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Arte (in)útil reflexiona en torno a la idea de artista emergente e institución cultural como ente legitimador. El contenido de este marco solo es la punta del iceberg sobre la mediatización cultural entre arte, artista e institución, pero sirve para entender cómo se inicia el artista en un circuito y qué mecanismos se utilizan para absorberlo. Así es cómo se aleja el arte de ser una herramienta política crítica de pensamiento, y se convierte en producción y, por tanto, en un producto más del contexto posfordista. A partir del cambio de paradigma sobre la idea de exposición con el objetivo de dar visibilidad a obras —una visibilidad necesaria para que lleguen a ser arte—, Daniel Gasol se pregunta si el artista se adapta a la producción institucional que se entiende como arte. El autor también valora si, por el contrario, es la exposición institucional la que dota al trabajo de una importancia hipotética, con la consecuencia indirecta de generar legítimamente creaciones colindantes de semejanza formal y conceptual. Gasol explora la existencia de diversos tipos de creación o contextos que proyectan qué debe ser arte, así como sobre qué consideramos arte...

Compilation of texts on women, feminism in the history of art. It contains contributions from art historians throughout the western world. Includes texts by: Linda Nochlin, Grisleda Pollock, Laura Mulvey, Janet Wolff, Mira Schor, Carol Duncan, Tamar Garb, Stacie Widdifield, Alessandra Comini, Whitney Chadwick, David Lomas, Anne M. Wagner, Rosalind E. Krauss, Jane Blocker, Mónica Mayer and Magali Lara.

El presente estudio revisa el arte rupestre nororiental a la luz de los conocimientos teóricos y técnicos actuales, poniendo especial énfasis en el arte del Cuerno de África. Lejos de tratarse de una compilación de información, se han analizado hipótesis interpretativas propuestas sobre el origen Neolítico en la región. Se han aplicado teorías novedosas para intentar comprender mejor el surgimiento social del arte, combinando todo ello con datos etnoarqueológicos sobre los pueblos pastores del Sahara y NE de África. Asimismo, se ha implementado la primera Infraestructura de Datos Espaciales (IDE) arqueológica, uno de los más recientes avances en informática aplicada a la información geoespacial.

El arte no es una esfera autónoma de la vida social; no es independiente de cómo los seres humanos viven, se organizan y piensan otros aspectos de su existencia. Pero el arte tampoco es reducible al resto de cuestiones sociales; tiene una especificidad. ¿Cómo se produce esta autonomía relativa? ¿De qué manera el arte depende de procesos que a priori parecen extraartísticos pero que contribuyen a definirlo? En la presente publicación, estas inquietudes toman respuesta concreta en torno a una etapa histórica particular: ese momento de la segunda mitad del siglo XX en el que el muralismo mexicano, que tanto peso había tenido a nivel nacional e internacional, queda relegado al reconocimiento histórico, pasado, sin apenas ya posibilidad de erigirse como una práctica artística vigente. Debido a cuestiones económicas, políticas e ideológicas generales, el campo artístico mexicano llevaba tiempo reorganizando su estructura, lo que dio lugar a la aparición de ese grupo de artistas llamado "generación de la ruptura". Al analizar esta rearticulación del campo, se puede ver a la lucha de clases –con el sigilo que a veces la caracteriza– haciendo presencia en el remoto ...

Parece conveniente pensar la historia del arte en un momento en que el término arte asume, más que nunca, una dimensión multidisciplinar. Revisar los métodos de la disciplina es hacer propias las propuestas más recientes y reflexionar sobre la utilidad de otras más antiguas. En este libro, los enfoques vigentes de la disciplina (algunos admiten una larga proyección en el pasado) se entienden como estrategias narrativas de un relato que posee una fuerte especificidad, pero que puede construirse de muchas maneras; esa, que es una de las grandes fortalezas de la historia del arte, parece también una de sus debilidades.

