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Del spaghetti western al cine de autor. La primera gran biografía del polifacético cineasta norteamericano. «Implacable. [...] Arrasador, incisivo, documentado, repleto de declaraciones.» Gregorio Belinchón, El País Aunque es uno de los rostros más conocidos de nuestra época, Clint Eastwood nunca se ha desprendido de una cierta aura de misterio, sobre todo en lo que a su pasado se refiere. Ahora, Patrick McGilligan, uno de los más respetados biógrafos del mundo del cine, nos ofrece un retrato de cuerpo entero del gran cineasta, en el que por primera vez se descubre al hombre que hay tras la máscara cinematográfica. A través de documentos, manuscritos inéditos y archivos, entrevistas con amigos, familiares y socios que nunca antes habían hablado, el autor propone un exhaustivo viaje a través de los claroscuros de una vida intensa, febril y, en algunos momentos, inquietante. En este libro ameno y riguroso asistimos a la lenta metamorfosis de un joven actor de películas de acción que ha acabado por convertirse en uno de los directores más premiados y admirados de nuestro tiempo. En sus páginas descubriremos también su vida íntima, en particular sus atormentadas...

A broad survey of the Western film genre by way of the hundred most important films and thirty of their most important participants.

La psicología literaria no es la psicología aplicada a la literatura, sino la psicología (o el estudio de las formas del alma) que nace de la experiencia literaria. Asociamos la literatura con los libros sin prestar la debida atención a su oralidad. Nada hay que dure, decía Carlyle, como la palabra verdaderamente hablada. El contexto es determinante, sin duda, como en Shakespeare, cuyo genio parece recuperar con la lectura lo que se ha perdido en la representación. Sin embargo, no podemos descartar lo que en su origen ha sido el hecho literario cuando los mismos géneros parecen arraigados en nuestras disposiciones naturales.

El musical ha sido un género que generalmente ha gozado de escaso prestigio entre los aficionados al cine, excepto en los países angloparlantes. Sin embargo, pocas formas artísticas son capaces de expresar emociones como la felicidad, la alegría y el amor -pero también el dolor y la tristeza- con la misma intensidad que lo hace la música y la danza. El cine musical reúne estas cualidades y las muestra mediante la creación de un mundo onírico en el que las palabras son sustituidas por canciones y estrofas rimadas. Pero el musical es también un género caro y complejo. Se requiere la estrecha colaboración de compositores, músicos, coerógrafos, bailarines y cantantes, además de costosos vesturarios y decorados. Quien haya tenido la suerte de ver en su momento películas como "Sombrero de copa, Cantando bajo la lluvia, Siete novias para siete hermanos, West Side Story o Cabaret", difícilmente podrá olvidarlas. Más recientemente, hemos tenido la oportunidad de disfrutar de grandes títulos que han enriquecido el género y lo han hecho evolucionar, como "Bailar en la oscuridad, Moulin Rouge, Chicago o Sweeney Todd". A pesar de que el cine sea eminentemente americano,...

Este volumen, de gran amplitud, trata de recoger la participación del mayor número posible de redactores de Hablemos de Cine, incluyendo a los colegas extranjeros que colaboraron con nosotros en la sección Aquí Opinamos, que era la que reunía los comentarios analíticos de los films. Destacamos especialmente al español Miguel Marías y al colombiano Andrés Caicedo, pero hubo otros de diversas procedencias. Sin embargo, la sección Aquí Opinamos estuvo de una manera abrumadoramente mayoritaria a cargo de los redactores locales, a diferencia de aquella que ofrecía estudios sobre la obra de directores internacionales y en la que los colegas extranjeros nos ganaban en conocimiento, pues habían visto más películas de las que aquí se podían ver. Léanse al respecto los magros alcances de nuestros textos sobre Max Ophüls, Jacques Becker o el mismo Ingmar Bergman en los primeros tiempos de la revista que se publicaron en el segundo volumen de la antología. No está de más repetir que lo que conocíamos procedía de lo visto en las pantallas limeñas y en la fidelidad de nuestras memorias. Tiempos prehistóricos para los ojos de las nuevas generaciones.

