Este libro presenta una investigación acerca de la historia de la curaduría de arte, la cual se ha desarrollado paralelamente a la historia de los museos. En ella se muestra cómo la labor del curador ha cambiado de ser un vigilante en la Edad Antigua, a ser un autor de exhibiciones hoy en día.
¿Qué sucede cuando lees en una revista de arte superprestigiosa que un discípulo de la artista más etérea del planeta desea emparedarse entre dos rocas para experimentar la temporalidad del reino mineral? ¿Qué ocurre cuando te dan a elegir entre dos pastillas, una roja y otra azul, y te tragas la roja? ¿Qué es una pasión destructiva? ¿Y Equivalent VIII? ¿Y un friki guay? ¿Y una YouTuber? ¿Qué puñetas es una Fake? ¿Y un comisario de arte? ¿Y un blog? ¡Rayos y Centellas! ¿Pero quién narices es Acham Hellman?
La pregunta clave que plantea Cómo hacer cosas con arte es qué relevancia tiene el arte en la sociedad. ¿Cómo deviene importante el arte a nivel político o social? Este libro intenta responder a esta pregunta de forma teórica, e indicar, mediante el análisis de obras de James Coleman, Daniel Buren, Jeff Koons y Tino Sehgal, cómo los artistas pueden desarrollar e influir en la vertiente social; dicho en otras palabras, este libro proporciona lo que se denomina una interpretación pragmática del impacto social del arte. El título de la obra ya es un juego de palabras con la influyente serie de conferencias de John Langshaw Austin "Cómo hacer cosas con palabras", en la que reflexionaba sobre lo performativo, esto es, sobre la capacidad productora de realidad del lenguaje. Si la línea argumental de Dorothea von Hantelmann se basa en dos premisas teóricas de Austin y en la noción de performatividad de Judith Butler, este libro ofrece una auténtica semántica de cómo "actúa" la obra de arte, no a pesar sino en virtud de integrarse en ciertas convenciones: cómo, por ejemplo, sostiene o coproduce una cierta idea de historia, progreso y desarrollo a través del museo. El...
An oral autobiography and scrapbook of the amazing life of American painter Luchita Hurtado, from Venezuela to Los Angeles via Surrealism, magical realism and countless key art scenes of the 20th century in between Over the course of her long and rich life, Venezuelan-born American painter Luchita Hurtado created a stunning body of work that only received the widespread attention it deserves toward the end of her life. In her paintings, Hurtado moved seamlessly between modernism and Surrealism, taking inspiration from South American weavings and her passion for environmentalism. This handsome volume celebrates Hurtado's life and work in her own words through a conversation with Hans Ulrich Obrist, along with an abundance of never-before-seen photographs and artworks, such as self-portraits and erotic drawings. Along the way we learn of her early life in New York City, her emergence as a painter, her life with her husbands Daniel de Solar, Wolfgang Paalen and Lee Mullican, and a whole cast of artists from Leonora Carrington and Isamu Noguchi to her son Matt Mullican. Luchita Hurtado(1920-2020) was a lifelong artist, having studied fine art at the Washington Irving Campus in New...
Conversaciones mantenidas entre el comisario Hans Ulrich Obrist y 15 artistas, durante la inauguración del Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear de Cáceres, el 4 de junio de 2010. La finalidad de las entrevistas era compartir con los artistas algunos criterios sobre su propia obra y sobre el papel de los museos como contenedores de sus trabajos.
El giro educativo en las artes es un tema clave para concebir los programas expositivos de los museos y centros de arte. Esta cuestión, que resulta evidente para la mayoría de los profesionales de la educación en museos es, sin embargo, mucho más compleja desde posiciones curatoriales y de gestión institucional. Si bien enunciar el valor pedagógico de las prácticas artísticas genera gran consenso entre todos los agentes del arte, su aterrizaje discursivo y su concreción a nivel formal, organizativo y de procedimientos conlleva muchas diferencias y matices. Bajo la premisa de esta heterogeneidad y su riqueza, este volumen recoge una serie de textos que analizan el llamado comisariado pedagógico, una aproximación a la práctica curatorial que se formula desde el potencial educativo de la exposición y que pretende activar el diálogo con los públicos en distintos momentos del proceso expositivo siendo este un itinerario que no comienza ni termina necesariamente en la exposición. Esta propuesta trata de evaluar de manera colectiva la pertinencia de este enfoque a partir de las experiencias, conocimientos y posiciones de distintos artistas, profesionales del comisariado y ...
