sus existencias. El espejo del tiempo les devuelve la imagen de unas vidas vividas provisionalmente, y cuyo vacío se llena a menudo de culpa, desengaño, rencor o traición. Un constructor, un pintor que trabaja de vigilante en un hotel, una profesora, una publicitaria, un novelista fracasado que malvive vendiendo apartamentos a los turistas son los actores principales de una novela compleja y exigente. Las voces se suceden, matizan y contradicen unas a otras para tejer una tupida red de vidas cruzadas que se traban en un juego de contrapuntos revelador de las trampas de la memoria. Escrita desde un punto de vista en el que no caben los discursos complacientes, Los viejos amigos propone una reflexión sobre la condición humana y las posibilidades del individuo de intervenir en el curso de la historia, a la vez que saca a relucir las contradicciones que surgen del enfrentamiento entre las miserias privadas y el vacío de ciertos discursos ideológicos.

La ópera prima del director Sam Mendes fue una de las mayores sorpresas del año 1999. Con esa particular mirada ácida y descarnada sobre la sociedad estadounidense –el reverso del American Way of Life– consiguió el reconocimiento unánime por parte de la crítica y del público. American Beauty se convirtió en un fenómeno social en USA gracias a la disección milimétrica planteada del día a día del modo de vida americano, mostrando el comportamiento de una serie de personas atípicas a través de sus miedos, deseos, mentiras o sueños en el entorno de una comunidad donde, prácticamente, todo el mundo debe fingir lo que no es para lograr sobrevivir. El tono de tragicomedia que envuelve la película nos permite presenciar momentos de cierta ternura junto con otros de auténtica desesperación e incluso violencia por parte de algunos de los protagonistas. El mensaje acerca de la idea de belleza americana del título original del filme es el motor simbólico de la trama, y sirve a Mendes para mostrar esa búsqueda existencial y los caminos que exploran para llegar hasta ella tanto Lester Burnham –principal foco de la acción– como el resto de personajes.

Un piano abandonado en la playa, la pequeñez de una silueta femenina ante la inmensidad de la selva neozelandesa o una mujer acampada con su hija, de noche, bajo el miriñaque de su falda decimonónica son algunas de las imágenes que inauguran el relato de El piano (Jane Campion, 1993). La historia ubica en Nueva Zelanda un drama victoriano que enhebra conflictos propios del género –un matrimonio forzado, un triángulo amoroso en cuyos personajes masculinos acecha una vertiente sombría, el comportamiento ambiguo de una niña, una tentativa femenina de suicidio– con el imaginario estético de la cultura romántica: la banda sonora compuesta por Michael Nymann, grandes planos generales de océanos rugientes y bosques frondosos y la presencia de un personaje singular –una madre soltera, muda desde niña y virtuosa pianista– cuyo punto de vista vertebra el relato.

Considerada como una de las obras maestras del malogrado director Satoshi Kon, Perfect Blue es uno de los filmes sobre los que la animación comercial japonesa contemporánea ha construido su identidad como producto cultural atravesado, por un lado, por elementos propios de la ficción de explotación, y, por otro, por rasgos pertenecientes a la complejidad narrativa de la narración postclásica. La ópera prima de Kon va más allá de las superficiales representaciones del mundo de las idols japonesas y explora los elementos más sombríos del entramado del entretenimiento mediático que las sustenta: la inmoralidad de sus agencias de representación, lo deshonesto de los productores televisivos, el potencial obsesivo de los otaku y, sobre todo, de las secuelas psicológicas a las que están sometidas las idols.

No sólo es Perdición (1944) una de las películas más importantes de la Historia del Cine sino que la estela de su influencia puede rastrearse hasta nuestros días. Para Woody Allen se trata de la mejor película jamás filmada por nadie. En cualquier caso, fue una obra decisiva para todo el cine negro rodado durante el final de la época de los Grandes Estudios. Esta primera película noir de Billy Wilder introdujo algo realmente nuevo en el cine americano: los delincuentes ya no eran criminales profesionales, ni pertenecían a la mafia; eran personas normales, de clase media, arrastradas por la ambición y la pasión sexual. Quizá lo realmente insólito de este filme sea que, siete décadas más tarde, todavía mantenga intacto su poder de seducción. Si Perdición sigue fascinando no es solo por el trabajo de adaptación que convirtió el poco convincente y banal argumento de la novela en un guion de complejo andamiaje, rico en punzantes diálogos y dotado de un ritmo de tintes jazzísticos, sino también porque Wilder supo orquestar la brillante interpretación de su reparto con una puesta en escena envolvente, dotada de una imaginería rica y sugestiva.