Este libro ofrece al lector el primer estudio completo y profundo sobre este genero, desde los seriales del cine mudo a las recientes peliculas de arma blanca (stalkers), desde Alfred Hitchcock a Quentin Tarantino, desde The Great Train Robbery a L. A. Confidential. Martin Rubin muestra de que manera este genero visceral y cargado de emociones ha utilizado el suspense, la velocidad y las sensaciones fuertes para mantenernos clavados en nuestras butacas durante todo un siglo de cine estadounidense. El thriller es quiza el genero cinematografico mas popular, pero tambien el mas dificil de definir. Admite gangsters y fantasmas, cascos espaciales o sombreros de fieltro. Infunde a nuestro familiar mundo moderno un espiritu de aventuras exiticas como las de tiempos pasados. Nos produce placer y, al mismo tiempo, angustia: la ansiedad, la vulnerabilidad y el escalofrio forman parte de la emociin del thriller.

El título de este libro no miente. Así de grande es el cine, y así de caprichoso es nuestro estado de ánimo. Las listas incluidas en sus páginas no solo te ayudarán a encontrar la película adecuada para cada momento, sino que además son la excusa ideal para reivindicar un buen número de películas que permanecen injustamente en la sombra, repasar alguno de los géneros cinematográficos más relevantes y reflexionar sobre una serie de temas que a casi todos nos interesan por su relevancia y universalidad. En definitiva, cien películas que siempre llevaría conmigo allá donde fuera. Sé que algunas de ellas no formarían parte de una hipotética lista de las mejores películas de la historia, pero todas ocuparán un puesto de honor en tu corazón cinéfilo.

Como el cine nació en Europa (con permiso de Edison), no ha de resultar extraño que le gustara evocar aquellas épocas que habían sido las fuentes de lo que conocemos como civilización occidental: el Oriente mediterráneo por su vinculaciones religiosas, Grecia por su arte y su literatura, Roma por su sentido de la organización social y política, y Egipto por considerarse un «descubrimiento» de los arqueólogos europeos. El primer personaje histórico que protagoniza una película, en una fecha tan temprana como 1896, es el emperador Nerón, seguido un poco después por Jesucristo. Este libro propone un recorrido por más de cien años de cine sobre la antigüedad a través de 50 títulos, empezando en Italia en 1908 con la primera versión de Los últimos días de Pompeya, y acabando en el Japón de 2012 con Thermæ Romæ, una curiosa fusión de manga y péplum.

Exploring film milestones from the past century, film lovers, audiovisual students, and movie watchers will discover the greatest films that have marked the path of film development. Explorando los grandes hitos del film del último siglo, los cinéfilos, estudiantes de audiovisuales y los espectadores descubrirán los grandes filmes que han jalonado la trayectoria del desarrollo de las películas.

Una obra que reúna todos aquellos realizadores que han escrito páginas memorables en la historia del cine. No es tarea fácil recopilar la trayectoria de los directores esenciales del universo cinematográfico. Y es que hoy en día a nadie se le escapa ya la gran influencia que ha ejercido el cine en nuestra vida. Por eso, es de suma importancia tener a nuestro alcance una obra que trata de "reunir a aquellos realizadores en posesión de un estatus de autor que hubieran desarrollado su propia concepción del cine y una expresión cinematográfica original". De Tim Burton a Charlie Chaplin, de Stanley Kubrick a Fritz Lang, de Federico Fellini a Yasujiro Ozu, de Jean Renoir a Woody Allen y Orson Welles este libro propone a todos los cinéfilos una selección de 200 realizadores que han escrito la historia del cine. Una obra que rinde homenaje a los cineastas que "filman como respiran", para retomar la expresión de François Truffaut refiriéndose a Jean-Luc Godard. Todo ello sin olvidar a los realizadores que en España, y en ocasiones, en situaciones muy difíciles, han conseguido crear un universo particular alejado de estereotipos y modas: Buñuel, Bardem, Berlanga, Saura,...