Antes de terminar mis estudios de arquitectura me surgió una duda con la que poco a poco he aprendido a convivir. Frente a la foto fija de una arquitectura y un urbanismo que aspira a construirse y habitarse como una fiel reproducción de aquello que se diseñó o planificó, existe el universi en el que vivimos marcado por el tiempo u la evolución. El responsable de esta profunda disociación entre la disciplina arquitectónica y la realidad no es otro que el tiempo. Timetecture explora aquellas formas de diseño qie atribuyen al tiempo si indudable capacidad creadora. Este libro comienza historicamente en la crisis del Movimiento Moderno y llega de forma vibrante hasta nuestros días. Pero más allá de ser un libro exclusivamente sobre teoría arquitectónica, está concebido como un Manual de uso y Mantenimiento del tiempo y como una herramienta indisociable de la práctica arquitectónica.
"Demolición: el agujero negro de la modernidad" propone una nueva lectura sobre la demolición o abandono vs. la conservación y reestructuración de proyectos de vivienda social con el objeto de mejorar los planes de intervención sobre entornos complejos. Complejos, porque involucran una problema 'tica de fondo que va más allá ́ de la arquitectura, y tiene que ver con sesgos raciales, sociales, políticos, económicos. Por tanto, es una investigación sobre proyectos arquitectónicos pero no se limita a ellos. A través de los proyectos de vivienda social Pruitt-Igoe (construido en 1954 y demolido en 1972) y Robin Hood Gardens (construido en 1972 y propuesto para demolición en 2008), se estudia un período en el que la arquitectura moderna se enfrenta a demoliciones indiscriminadas sin reflexionar sobre sus consecuencias. Así ́, la arquitectura moderna es una especie de "agujero negro".
Estos diálogos nos hablan del comienzo de una nueva era en los museos, porque estamos ante el comienzo de una nueva era en el mundo. Pero aquí, como en cualquier rincón del planeta, los cambios no surgieron de la nada. Fueron germinando a lo largo de décadas, a medida que olas de transformaciones sociales planteaban nuevas exigencias a las instituciones culturales y se postulaban ideas progresistas sobre qué es un museo. El nuevo siglo ha marcado una fase de pluralismo para las instituciones de arte. Ya no están obligadas a copiar viejos modelos ni a importar ideas foráneas. Se ha abierto un campo fértil de posibilidades para los museos, sobre todo para aquellos que funcionan por fuera de los que se consideraban centros del arte occidental.
Este libro se acerca a la cuestión del método en arquitectura focalizando su análisis principalmente en 5 obras concretas del panorama contemporáneo, tratando de desvelar las motivaciones últimas que las constituyen. KAZUYO SEJIMA (+ Nishizawa + SANAA), Casa en un Huerto de Ciruelos en Tokio. FRANK O. GEHRY, Walt Disney Concert Hall en Los Ángeles. ÁLVARO SIZA, Museo Mimesis en Paju Book City. REM KOOLHAAS, La Embajada de Holanda en Berlín. PETER ZUMTHOR, Museo Kolumba en Colonia. El objeto y la obra arquitectónica se consideran así los elementos susceptibles de ofrecer el conocimiento material que permite desentrañar el modo y la metodología por el que éstos han sido concebidos. Con esta particular aproximación se desafían los tradicionales estudios que han comprendido al método como una sistemática universal o reglada, ya que en este caso el propósito consiste más bien en esclarecer los fundamentos y principios que subyacen a cada objeto arquitectónico más específico. Por su parte, el Epílogo muestra una complementariedad al carácter específico de los capítulos previos, ya que se atreve a avanzar con cierta voluntad conclusiva hacia la definición de...
Los arquitectos nos hablan de fachadas planas, de juego de luces naturales (casa Donado), de parasoles (DCA e HIP Conde), de pieles y filtros metálicos (M3646), de frentes recortados y plegados (Soler). Es muy interesante la elección de los materiales, así como la atmósfera creada con el uso de los espacios y los volúmenes. Así aparecen en sus proyectos de distintas maneras tanto en las expansiones que son terrazas o jardines o balcones, tanto cubiertos como semicubiertos. No son ejercicios teóricos, sino resolución de viviendas en terrenos concretos adaptadas a las normas del código de edificación poniendo una especial atención al contexto del edificio, el entorno urbano está presente en la resolución del mismo. Los proyectistas, lo explican claramente "... la masa construida se interrumpe dando lugar al sistema circulatorio como articulador de espacios intermedios, en busca de soluciones y encuentros, interpelando nuevas posibilidades espaciales..." (M3646). Es así, como crean interesantes espacios híbridos que permiten tanto habitar como trabajar, que nos lleva a recordar una magnifica frase que viene muy a cuento: "El espacio es la realidad de un edificio"....