Entre otras cosas, en Network, un mundo implacable (1976) confluyen con fortuna las preocupaciones cívicas de su director Sidney Lumet, el corrosivo sarcasmo de su guionista Paddy Chayefsky y el trabajo interpretativo de un elenco intergeneracional. El resultado fue una aguda reflexión sobre los mecanismos de poder presentes en la televisión en su búsqueda de las audiencias, en la que muchos vieron la profética distopía de un mundo todavía por venir. Contemplada con la perspectiva de los años, y más allá de los tópicos que hacen de ella una obra de culto, Network se presenta como una película coherente, donde las formas narrativas clásicas parecen entrar en crisis, contaminadas quizá por la lógica del espectáculo televisivo, y donde se adivina la nostalgia de su director por sueño imposible: el de los medios de comunicación al servicio de la educación ciudadana.

Al despacho de un abogado de cuarta acuden a solicitar unas comprometedoras pruebas de paternidad, que implican a Ramón Masnou, hombre influyente de la burguesía catalana conectado con peligrosos revolucionarios. Abierto el tarro de las esencias, pasearemos por la Barcelona de los meublés, los antros, los cines de sesión doble, y por las cárceles... Todo ello para destapar una trama con la que recorreremos la historia de la Ciudad Condal desde la sufrida posguerra hasta una Transición que quizás ha sido asumida con cierta ingenuidad. Aquí podremos saborear el sexismo de Henry Miller, un cierto humor grotesco y, ante todo, una precisa recrea- ción del ambiente de los barrios.

"El origen de la tristeza" es el mapa moral de un paisaje tallado a golpes de realidad inclemente, de un territorio severamente humano que adquiere (por ello) dimensiones míticas. Y es también la estampa de un recuerdo que Pablo Ramos logra dibujar con tres lápices bien afilados: la escritura exacta, el humor inmisericorde y la mirada piadosa. Gabriel se aleja bruscamente de la infancia cuando los viejos perfiles de su barrio empiezan a desvanecerse y las aguas corruptas del arroyo Sarandí despiden llamas literales. Tiene un maestro que duerme en el cementerio, donde las tumbas imparten lecciones sobre la vida. Juega con una barra de pibes, pero allí ese juego es además una partida contra la muerte. Gabriel conquista la precaria madurez que se le ha otorgado entre raíles, pesadumbres, garrafas de vino, tierras baldías, aventuras insensatas, amigos rotos e inquebrantables y colectas que pagan el descubrimiento de la carne. No será el único descubrimiento.

El verdugo (1963) es una de las obras cumbre del cine español y una película básica para comprender el arranque económico del desarrollismo franquista, sustentado en la polarización de la industria pesada y el desarrollo del turismo de costa. La imagen desenfadada y de “progreso” que Franco quiere dar de cara al exterior, contrasta con las miserias de un estado dictatorial excesivamente burocratizado que aplica la pena de muerte y no puede evitar los movimientos migratorios desde las zonas rurales más desfavorecidas a las ciudades más pujantes y a países extranjeros como Alemania, Francia o Suiza. Probablemente la mejor película de Berlanga, supone la cuarta colaboración entre el director valenciano y Rafael Azcona que firman un esperpéntico guion trufado de situaciones absurdas, donde predomina el humor negro, sin abandonar la tradición realista de la cultura española, narrando las miserias de un funerario (Nino Manfredi), que se casa de penalti con la hija de un verdugo (Emma Penella), y que cae en una trampa burocrática que le hará optar a un puesto de ejecutor de la ley, para no perder el piso del patronato que correspondía a su suegro (José Isbert), por...

Ladrón de bicicletas, una de las más logradas colaboraciones entre el director Vittorio De Sica y el guionista Cesare Zavattini, es una película esencial en la historia del cine. Ante todo, porque se trata de un filme admirable y que sigue emocionando –ese era su gran objetivo– de una manera similar a como lo hizo en su estreno. Pero también porque es una de las más esclarecedoras muestras del neorrealismo italiano, una tendencia cinematográfica que desde la posguerra, e incluso antes, estaba empezando a sentar las bases de la futura modernidad fílmica, y que influiría considerablemente en el cine mundial.La película narra algo tan habitual en la Roma de entonces como el robo de una bicicleta. Pero para Antonio Ricci y su familia adquiere tintes de tragedia, ya que la condición indispensable para desempeñar el trabajo que acaba de conseguir, tras dos años parado, es la posesión de una bicicleta. Junto con su hijo Bruno buscará desesperadamente por toda la ciudad su ansiado vehículo, mientras se nos irá presentando un variado muestrario de situaciones y tipos de todo el espectro social. Por primera vez en España se analiza la versión íntegra, incluyendo las...