«En su conjunto, el cine estadounidense parece un territorio idóneo en el que aplicar, con óptimos resultados, las lecciones de los historiadores de los “Annales”, donde la historia breve y la de larga duración, la superficial y la profunda, la de los hechos y la de la mentalidad, la del imaginario y la económica, pueden coexistir, sostenerse, iluminarse e incorporarse unas a otras. Los conjuntos a los que he procurado dar más valor y en torno a los que he hecho trabajar a mis colaboradores han sido los siguientes: los géneros, fundamento y estructura portante del cine estadounidense; los ritos y divos y el papel de Hollywood como fábrica de sueños; la leyenda como patrimonio y fuente de inspiración constante; la contribución fundacional de las minorías étnicas y de las múltiples raíces culturales a la construcción de una identidad sujeta a diversas transformaciones; el papel del paisaje; la interferencia de la política y las formas de presión y de control ideológico y cultural, y, por último, [...] el desarrollo de la economía, el mercado y las transformaciones de los modos de consumo desde los nickelodeones hasta la llegada de la era televisiva y los...

Una conexión inspiradora entre personajes y eventos históricos con grandes artistas y canciones del rock ¿Qué sorprendente vínculo existe entre determinadas historias y algunas canciones y artistas muy populares como "Losing my Religion" de R.E.M. y el Nobel Gabriel García Márquez? ¿Y entre "A Hard Rain's A-Gonna Fall" de Bob Dylan y la crisis de los misiles de Cuba en 1962 o entre el tema "Lover, Lover, Lover" de Leonard Cohen y la guerra del Yom Kippur? Este libro podría considerarse casi un diario generacional que atraviesa los grandes cambios de todo tipo acontecidos en los últimos tiempos. La autora da voz y nos guía para acceder a estas controversias y pulsiones que la mayoría de nosotros hemos sentido, sufrido y gozado en nuestras vidas. • "Smells like teen spirit" de Nirvana y el fundador de la multinacional Colgate Palmolive. • "Sailing to Philadelphia" y el escritor Thomas R. Pynchon. • "Sweet Caroline", Neil Diamond y el atentado de la maratón de Boston. • "Smoke on the water", Deep Purple y el incendio del casino de Montreux. • "London Calling", The Clash y el inicio de las retransmisiones de la BBC. • "Me and Bobby McGee", Janis Joplin y La...

Un imprescindible recorrido por el séptimo arte, su grandeza y su magia, de la mano de uno de sus mejores conocedores e intérpretes. Ángel Fernández-Santos fue hasta su muerte, en 2004, la figura más prestigiosa y reconocida de la crítica cinematográfica española, no sólo por su titularidad desde 1982 como crítico del diario El País, sino porque para muchos aficionados al cine en nuestro país él encarnaba plenamente la condición de crítico cinematográfico y representaba una tradición en vías de extinción: aquella crítica capaz de aunar el conocimiento y la pasión, la atracción por el cine y la dimensión literaria de la escritura sobre cine, el compromiso y el placer del espectador atento y privilegiado. Esta obra recoge, gracias a la extraordinaria tarea del crítico e historiador del cine Carlos Heredero, casi cuarenta años de críticas de películas, reflexiones sobre el cine y perfiles de directores y actores.

Celebrating sceince fiction movies, this imaginative investigation explores the literary visions of many canonical writers, such as Jules Verne and H. G. Wells, whose works have made it to the big screen. Celebrando el cine de ciencia ficción, esta investigación imaginativa explora las visiones literarias de escritores canónicos, como Jules Verne y H. G. Wells, cuyas obras han llegado a la gran pantalla.

Las tres colecciones de artículos sobre cine de Guillermo Cabrera Infante en un estuche que se disfruta como una función. Director de la cinemateca de Cuba y crítico de cine en su juventud, guionista de Hollywood en su madurez, Guillermo Cabrera Infante fue un apasionado cinéfilo toda su vida. El presente estuche reúne sus tres colecciones de ensayos sobre el tema: Un oficio del siglo xx, Arcadia todas las noches y Cine o sardina. En ellas brillan su espíritu lúdico y la fina ironía, que nos ayudan a comprender el sentido, el contexto y la factura del séptimo arte. De texto en texto y de mirada en mirada, Cabrera Infante repasa la obra de Orson Welles, Alfred Hitchcock, Howard Hawks, John Huston o Vincente Minnelli, así como una plétora de películas clásicas y modernas. Si el cine es el protagonista indiscutible, el crítico-escritor no deja de darle la réplica. Del diálogo entre la pantalla y la palabra surgen textos que no solo aportan una valiosa información, sino que se disfrutan como verdaderas funciones. Sobre el autor y la obra: «Para los que estudiábamos cine, Un oficio del siglo XX era un libro de cabecera.» Fernando Trueba «Ha convertido la crítica...