Este libro propone un acercamiento a la obra de Rem Koolhaas y su Office for Metropolitan Architecture desde la hipótesis de la existencia de una conexión intelectual intensa con el surrealismo que se manifiesta firmemente desde las primeras ideas y fases de concepción de proyecto, en ciertas metodologías de desarrollo de las propuestas, e incluso en la materialización constructiva del propio edificio. ¿Es Rem Koolhaas un arquitecto surrealista? Tal afirmación nos resulta confusa si nos afanamos en buscar en su obra signos del onirismo exacerbado que terminó convirtiéndose en lo más representativo de la vanguardia parisina. "Exijo la ocultación profunda y verdadera del surrealismo" exclamaría André Breton en 1929 apelando a la importancia del compromiso revolucionario frente a otras consideraciones como la estética. En este sentido, el surrealismo que empapa la obra de Rem Koolhaas, es heredero fiel de estas palabras: pertenece al ámbito del proceso frente al de la forma. Se encuentra oculto, pero manteniendo importantes conexiones con los tres campos del conocimiento que el surrealismo tomó del psicoanálisis y que sirven para organizar el libro en tres partes: El ...
Con el auge que han tenido las nuevas tecnologías de la comunicación en años recientes, la crítica y los debates en torno al arte contemporáneo se han desplazado de los medios impresos al Internet. Pensar la escena presenta un conjunto de debates del campo del arte contemporáneo que han tenido lugar en Esfera Pública, portal de discusión en Internet en el que artistas, críticos y curadores han debatido colectivamente sobre la actividad artística, las prácticas institucionales y eventos como salones de arte, bienales, curadurías independientes e institucionales. El libro aborda seis temas sobre los que se ha reflexionado reiteradamente en este foro y que ponen en evidencia problemas de fondo, no solo del arte local sino de la escena internacional: crítica al arte político, el auge y la estandarización de los espacios de artistas, la crítica y el papel de los medios, debates en torno al Salón Nacional de Artistas, la crisis de instituciones como la Galería Santafé y el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Pensar la escena ofrece a investigadores, artistas, curadores, docentes, historiadores del arte, estudiantes y público interesado una cartografía crítica del...
En el poema simfónico Muerte y transfiguración, compuesto en 1889, Richard Strauss expone su pròpia experiencia en el lecho de muerte, sus palpitaciones, miedos, anhelos y sueños. A partir de esta voluntad de amalgamar la experiencia vital con la artística, de conectar la muerte con la vida, la presente publicación propone un recorrido, de la mano de diversos autores, para profunditzar en dichos temas desde la perspectiva pluridisciplinar de la historia del arte, el pensamiento, la antropología, las religiones comparadas, las narraciones cinematográficas y la experiencia musical.
This exhibition catalogue presents a series of works representatives of what has been the process of visual arts from the second half of the twentieth century to the present. It presents a collection where they are present more than seventy artists born between the decades of 30 and 50: as Gordon Matta-Clark, Donald Judd, Joseph Kosuth, Dan Flavin, Lazslo Moholy-Nagy, Matthew Barney, Thomas Ruff, Wolfgang Tillmans, Helio Oiticica, Douglas Gordon, Vanessa Beecroft, Francis Alys, Abraham Cruzvillegas, Santiago Sierra, Teresa Margolles, Gabriel Orozco among others, whose works make up this selection of high quality, representativeness and diversity of searches, finds and creative proposals. The common thread is the image, the starting point and destination of each of the works are collected in this selection: Drawing, painting, sculpture, installations, video art, and prominently, picture from several strands from the documentary to which explores the meaning and scope of the creative process.
El presente libro ofrece una aproximación a los estudios sobre la Ciudad de México a partir de las subjetividades que en esta se producen. Los textos ponen en evidencia cómo el diseño y las políticas de desarrollo urbano de la Ciudad de México han producido, condicionado y reproducido la estratificación y la desigualdad social, así como las formas de organización, solidaridad, participación y acción tanto individual como colectiva. Asimismo, lo largo de las reflexiones vemos como emergen constantemente subjetividades y acciones que resisten, subvierten y transforman dicha (infra)estructura y políticas; por ello, la relevancia de los sujetos y las subjetividades megaurbanas –su experiencia, agencia, resiliencia, etcétera– se tornan centrales para vislumbrar verdaderamente la complejidad de la Ciudad de México. Derivado de lo anterior, el presente libro está organizado a partir de tres ejes de análisis de las subjetividades megaurbanas –articulaciones estéticas, experiencia y resiliencia, y participación política–, a través de los cuales diecinueve investigadores de diversas universidades exploran algunas rutas de compresión.