Antes de labrarse su carrera como cineasta, Clint Eastwood trabajó como actor a las órdenes de otros realizadores. Uno de ellos, el director norteamericano Don Siegel, fue su referente a la hora de construir su propio estilo fílmico junto con el italiano Sergio Leone. Famoso gracias a películas como La invasión de los ladrones de cuerpos, Crimen en las calles, The Lineup, Código del hampa o Brigada homicida, Siegel dirigió a Eastwood en varias ocasiones. Una de las más memorables fue Harry el sucio, vibrante thriller y uno de los títulos más significativos de la renovación que experimentó el cine policíaco estadounidense a principios de los años setenta. El retrato de un duro policía de San Francisco que, en su afán por capturar a un asesino en serie, acaba saltándose los límites de la legalidad, servía para trazar un ambiguo y polémico contraste que diluía las diferencias entre el inspector y el criminal. Harry el sucio es un clásico del género y estableció un patrón que pervive en la actualidad.

Una discusión política de gran envergadura. Dos generaciones, dos maneras distintas de entender España, frente a frente. Pablo Iglesias y Enric Juliana son personalidades extraordinariamente lúcidas y creativas y sin duda dos de los mejores conocedores del contexto político y social español actual. Pertenecientes a tradiciones intelectuales y políticas distintas, sus visiones se complementan en un diálogo que conforma una panorámica inédita sobre el pasado, el presente y el futuro de España. Europa y la ola de cambios tecnológicos que se avecina, el sintomático giro italiano, la proyección latinoamericana, el futuro de la monarquía, la situación en Cataluña, el gobierno de las grandes ciudades, el PSOE y Podemos, la nueva competición en el seno de la derecha o el fortalecimiento del feminismo son algunos de los asuntos que estructuran este ambicioso retrato a dos manos de nuestro país. Nudo España es una reflexión en profundidad sobre los desafíos y las oportunidades que tenemos por delante. En lugar de las tertulias apresuradas y bulliciosas a las que estamos tan acostumbrados, propone un modelo de debate inusual en España en el que no basta con enunciar...

En la nueva era hacen faltan planteamientos educativos en los que se tenga en cuenta la educación tecnológica junto con un sentido humanista que atienda a la diversidad, a la adaptación, a la creatividad, al desarrollo cognitivo y a la construcción del conocimiento desde un sentido crítico. En este volumen se encuentra una variedad de posibilidades didácticas realizada por especialistas dedicados a este campo desde una perspectiva multidisciplinar. Esperamos que este compendio de capítulos logre estimular al docente universitario para realizar intervenciones similares.

"Set in Miami in 1981 but spanning six decades of a family's life in Cuba and the United States, Los Gusanos portrays a range of characters - old and young, black and white, men and women - all struggling to make a life in their adopted country while haunted by memories of their lost island." -- back cover.

Secretos de familia, personajes colosales, giros inesperados, tragedia y vodevil en una narración poderosa, cierre magistral a la incursión de Lemaitre en la Francia de entreguerras. Esta Primavera de 1940. Louise Belmont, de treinta años, corre desnuda y recubierta de sangre por el bulevar de Montparnasse. Para entender la macabra situación que acaba de vivir, esta joven maestra deberá sumergirse en la locura de un momento histórico sin parangón: mientras las tropas alemanas avanzan de forma implacable hacia París y el ejército francés está en plena desbandada, cientos de miles de personas aterrorizadas huyen en busca de un lugar más seguro. Atrapada en este éxodo sin precedentes, y a merced de las bombas germanas y de los azares del destino, la vida de Louise acabará cruzándose en un campamento del Loira con las de dos soldados desertores de la línea Maginot, un apasionado subteniente fiel a sus principios morales y un histriónico sacerdote capaz de plantar cara al enemigo. La crítica ha dicho... «Una eléctrica novela coral, a caballo entre el género negro y el histórico, ambientada en 1940, cuando los tanques nazis están entrando en París. Un año que...