Este volumen consta de una concisa presentación histórica que permite ubicar el cine en el contexto de los cambios sociales y culturales de cada etapa de su desarrollo. Organizado cronológicamente, el libro traza la evolución del cine, desde los más tempranos espectáculos de los farolillos mágicos, pasando por la era dorada de las salas cinematográficas, los autocines, los espectáculos al aire libre y los complejos multisalas.

This guide to war films reveals the secrets to shooting them, the many technical difficulties, and the fact that many battles go unmentioned in movies. Esta guía a las películas bélicas revela los secretos de los rodajes, las dificultades técnicas, y el hecho de que en muchos casos se esconden batallas.

Este es un libro sobre el cine negro, un género tan escurridizo que resulta difícil seguirle la pista a lo largo de la historia del cine: el noir se escapa como un falso culpable a la fuga, escondido entre oscuros callejones. Puede ser una inmersión en el mundo del crimen, pero también es una estética de claroscuros, flashbacks y voces en off, y sobre todo es un estado de ánimo apesadumbrado, definido por el signo trágico de la fatalidad. Este volumen persigue las pistas del cine negro a lo largo de la historia, desde su período de esplendor, en las postrimerías del Hollywood clásico, hasta sus mutaciones más recientes. Lo hace indagando en el vínculo inquebrantable entre el género y la fatalidad, que aparece en el noir de la mano de la ambivalente figura de la femme fatale, de la moralidad agrietada de sus héroes o de sus funestos y arrebatados desenlaces.

"Hollywood censurado" analiza cómo cientos de películas, desde las comedias de Mae West hasta los dramas serios, fueron mutilados, bien en su significado, bien por la supresión de algunas imágenes. En sus páginas reconstruye el proceso histórico en el que se fue elaborando un código oficial para dirigir la producción de películas. Will Hays, contratado por los magnates de Hollywood y apoyándose en la Iglesia católica, organizó una verdadera máquina censora que reclamaba el control sobre la sexualidad, la moral y las conductas sociales, y ejercía su poder sobre los guiones, los personajes y los diálogos, entre otros elementos de la creación cinematográfica. En su descripción de una de las eras más fascinantes de Hollywood, el libro se basa en el exhaustivo estudio de los documentos originales de los estudios así como de los archivos de las películas censuradas y los de la Legión de la Decencia.

La revista Hablemos de Cine marcó un antes y un después en la crítica cinematográfica en el Perú, así como en la atención al cine peruano y latinoamericano. A un año de la publicación del primer volumen, esta segunda entrega de Hablemos de Cine. Antología. Volumen 2, editada por Isaac León y Feredico de Cárdenas, recoge ensayos que reflexionan sobre el cine, la obra de realizadores y la evolución de cinematografías y géneros. Algunos de los ensayos están dedicados a los viejos maestros, que todavía estaban en actividad en los primeros números de la revista, como John Ford, Howard Hawks, Alfred Hitchcock o Joseph Mankiewicz; otros, a diversos autores de la modernidad, como Robert Bresson, Federico Fellini, Michelangelo Antonioni, Alain Resnais o Miklós Jancsó; finalmente, algunos artículos se centran en los creadores de los "nuevos cines", como Jean-Luc Godard, François Truffaut, Claude Chabrol, Eric Rohmer, Jacques Demy, Pier Paolo Pasolini, Roman Polanski o Brian De Palma. También, un clásico como Serguéi M. Eisenstein es objeto de un amplio estudio y se incluyen, asimismo, cinco entregas en torno a los géneros y subgéneros en el cine norteamericano de...