Desde su primera publicación en Inglaterra, Visión y diferencia. Feminismo, feminidad e historias del arte ha sido continuamente citado como un ensayo pionero en la articulación del análisis erudito de obras artísticas con la intensa problematización de esas obras desde una perspectiva teórica marxista y feminista. ¿Por qué el cuerpo femenino desnudo fue el campo de batalla del modernismo? ¿Cuál es el vínculo entre clase social, práctica artística y arte moderno, y qué lugar ocupan las mujeres en esa triangulación? ¿Qué relación existe entre el signo «mujer» y el mito del artista genio? ¿Cómo negocia la práctica artística feminista los significados asociados a ese signo? En estos textos fascinantes, Griselda Pollock ensaya inteligentes respuestas a estas y otras preguntas surgidas de la confrontación de materiales ya transitados por la historia del arte con las herramientas teóricas forjadas por los estudios culturales, el psicoanálisis lacaniano en su reformulación feminista y la obra de Michel Foucault. El lugar de lo moderno en la obra de pintoras impresionistas como Berthe Morisot y Mary Cassatt; la problemática representación de Elizabeth...

Este libro incluye las conferencias de los II Encuentros de Museología celebrados en marzo de 2003.

Este texto nace con la idea de acercarse al artista, paralelamente a su huella en la materia, del mismo modo que ocurre entre alumno y profesor durante una clase de arte. No se trata de sentir como él, sino con él. La amplia experiencia docente del autor le permite interrogar y responder desde la práctica artística. Esto le diferencia de cualquier teórico porque te muestra cómo el artista no se dedica tan solo a crear, sino a sentir y pensar al hilo de una tarea creativa. Esto te permitirá recobrar la maestría del ojo en arrebatar la idea de la materia y darte cuenta de que el artista genera teoría durante el propio hacer del proceso creativo en su taller. Basándose en que nos entendemos como personas mediante nuestra sujeción a lo que vemos, el autor logrará hacerte comprender que mirar sin sentir sería un contrasentido. ¿Valorar la idea por su materialización no hubiera evitado malentendidos como el de Miguel Ángel de la Sixtina, cuyo claroscuro atribuíamos a su formación escultórica, mientras la realidad escondía una extraordinaria cromaticidad sólo enmascarada por el humo de las velas?

En el ocaso del siglo XX el paisaje editorial de España vivió un nuevo amanecer: se trató de la gestación y parto de una nueva generación de escritores, nacidos a partir de 1960, cuyas obras estallarían en el mercado de libros con la misma contundencia y estruendo que la que se transpiraba en el mundo del rock español. Nacía en plena madurez una literatura, bautizada en estas páginas como Generación Kronen, con rasgos colectivos, ciertos ánimos homónimos y mucyos vasos comunicantes que transformarían el panorama editorial de España, el baremo de los adelantos jugosos, los tirajes ligados a la inmediatez de sus presencia en los medios, los temas entonces atrevidos y las constantes apuestas por lo insólito. Muchos de esos autores son ahora firmas consagradas y otros tanto han pasado al olvido. Ahora y en estas páginas, queda retratado como un perfil cubista donde se observan las filas que dibujan, o desdibujan, los rostros de este mundo literario particular. Luis Mancha es un atento obsevador de perfiles y palabras, un agudo y minuciosos oyente de párrafos y tramas. Su curiosidad por la literatura lo llevó a la aventura de conocer en persona a toda una generación...

Ensayos de especialistas de distintas áreas de conocimiento y medios laborales en torno a tres grandes temas: los aspectos éticos y estéticos del arte contemporáneo, los aspectos político-sociales, y las nuevas relaciones entre el arte y el público.

¿Qué códigos musicales representan la masculinidad y la feminidad en la ópera temprana del siglo XVII? ¿De qué manera contribuye el sonido a la organización social de la sexualidad? ¿Cómo se ha manifestado una distinción dualista entre lo masculino y lo femenino en la teoría musical tradicional? ¿Cómo se explica la frecuente representación de la locura femenina en la ópera? ¿Qué estrategias han utilizado las mujeres creadoras para transgredir las convenciones de un medio primordialmente masculino?

El 1989 pels carrers de Nova York van aparèixer grans anuncis signats per les Guerrillas Girls, un grup d'artistes anònimes que representen les puntes mediàtiques d'un llarg període de conflictes i denúncies respecte al silenci i la invisibilitat de les dones en les arts. A la tradicional pregunta sobre l'escassesa de les grans artistes, una historiadora de l'art ha contestat recordant l'existència d'una manca anàloga de grans pianistes de jazz lituans o de grans tennistes esquimals. A part de la provocació, es tracta d'entendre si i fins a quin punt les asimetries de gènere contribueixen a definir el que és art i el que no ho és, qui mereix ser recordat o, per contra, oblidat. Desplegant una documentació àmplia i inexplorada, aquest volum pioner s'encarrega també de desmentir el mite de la creativitat menor i accessòria de les dones.