Cinépata recoge impresiones a la salida del cine, reflexiones sobre la cinefilia, la crítica y los festivales, relatos de índole autobiográfica, ficticia y ensayística, fragmentos de guión, un cuento o cuentos, trozos de películas, frases como fotogramas, todo lo que un cinépata necesita.

Cuando se escribe, tal vez siempre, pero sobre todo cuando se escribe como resultado o proceso de investigar “se impone la tarea de un pensar que se adelante a recorrer lo que se resiste a ser explorado” . Estas palabras de Heidegger, tomadas fuera del contexto en que las dijo, bien pueden aquí servir para salvar a la escritura de su condena platónica y situarla frente al juicio socrático de discriminar “si se escribe bien o mal” . Juicio que finalmente sólo podremos llevar a cabo mediante la lectura. Y, paradójicamente, o tal vez no tanto, para llegar al veredicto, en la lectura de nuevo “se impone la tarea de un pensar que se adelante a recorrer lo que se resiste a ser explorado”. En ambos casos, ese “adelantarse” y ese “recorrer” son la condición, la posibilidad, de una cierta ética y valor de la escritura y la lectura. Y, en este punto y momento de esta meta-[escritura/(re)lectura], súbitamente surge la resistencia de “lo explorado” frente a este pensar-lo, descubriendo-se/nos ampliado en sí y en un pensar-lo también ampliado: “adelantarse” y “recorrer” valen como condición suficiente, pero no necesariamente necesaria; también vale...

Easy Rider está incluida entre las cien películas más importantes de la historia por el American Film Institute. Desde su estreno en 1969 se convirtió en un extraordinario éxito de taquilla. Más de cincuenta años después se mantiene como un icono cultural y audiovisual reconocible en todo el mundo gracias a su banda sonora, pero también por su simbología, que ya forma parte del imaginario colectivo de su época. Easy Rider es también el punto de inflexión del que saldrían los creadores del “nuevo Hollywood”, una hornada de directores que decidió no seguir el camino trazado por las grandes majors norteamericanas y que dio origen a una nueva estética cinematográfica.

El western ideal para todos aquellos a los que no les gustan los westerns, según Andrew Sarris, Solo ante el peligro fue producido por una modesta compañía independiente tras el desmoronamiento del sistema de estudios de Hollywood. Estrenado en 1952, a priori nadie esperaba gran cosa de este film debido a sus múltiples inconvenientes: presupuesto escaso, un director austriaco debutante en el cine del Oeste, una vieja estrella en decadencia o un guionista perseguido por el maccarthismo que ocultó en el subtexto una nada velada alegoría sobre la Caza de Brujas. Sin embargo, los astros se alinearon y Solo ante el peligro se convirtió en un fenomenal éxito de crítica y público, erigiéndose con el tiempo en un título clave en la evolución del western -a pesar de contar con enemigos como Howard Hawks o John Wayne- y en un clásico imperecedero del cine cuya influencia llega hasta nuestros días, extendida incluso al lenguaje popular. Un film a reivindicar más allá de su aparente simplicidad, ya que un análisis más profundo permite apreciar su condición de pionero en factores tales como la hibridación genérica, la crítica a los tópicos del cine mainstream o al...

Sus orígenes se remontan a armadores de barcos, cartógrafos, navegantes, farmaceutas y curadores de pestes. Años de trashumancia y acoso les han enseñado a ser cautos, a saber ocultarse, a cambiar de ritos y costumbres y hasta el propio nombre y, finalmente, llegado el caso, a embarcarse y buscar refugio en otros horizontes, como decía Quevedo, «adonde no te conozcan». En una España que apenas se está conformando, donde se desmoronan siglos de ocupación árabe, y donde un puñado de hombres sueña con lanzarse al océano para desafiar mitos y buscar nuevas rutas hacia el oro y la plata, los judíos comienzan a ser señalados, luego perseguidos y por último expulsados. Esta historia puede estar ocurriendo hoy, pero igual sucedió hace más de cinco siglos. Un pueblo se vuelve extraño y peligroso a los ojos de otros pueblos, por su credo, por su lengua, por sus costumbres y también por su laboriosidad y su fortuna. Sabiduría y riqueza se convierten en un estigma y quienes las posean deben ser perseguidos.