Jennie es la película que mejor define el cine de William Dieterle. La sensibilidad del director queda patente en cada fotograma de esta historia intimista y romántica. Una película que habla del arte y la naturaleza, del tiempo, el amor y la muerte. Un relato que transita en la delgada línea que separa lo real y lo sobrenatural. La producción supuso una amarga experiencia para su extraordinario equipo y dio un vuelco a la carrera del productor David O. Selznick. Jennie fue una película atípica para el Hollywood de los años cuarenta. Incomprendida entonces, hoy es una obra de culto en busca de su lugar en la historia del cine. Jennie ha influido de manera profunda en cineastas como Alfred Hitchcock o Luis Buñuel que dijo de ella: “es la entrada en un mundo maravilloso en el que nada se explica, por fortuna”.

Se estudian dieciséis películas producidas ente 1945 y 1960. Posguerra: surgimiento del cine alemán antinazi, neorrealismo italiano, cine negro, ciencia ficción, rebeldes sin causa, western renovado, superproducciones bíblicas, Hitchcock, Truffaut, Resnais, Hamlet.

«El libro era mucho mejor.» Una frase que se ha convertido en enseña a la salida de muchas salas de cine y en definiciónde toda una corriente cinematográfica.¿En qué nos basamos para afirmarque un libro es mejor que una película? ¿Es válido comparar? El cine no solo ha necesitado de su hermana mayor literaria desde sus inicios, sino que continúa expandiéndose con cada vez más cantidad de adaptaciones de novelas, cuentos, mitos, obras teatrales, textos periodísticos o tratados filosóficosmateriales de autor o anónimos. Porque el cine, como cualquier arte, solo está alerta a la hora de encontrar las fuentes de las buenas historias. En este recorrido de 50 títulos cinematográficos,que abarca desde los comienzos del cine mudo hasta nuestra época, los textos literarios son los protagonistas, pero también las interpretaciones que han hecho sobre ellos distintos cineastas, guionistas, equipos, estudios de producción, audiencias y lectores. Les invitamos a leer la pantalla al igual que los libros: un portal a la imaginación y la diversidad, donde cualquier cosa aguarda al abrir al azar sus páginas.

«La mejor biografía del inmortal Cary Grant.» The New York Times «Todo el mundo quiere ser Cary Grant. Incluso yo quiero ser Cary Grant.» Con estas palabras resumía el propio actor la fascinación que su personaje público despertó en todo el mundo a lo largo de varias décadas. Considerado uno de los grandes mitos de la era dorada de Hollywood, pocos conocen, sin embargo, su vida privada, sus orígenes humildes en Inglaterra, donde nació y recibió el nombre de Archibald Alexander Leach, y los avatares que le llevaron a convertirse en uno de los actores más cotizados de su época. Marc Eliot ofrece en este libro, sin duda la biografía definitiva de este gigante del cine, una amena y a la vez rigurosa narración de su vida, centrándose tanto en su intimidad —muy suculenta y salpicada de escándalos, divorcios y titulares— como en su faceta profesional, con especial énfasis en su relación con sus directores favoritos: Howard Hawks, George Cukor y Alfred Hitchcock. Este último fue el cineasta que mejor supo esculpir el irrepetible talento de Cary Grant, cuya enigmática mirada vuelve a hipnotizarnos en las páginas de este libro imprescindible. Reseñas: «Un...

La primera mitad del siglo XX se identifica con la devastación moral y material de las dos guerras mundiales. Los dos conflictos son episodios trágicos de nuestra historia más reciente y se caracterizan por ser guerras totales, en donde los habitantes de los países beligerantes se vieron afectados y movilizados directamente como nunca anteriormente en la historia. Las dos guerras tuvieron un impacto trascendental en las relaciones internacionales, en el ámbito político, social y económico del mundo en sus respectivas épocas. Es difícil hablar de la Revolución rusa, la desaparición de los imperios europeos, la crisis de 1929 o la aparición de los fascismos sin contextualizar estos acontecimientos con las guerras. El objetivo de esta obra es aportar una visión contextualizada de los dos grandes episodios bélicos en sus ámbitos cronológicos, procurando un equilibrio entre los aspectos militares y políticos más conocidos, las dimensiones sociales, económicas y psicológicas.