Provides a study of the common thernatic and stylistic features present in the artistic production of the avant-garde painters Maruja Mallo, Angeles Santos and Remedio Varo. This book analyzes the visual manifestations of these women painters that result from the competing theories of gender and sexuality.

Este libro ofrece un panorama sobre la contribución de las poblaciones de origen africano en la construcción de sociedades mestizas (y creoles) en varios países de América Central y el Caribe. Lo " negro " , lejos de desaparecer con las aboliciones de la esclavitud y las independencias, se transforma, emerge y a veces se vuelve invisible. Tanto a nivel político como cultural, el mestizaje permite una desmultiplicación de las expresiones de la diferencia. Los autores de este libro, a partir de trabajos etnográficos o de archivos, cuestionan las políticas nacionales (Mark Anderson, Verene A. Shepherd), la permanencia y actualización de prácticas racistas (Peter Wade, Mónica G. Moreno Figueroa), las fronteras entre grupos (Anath Ariel de Vidas y Odile Hoffmann, Gabriel Izard), y las culturas de lo negro (Christian Rinaudo, Hettie Malcomson, Nahayeilli B. Juárez Huet).

Jean- Michel Berthelot: otras obras" La sociologie francoise contemporaine" ( P. U. F ) Paris" Epistemologie des sciences sociales" ( P. U. F ) Paris El objetivo de esta obra es presentar una historia de la sociologia moderna y de su modo de construcion. Si convenimos en entender por "sociologia moderna" una empresa de conocimiento cientifico de lo social, la definicion que estamos produciendo es problematica: que es lo social ? en que se distingue un conocimiento cientifico de un conocicmiento que no lo sea ?. Estas preguntas no son escolasticas ni retoricas. Las definiciones de lo social son diversas: puede verselo como un conjunto de reglas y restricciones que se imponen al individuo en una sociedad determinada y cuyo origen y efectos es importante aprehender: Pero tambien puede concebirselo como la significacion que nuestros diferentes comportamientos tienen para los demas

La tesis central de este libro es que no sólo es posible sino indispensable abrir los estudios estéticos tradicionalmente restringidos al arte y lo bello hacia la riqueza y complejidad de la vida social contemporánea. Eso es precisamente la Prosaica: la estética en la vida cotidiana. La autora actualiza las discusiones en torno a la estética, rescatando particularmente la filosofía de Dewey y Bajtín para proyectarlas hacia un enfoque interdisciplinario. A partir de Huizinga y la taxonomía de los juegos de Caillois (vértigo, competencia, azar y simulacro) la autora plantea a la lúdica como la gemela siamesa de la estética para recorrer el tejido social siguiendo estas dos hebras primordiales.135

¿Cómo se relacionan el género y la geografía? ¿Las diferencias entre hombres y mujeres dependen de la zona del mundo que habitan? Las grandes emigraciones, consecuencia de la mundialización de las relaciones sociales y de las conexiones internacionales de nuestra época, han cambiado la vida de millones de personas. Los movimientos nacionalistas, las guerras, las hambrunas y el desarrollo del capital transnacional y de las corporaciones mundiales han producido el desplazamiento forzoso de cientos de miles de personas. Abandonar la patria se ha convertido en un hecho común. Para la mayor parte de las mujeres, la participación en ese desplazamiento ha supuesto, además, entrar en un proceso de proletarización, a medida que el capital, local o multinacional, las ha ido convirtiendo en mano de obra asalariada de la nueva división internacional del trabajo.