Lucía es el personaje principal de VILLA HERBANIA. Cabrera e hija y nieta de cabreros en el entorno rural y constreñido de la Fuerteventura de la posguerra. A Lucía todo le provocaba curiosidad, en especial las palabras, esos pequeños tesoros que guardaba en el cofre de la memoria. Sus circunstancias existenciales, siendo mujer, pobre y cabrera, no le permitían desarrollar su voracidad intelectual, pero la montaña rusa de la vida tenía sorpresas reservadas para ella...

Con el inicio del nuevo milenio la Literatura, el Cómic, el Cine y la Televisión parecen haber redescubierto la Antigüedad Clásica y, más específicamente, el Imperio Romano y los Juegos de Gladiadores. Series de televisión, películas, novelas y cómics se ambientan en la Roma imperial o tienen a gladiadores como protagonistas. Es el efecto Gladiator. Solo por ello esta película ya supone un hito en la historia reciente del cine, pero aún acumula más méritos, y entre ellos no es el menor haber conseguido que Ridley Scott, antaño director de culto y en aquel momento en horas bajas tras películas como La teniente O'Neill o Tormenta blanca, enderezara su carrera cinematográfica. Scott, apoyado por los avances tecnológicos y en sus conocimientos de Historia del Arte, y ayudado por su núcleo duro de colaboradores (el editor Pietro Scalia, el director de arte Arthur Max) y por un elenco de actores que aúnan experiencia (Derek Jacobi, Richard Harris, Oliver Reed) y pujanza (Joaquin Phoenix, Russell Crowe en su primera colaboración con este director), no se limita a retomar la tradición del epic, sino que la renueva profundamente con sus aportaciones estéticas y...

Una víctima especial. Una inspectora de policía que va más allá de los límites. Un thriller que dinamita las reglas del género. El caso de Abril Zondervan conmociona a la opinión pública: la escritora de éxito internacional ha aparecido muerta, aparentemente sin signos de violencia, en su casa de Málaga. ¿Quién puede haberla asesinado, si es que realmente se trata de un homicidio? La inspectora Carol Medina es la encargada de la investigación. Se toma demasiado en serio su trabajo y suele salirse del camino marcado. Quienes la conocen bien saben que su obsesiva labor policial es también una manera de no tener que enfrentarse a su caótica vida privada. Cuando Carol descubre que Abril, diagnosticada de esquizofrenia, llevaba años sin medicarse, tiene que adentrarse en la fascinante cabeza de la víctima. La novelista era una «escuchadora de voces» que había aprendido a convertir la complejidad de su mente en un material literario de primera clase. En una ciudad de Málaga que bajo su apariencia luminosa esconde un lado oscuro, Carol irá avanzando en la investigación de un caso lleno de aristas, giros y sorpresas, a lo largo de un thriller que arrastra al lector...

El 12 de mayo de 2014 la ciudad se estremeció: el cadáver de la presidenta de la Diputación yacía sobre la pasarela que cruzaba todos los lunes de camino a la sede de su partido. De inmediato, una sábana de rumores y especulaciones cubrió su cadáver. ¿Cuál, de sus muchos enemigos, podría tener más motivos para asesinarla? La Ilustrísima era una mujer odiada y temida. Polémica, ambiciosa, sin pelos en la lengua, acaparadora de cargos, obsesionada por conocer los secretos de toda la ciudad y perseguida por la prensa, que comenzaba a husmear en sus amaños y componendas. El morbo correrá desbocado por las calles lluviosas de una ciudad con ojos y veneno en cada esquina, en cada ventana, descubriendo una trama de odio, celos enfermizos y secretos tejida durante años. Un relato coral, apasionante e irónico que nos habla de corrupción, de poder y de cómo este se acepta, o no, cuando quien lo ostenta es una mujer. La Ilustrísima es una novela apabullante, descarnada y certera. Marta Prieto, con una prosa casi naturalista, ha urdido un relato social por momentos hilarante, otros brutal, que es también el retrato de una ciudad de provincias en la que parece, solo...