La era digital se caracteriza por la sobre información y el exceso de datos. La ausencia referencial y la inmediatez a la que el ser humano se está habituando, dificultan la dilucidación de la calidad de los contenidos en todos los ámbitos de los individuos. Esta obra recupera desde una visión por un lado, histórica, y por otro, pragmática, la evolución del contexto digital y traza un camino para la creación en un mundo de excesos basado en el concepto de curaduría.
![No es lo más natural. Escritos y trabajos de Octavi Comeron [1965-2013]](https://cdn1.bibliotecadigital.org/images/libro/no-es-lo-mas-natural-escritos-y-trabajos-de-octavi-comeron-1965-2013-id-yU5DBgAAQBAJ.webp)
Transcurrido algo más de un año del fallecimiento de Octavi Comeron, sus amigos y colegas han rendido tributo al artista, al profesor, al intelectual con la edición de este libro, No es lo más natural, iniciativa a la que se ha sumado BAU con emoción y convicción. En esta obra se hace un recorrido exhaustivo por la trayectoria artística de Comeron y una profunda reflexión sobre su labor creativa y su pensamiento.
Abierto a múltiples fuerzas que desdibujan los límites de continentes, estados y culturas locales, el mundo del siglo XXI se ha vuelto sin duda más fluido y navegable. De eso parecen hablar las nuevas formas errantes del arte y las ficciones de América Latina. Pero frente a un multiculturalismo condescendiente que exalta la diversidad sin alterar la dirección ni las estructuras de poder de los intercambios, frente a un nuevo exotismo que hace de los Otros fetiches coleccionables, se impone recomponer el mapa del continente. Es lo que hace este sorprendente de imágenes: busca respuestas a las preguntas por el lugar de América Latina en obras de artistas y escritores que crean cartografías imaginarias, registran nuevos recorridos urbanos, revelan supervivencias fantasmales de otras tradiciones y otros tiempos, se abren a redes de relaciones azarosas o se confinan en esferas incomunicadas.
Una crítica a las fantasías del naturalismo hípster Desde pequeños nos trasmiten una forma de situarnos en el espacio: la naturaleza puede considerarse el lugar de aventuras épicas o el escenario del aburrimiento absoluto; puede ser un lugar para huir de la vida urbana, pero también algo peligroso que evitar. La naturaleza se ha ido convirtiendo en un objeto de adoración, pero el ecologismo no requiere del culto: la principal razón por la que se promueve el cuidado del medioambiente es egoísta. La humanidad maneja la naturaleza a su antojo: ha creado una planta electrónica a la que cuidar como un Tamagotchi, vende islas artificiales con la forma de los continentes y sus países y en Nueva York ya existe también el Lowline, el primer parque subterráneo del mundo.
El autorretrato de toda una generación de postguerra, exilio, lucha antifranquista, bohemia y, finalmente, libertad, éxito y glamour. Las memorias de Eduardo Arroyo, artista en sentido amplio e intelectual de primera línea, tienen la vocación de ser leídas como «una sarta de confidencias plagadas de historias» y de «dejarlo todo dicho, todo cosido, todo atado». Inspiradas en la Minuta de un testamento de Gumersindo de Azcárate, estas memorias tejidas de recuerdos, reflexiones, anécdotas, retratos y mucho humor, cubren en un desorden perfecto su adolescencia en el Madrid los años cincuenta, su exilio en París, donde su obra, marcada por cierta obsesión por la España franquista, fue muy bien recibida y valorada, su gusto por el Whisky J&B, las dificultades de la creación artística, sus viajes a Cuba o su amistad con Jorge Semprún. A caballo entre Francia e Italia, participó en todas las aventuras de la «figuración narrativa», corriente que combina la representación de lo cotidiano con las demandas sociales y políticas del momento. Tras la muerte de Franco, regresó a España, país en el que pasó a sentirse como un extraño. Fue en ese momento cuando se...