Actualmente el entorno mediático contemporáneo se caracteriza por ser un espacio donde las empresas ya no son quienes controlan estrictamente la distribución de la información; por el contrario muchos de nosotros estamos directamente implicados en la circulación del contenido. Las generaciones actuales ya no son esa audiencia pasiva que consumía todo aquello que indicaban los diferentes medios de comunicación; esta es una generación activa de creadores de contenido online como videos, música o escritos que consiguen su audiencia fácilmente por medio de blogs, páginas especializadas y redes sociales. Cultura transmedia aborda conceptos tan populares como los “memes”, “viral” o “Web 2.0” y examina también el compromiso de la audiencia o de los actualmente nombrados como “influenciadores” en la cultura en red. Todos estos fenómenos conllevan relaciones y flujos transnacionales nuevos. Pero ello los autores usan ejemplos sacados de la industria de la música, los videojuegos, los cómics, la televisión y la publicidad para ilustrar los contornos de nuestro entorno mediático actual.

Desde hace una veintena de años, las artes de vanguardia se han visto marcadas por dos problemas, simultáneamente sociales y estéticos: el entorno y la participación del espectador. En todas partes se ha desarrollado así un nuevo arte, hoy suficientemente consolidado como para constituir el objetivo de una obra de conjunto. En la primera parte, los análisis de Frank Popper, iluminan la nueva función del artista en las sociedades actuales. En la segunda parte, consagrada a la creatividad en la actualidad, se estudia más profundamente la intervención del espectador en el proceso estético, y la aplicación de técnicas y métodos como la cibernética y la electrónica junto con los fundamentos científicos del arte, los problemas estéticos y tecnológicos que presenta la reproducción industrial del objeto artístico. Por tanto esta obra redefine las relaciones entre el artista, el teórico y el espectador, en aras de la aparición y formación de un nuevo pensamiento estético contemporáneo.

A pesar de la relevancia que ha cobrado durante los últimos años el estudio de la "estructura informativa", hay a la fecha relativamente pocos volúmenes dedicados al tema disponibles para el público de lengua española. En particular, existe un nicho no explotado de estudios escritos en español, sobre el español pero que examinen también lenguas minoritarias. Con este volumen colectivo se pretende: (i) acercar el estudio de la interfaz sintaxis-pragmática desde perspectivas tipológicas al público de habla española. (ii) dar énfasis a enfoques de corte funcionalista, basados en la descripción de discurso natural, e independientes de las categorías y formalizaciones de modelos gramaticales particulares; (iii) extender el estudio de la interfaz sintaxis-pragmática más allá de la articulación oracional en tópico/foco para incluir estudios ligados a la continuidad tópica, al modelo de la Estructura Argumental Preferida, y otros. (iii) reunir investigaciones originales sobre interfaz sintaxis-pragmática, consolidando los estudios que desde esta área se dedican al español pero también apoyando el desarrollo de aquellos ligados a lenguas minoritarias de América.

“La cultura es el halo que un grupo percibe cuando entra en contacto y observa a otro”. No se puede entender la cultura sin el otro, igual que no es posible entenderse a uno mismo sin lo ajeno. Lo complicado es ser capaz de visibilizar lo ajeno, lo marginado, en un mundo que cambia más rápido de lo que se narra; que genera desigualdades al vertiginoso ritmo del progreso. Fredric Jameson, una de las mejores plumas de nuestro tiempo, logra hacer confluir teoría política y crítica literaria. Conecta lo académico con lo cotidiano, emmarcando todo proceso simbólico en estructuras de poder que deben ser desnaturalizadas. Ningún estudioso de la literatura iguala la versatilidad, la erudición enciclopédica, el brío imaginativo o la prodigiosa energía intelectual de Jameson, emergiendo como alguien venido de un pasado cultural de mayor grandeza, un refugiado de la era de Shklovsky y Auerbach, Jakobson y Barthes, que sin embargo sigue siendo absolutamente contemporáneo.

«Una nueva perspectiva fascinante de las finanzas modernas.» Oliver Hart, Premio Nobel de Economía 2016 Las finanzas han sacudido la economía una y otra vez. De manera similar, en la academia y en la práctica, éstas se han vuelto más especializadas, más difíciles de entender y más alejadas de las vidas de las personas, con un rasgo, incluso, que intimida a la gente. Mihir A. Desai, profesor de Harvard Business School, propone un nuevo acercamiento. Con ironía e ingenio, recorre el mundo de la literatura, el cine, la historia y la filosofía para descubrir el lado humano de las finanzas y cómo éstas también ofrecen una visión sorprendente sobre aspectos cotidianos de nuestra humanidad. Entenderemos cómo el filósofo Charles Sanders Peirce y el poeta Wallace Stevens funcionan como guías para explicar las nociones de riesgo y seguros; cómo Lizzy Bennet,la protagonista de Orgullo y prejuicio, y Violet Effingham, de Phineas Finn, son excepcionales administradoras de riesgos; o cómo entender el modelo de valoración de activos financieros puede permitirnos descubrir la naturaleza del amor incondicional. La sabiduría de las finanzas delinea las ideas principales de...