Una novela sobre el desconocido mundo de los «afropolitas», los hijos de los profesionales africanos que emigraron en las décadas de los sesenta y setenta, y que hoy conforman una comunidad de jóvenes políglotas y cosmopolitas dispuestos a participar en la imparable transformación de la cultura africana. Kweku Sai, un reputado cirujano ghanés formado en Estados Unidos, muere repentinamente en su casa de Accra a los cincuenta y siete años. Kweku había dejado mujer e hijos en América, y su muerte, como las ondas que provoca una piedra arrojada al agua, afecta a todos los miembros de la familia Sai, que acuden al velatorio del patriarca. Allí se reúnen de nuevo Fola, la madre; Olu, el ambicioso primogénito; los bellísimos mellizos Taiwo y Kehinde; y la menor, la inteligente pero acomplejada Sadie. Cada uno lleva consigo su propio dolor, y el obligado encuentro hará salir a la luz la historia de su alejamiento: las heridas emocionales, las mentiras, los errores cometidos en nombre del amor. Así, las vivencias de los protagonistas se entrelazan en una historia sobre la dispersión de una familia, que abarca diversas generaciones y culturas, desde África occidental...

«Todo esplendor tiene su reverso siniestro. Carlos Bassas explora con pulso e inventiva envidiables el alma más negra de Barcelona. Ha puesto difícil competir en oscuridad con su viaje».Lorenzo Silva Las murallas ahogan la ciudad y las chimeneas llenan de humo sus cielos volviéndolos tan sucios, oscuros e irrespirables como sus calles, en las que se hacinan los trabajadores de las cada vez más numerosas fábricas junto a vagabundos, pedigüeños, pobres de solemnidad y algunos grupúsculos de delincuentes como «la Tinya», formada por huérfanos y ladronzuelos de poca monta que se dedican al hurto y al intercambio de todo tipo de información que pueda valerles un real. Miquel Expósito es uno de ellos. El cuerpo de Víctor, su mejor amigo, aparece abandonado en un callejón. Ayudado por Andreu Vila, un gacetillero en horas bajas, y por los ilustres doctores Mata y Monlau, Miquel inicia una investigación que le llevará a descubrir una extraña cadena de asesinatos que parecen obra de la misma mano y que guardan una peligrosa relación con varios de los industriales más poderosos de la ciudad... y el tráfico de esclavos a Cuba. Carlos Bassas, premio Hammet 2019, nos trae ...

El día 19 de noviembre de 1975, el dictador Franco agoniza y, al compás de su agonía, se van escribiendo las reglas de un juego: el de la lucha por el poder, que por su naturaleza imprevista coloca todo acto al borde de un precipicio. A él se asoman los personajes de La caída de Madrid, y se enfrentan al futuro con el grado de incertidumbre, de certeza o de frivolidad al que los condena su pasado, en un intento de salvación (o de traición). Juega aquí un papel primordial, como contrapunto que sostiene una estructura narrativa compleja, la dialéctica de clases sociales, a partir de la cual se narran las vidas de personajes que se entrecruzan a través de diversas tramas que crean esa ilusión de vida a que debe aspirar toda novela. Así, el peso de los estragos del tiempo y el recuerdo de la infancia del empresario don José Ricart; el miedo del comisario Maximino Arroyo cuando contempla su futuro en el de los pides, los policías portugueses, y enloquece, al mismo tiempo, por el amor de Lina; la renuncia del profesor Chacón a una España que ya no es la suya a su vuelta del exilio; las contradicciones del universitario Quini, debatiéndose entre su pertenencia a una...

Frente a análisis cinematográficos que se agotan en el inventario de formas y funcionamientos textuales, este libro recupera evidencias olvidadas: que buena parte de los relatos de ficción sitúan la existencia humana en su centro de atención; que deseos y conflictos, dudas y certidumbres, razones y pasiones están entreverados de manera que la experiencia narrativa puede constituir una experiencia moral. Este libro agrupa seis narraciones cinematográficas en torno a tres ejes: ciudadanía, desarrollo moral y justicia. En cada apartado se discuten películas cerradas y abiertas con voluntad de invitar al diálogo y la discusión.

India, 1919. Ansioso por cambiar de vida, el capitán Sam Wyndham llega a Calcuta para ocupar un importante cargo en la policía local. Finalizada la Primera Guerra Mundial, algunos británicos albergan la esperanza de rehacer su fortuna y medrar en los países más lejanos del Imperio, especialmente en India. El capitán Sam Wyndham, veterano de guerra y con experiencia en Scotland Yard, desembarca en Calcuta y descubre que la metrópoli cumple todos los requisitos para acabar con él: humedad insoportable, agua insalubre, insectos venenosos y, mucho peor, un odio progresivo de los autóctonos hacia los colonos. ¿Será esta la causa del asesinato de un alto funcionario en un sombrío callejón de los bajos fondos? Antes de haber podido aclimatarse o disipar los obsesivos fantasmas del pasado, Wyndham se ve metido en un caso que lo llevará hasta el corazón del Raj británico. La crítica ha dicho... «Si son ustedes de los que prefieren los crímenes ficticios, les recomiendo la estupenda El hombre de Calcuta, de Abir Mukherjee, un trepidante thriller queincluye una punzante e irónica crítica al colonialismo británico del Raj». Manuel Rodríguez Rivero, Babelia de El País...