¿De dónde surge la idea tantas veces repetida de que Shakespeare, hoy en día, escribiría para el cine o la televisión? Tal vez de la intuición colectiva, que este libro constata, de que en buena parte de la ficción audiovisual contemporánea persiste la impronta de un coautor no acreditado, invisible, la influencia del cual serpentea entre muchos procedimientos dramáticos que siguen siendo irrenunciables. Los inicios in medias res, la coralidad de personajes y situaciones, la síntesis de tragedia y comedia, la dramatización de la naturaleza, los diálogos adversativos o el paroxismo de la violencia son recursos que el teatro de Shakespeare llevó a un grado exquisito de maleabilidad. La ficción contemporánea los sigue adoptando y remodelando de una manera particularmente insistente, tal vez porque en estos momentos se ha hecho más visible que nunca una profética intuición del autor de Como gustéis: que el mundo camina hacia su constante autorrepresentación. De ahí la extrema modernidad del dramaturgo. Y también que Jordi Balló y Xavier Pérez –tras libros ya clásicos sobre el funcionamiento de la ficción audiovisual: de La semilla inmortal a Yo ya he estado ...

Ciudadano Kane es una de las películas más importantes y complejas de la historia del cine. Reconocido por la mayoría de críticos, historiadores y estudiosos como una suerte de "enciclopedia" del cine, es uno de los films más estudiados y que más vocaciones ha despertado entre los profesionales del medio cinematográfico. Este estudio trata de perfilar una aproximación al film de Orson Welles de un modo integrador, con el fin de dar cuenta de su extraordinaria riqueza textual. Junto al examen de las condiciones de producción, distribución y exhibición del film, se atiende asimismo a los aspectos económicos, históricos, tecnológicos, psicológicos, culturales y estéticos El objetivo de la Colección Guías para Ver y Analizar Cine es ofrecer una serie de análisis cinematográficos que resulte útil para amantes del cine en general y al conjunto de la comunidad educativa, en la posible adaptación de estos textos al trabajo en el aula. Cada análisis sigue una estructura general, común a todos los textos de la Colección, que incluye las siguientes partes: - Presentación de la ficha técnico-artística del film - Introducción de carácter general permite subrayar...

Una obra fundamental tanto para los cinéfilos como para el simple aficionado al cine que aún confía en las grandes praderas y en sus amaneceres blancos y sagrados. El cine del Oeste contribuyó como ningún otro género a la popularidad del séptimo arte. Con su extraordinaria prosa, su inmensa cultura cinematográfica y su fascinación por las películas de vaqueros, Ángel Fernández-Santos rinde en este libro un apasionado homenaje a esos míticos westerns. Para ello se aleja de los tópicos y profundiza en la esencia y las raíces de un género cinematográfico universal, recorre sus temas y características principales apoyado por numerosas citas de diálogos extraordinarios, que traen a la mente del lector un puñado de grandes cineastas y actores (James Stewart, John Wayne, Randolph Scott, William Holden, John Ford, Sam Peckinpah, Nicholas Ray o Howard Hawks) y de películas inolvidables (Solo ante el peligro, El hombre que mató a Liberty Valance, Dos cabalgan juntos, Fort Apache, Centauros del desierto, Los que no perdonan o Johnny Guitar).

Que un hombre muerda a un perro puede ser el detonante de una noticia... o de una película. Cineastas e informadores comparten una misma pasión, la de describir la realidad de modo más o menos subjetivo, armando una narrativa que le dé un cierto sentido. Aunque no lo tenga. A su vez, los periodistas se han convertido en personajes centrales de muchas ficciones, ya sean profesionales tenaces enfrentados heroicamente a amenazadoras fuerzas corruptas o granujas manipuladores capaces de todo con tal de satisfacer su obsesión por la fama, la exclusiva y el titular. El cine ha contribuido a modelar el estereotipo asociado a todos ellos, testigos necesarios que a menudo acaban implicados hasta el fondo. Desde los galanes de traje y corbata, con su identificación prendida en el ala del sombrero, hasta los blogueros que retozan en ese nuevo campo sin puertas llamado internet, este libro repasa cincuenta de las mejores películas sobre prensa escrita, radio y televisión; historias de grandes logros, dilemas deontológicos y miserias cotidianas. ¡Que no paren las rotativas!