Capitalismo de deuda es un esfuerzo por descifrar cómo la tecnología de la deuda se ha convertido en uno de los mayores obstáculos para las aspiraciones democráticas y racionales de la sociedad moderna.Richard Robbins y Tim Di Muzio muestran que la deuda, entendida como una tecnología de poder, es un engranaje insertado en el corazón del capitalismo. En la deuda se anudan un mecanismo que transfiere riqueza desde los asalariados hacia los capitalistas, un instrumento de control político sobre las poblaciones de todo el mundo y un algoritmo que presiona a las economías a producir y consumir por encima de los límites físicos de la naturaleza. La deuda está en el origen del Estado moderno y en las innovaciones más recientes de los mercados financieros. Está implicada en las formas más descarnadas de violencia y control social y en las técnicas más refinadas de especulación financiera. Opera en las grandes transferencias de riqueza (como en los rescates bancarios) y en las transacciones ordinarias del día a día (pues bajo el vigente sistema monetario, el dinero es creado como deuda). La deuda es ubicua: es impagable y es uno de los motores del capitalismo...

Sarah Thornton es licenciada en Historia del Arte y doctorada en Sociología. Ha escrito sobre el mundo y el mercado del arte para importantes medios de Estados Unidos e Inglaterra, entre ellos The Economist, Artforum, The Art Newspaper y The New Yorker. Trabajó en programas culturales de televisión para la BBC y CBS. Es autora también de Club cultures. Music, media and cubcultural capital.

Este libro se ha convertido ya en una obra clasica para innumerables estudiosos, sobre todo por su reflexion filosofica sobre las diferentes teorias de la educacion. El texto plantea una vision progresista de las relaciones entre las didacticas generales, diferenciales y especificas y, a traves de una impresionante acumulacion de datos, establece una minuciosa sintesis tanto de teorias autorales como de modelos educativos. Una abundante documentacion asi como un alto grado de reflexion lo convierten, junto a los demas aspectos citados, en lectura basica para todos los estudiantes de educacion, arte y filosofia. El libro incluye ilustraciones en blanco y negro y color, asi como un prologo del autora esta primera edicion en lengua espanola. Elliot W. Eisner participo en el Proyecto Kattering de la Universidad de Stanford, que se propuso definir los ambitos de la ensenanza y el aprendizaje del arte: una definicion de caracter epistemologico que situo la educacion artistica como disciplina estructurada dentro de unos campos del saber, con unos objetivos, contenidos y metodologias coherentes, basados en las diferentes ciencias del arte, la estetica y la comunicacion.

¿Qué son los Estudios visuales? Surgidos en torno al cambio de milenio como un entrecruce de disciplinas ?la Historia del arte, la Estética, la Teoría fílmica, los Estudios culturales, la Teoría de los medios, la Cultura visual, los Estudios poscoloniales y de género ??, responden a la necesidad de analizar un ámbito de importancia creciente en las sociedades contemporáneas: el de la visualidad, en el que intentan dar cuenta, sin restricciones disciplinares, de los procesos de producción de significado cultural que tienen su origen en la circulación pública de las imágenes. Podríamos, así, describirlos como aquellos estudios que tratan de «la vida social de las imágenes», analizando los procesos de la construcción cultural de la visualidad. Los ensayos reunidos en este volumen constituyen un conjunto trabado de reflexiones tanto sobre el origen y la constitución del campo de los Estudios visuales, como sobre sus desarrollos y aplicaciones al estudio de las políticas identitarias condicionadas por las prácticas de producción de visualidad, en el marco de la globalización. Con aportaciones de algunos de los más reconocidos autores en este ámbito emergente...