Los apuntes que aquí encontrará el lector son ideas generales sobre el cine. Conceptos aplicados y reflexiones personales sobre el oficio de director de cine y sobre la creación artística en general. Son el resultado de mi experiencia como cineasta, es decir, como director de cine y como cinéfilo. Siempre he pensado que visionar las películas de los demás es un acto tan creativo como hacer las mías propias. El aprendizaje del cine no se diferencia del aprendizaje de la vida. La vida es algo que se hace y que se aprende. El único tema de una película es la vida, lo que viene a ser lo mismo que decir que el único tema de una película es el cine.

Siempre polémica, atravesada por tremendas tensiones formales y narrativas, la escritura fílmica de Lars von Trier es una de las grandes experiencias cinematográficas de las últimas décadas. Su cine está a medio camino entre la carcajada bufonesca y la náusea más sincera, siempre suspendido entre una autoconsciente idiotez y una lucidez crítica con las estructuras ideológicas del mundo en el que vivimos fuera de toda duda. Melancolía supone uno de los grandes hitos de su carrera, una suerte de condensado filosófico y estético sobre sus búsquedas y sus hallazgos precedentes. Amarga, disparatada, desesperada y profundamente incómoda, la cinta es sin duda merecedora de un análisis como el que aquí proponemos: la búsqueda de su “decir cinematográfico”, pero también la escucha atenta de su denuncia descarnada de las relaciones que se establecen entre la quiebra de la subjetividad y los delirios impuestos por la economía neoliberal.

Un libro que será para quienes hoy tienen 40 lo que fue Friends cuando tenían 20. David ha llegado a un momento de su vida en el que solo tiene dudas: no sabe si le llena lo que hace, no acaba de entender a su novia y tampoco se siente demasiado cómodo con sus amigos. En realidad, sus problemas son los típicos de cualquier adolescente. Con el pequeño matiz de que él, en vez de quince, tiene cuarenta y dos. Después de trabajar varios años en la industria del cine con escasa repercusión y menos éxito, ha empezado a darse cuenta de que se le acaban el tiempo para dirigir la gran película con la que siempre ha soñado y las excusas para instalarse definitivamente en la madurez. Un exilio forzoso de Nunca Jamás que se verá acelerado cuando su hermana Bea, a quien le acaban de ofrecer un trabajo en Japón, le pida que se ocupe durante seis semanas de un completo desconocido: Unai, su sobrino adolescente, un chico tan hermético como problemático con el que David apenas ha tenido contacto y que, dueño de unos cuantos secretos, tampoco tiene ganas de que lo controle ese tío del que Unai sabe muy poco y nada bueno.

El 1989, con los primeros indicios de apertura del régimen comunista chino, la periodista Xinran Xue inició un programa radiofónico en el que invitaba a las mujeres chinas a hablar de sus experiencias personales. El libro es una recopilación de esos testimonios, tanto de las esposas privilegiadas de los líderes del partido como de las mujeres de los campesinos.

"En cinco minutos levántate María" es el monólogo torrencial de una madre a las puertas de la viejez, de una madre sufridora que aglutina toda la crudeza y la devoción de quien soporta los azotes de unos hijos descarriados y un marido indolente y atrabiliario. Es el relato de una vida de estrecheces y oscuridad, sólo iluminada por la ternura y la belleza de la voz maternal que repasa, entre la vigilia y el sueño, los claroscuros, las heridas, los silencios, las pequeñas alegrías y los buenos momentos del viaje interior por sus recuerdos. Es también la historia de la construcción (y destrucción) de una familia. Pablo Ramos le da una vuelta de tuerca a Gabriel, el personaje de infancia en "El origen de la tristeza" (Malpaso, 2014) y el hombre que ajusta cuentas con su padre en "La ley de la ferocidad" (Malpaso, 2015) para dar voz a María, la madre conciliadora y pilar de un orden familiar humilde, duro y desestructurado.