La ciudad está en nosotros tanto como nosotros en ella. Las visiones que ofrece este volumen se construyen sobre la materia literaria y lingüística de esa realidad, con aspectos sustanciales de lo que se ha considerado conceptualmente su paisaje, de ahí el título general: Visiones literarias y lingüísticas del paisaje urbano. Su contenido consta de dos partes, relativas al imaginario, los espacios de ficción y los ámbitos lingüísticos y, posteriormente, a la poética, los géneros y la constructividad literaria. Si el espacio es un universal que transita nuestra cultura desde los vestigios homéricos y sus "Prados asfódelos", como se subraya desde el comienzo del libro, asimismo, nuestra tradición se nutre del onirismo que acompaña lo espacial, generando una persistente tópica literaria a propósito del locus amoenus. La reverberación de lo clásico y antiguo sugiere siempre, como se desvela a lo largo del libro, el encuentro con nosotros mismos y nuestra contemporaneidad. Y, así, la ciudad se irá manifestando en el tiempo con la estética y la crudeza de su estirpe, con selvas y lugares petrarquistas, y con la belleza de lo oculto, el espíritu de la calle, su...
Examen de algunas claves procedentes del debate surgido en la estética romántica e idealista en torno al concepto de ironía, que ha continuado hasta la actualidad. Se presenta un entramado complejo de líneas de conexión entre la estética romántica y el arte moderno, mostrando las interferencias entre planteamientos, autores, teorías, filósofos o artistas, que imposibilitan cualquier análisis puro de la estética y el arte actuales.
En torno a una revista académica, un grupo de profesores de Proyectos de Arquitectura llevamos ya algunos años promoviendo y dando a conocer textos teóricos y críticos acerca de nuestra disciplina, capaces de situar esta actividad en el centro que le corresponde dentro de las actividades de investigación arquitectónica. Y capaces también de divulgar alguna parte de estas investigaciones, producidas sobre todo (aunque no exclusivamente) entre los profesores de la Escuela de Arquitectura de Madrid, sus estudiantes de Doctorado y sus graduados.
Después vino la toma del Palacio de Justicia, que cambió mi crítica humorística por la conciencia del drama. Ya no había risa. Señor presidente, qué honor estar con usted en este momento histórico cierra una etapa y abre otra. Una periodista me preguntó en un reportaje si yo hacía arte comprometido políticamente; yo le respondí: "El compromiso de los artistas no es político, sino ético". Lo que sigue es otro cuento. De "Arte y política"
Estos ensayos exploran la dinámica crítica de un arte que se sitúa firmemente "más allá de la estética". Los temas en los que indaga incluyen: el estatus ontológico del arte contemporáneo, la importancia duradera del modernismo como la lógica de lo nuevo, la relación del arte conceptual con la filosofía, la fotografía y el problema de los medios o soportes artísticos, el papel del espacio social en la constitución de la obra de arte y las estructuras temporales características de la experiencia del arte contemporáneo.
"El imaginario de la casa en cinco artistas contemporáneas: Remedios Varo, Louise Bourgeois, Marjetica Potrc, Doris Salcedo y Sydia Reyes", de Judit Uzcátegui Araújo, presenta que significa para estas artistas el concepto de la morada. La atención de la autora se dirige al campo de la expresión artística, en un intento de ver la resonancia que ha tenido y tiene la casa como motivo de la reflexión estética. Buscando huellas filosóficas en obras de Martin Heidegger, Gastón Bachelard, Otto Bollnow Friedriech, Emmanuel Levinas el hogar se convierte en un reflejo de las más intimas miradas del artista.
La historia de una de las casas de moda más elegantes del mundo. Desde la fundación de la Casa de Valentino en la Roma de la década de 1950, Valentino Garavani ha sido celebrado por sus atractivos diseños, y sus deslumbrantes vestidos siguen siendo el ejemplo perfecto del glamur de la alfombra roja. Valentino, a quien se le conoce simplemente por su nombre de pila, es toda una leyenda de la moda. Este libro empieza con los inicios de Valentino en el mundo de la alta costura en París, pasa por la rutilante escena social de Nueva York y la importante presencia de la casa en Hollywood desde la década de 1980, hasta nuestros días. La publicación reproduce hermosas fotografías de las diferentes épocas junto con una explicación de cada maravilloso modelo. "Sé lo que quieren las mujeres. Quieren ser hermosas". Valentino Garavani
Este texto parte de dos viajes inesperados, físicos y conceptuales, que se repitieron con siglo y medio de diferencia. El propio viaje procuró a la autora el curso de los acontecimientos y la formación de las ideas. Al principio no había mucho que contar; Kahn, textos y arquitectura era el equipaje de partida. Desde aquí el escrito se construye enlazando circunstancias que van apareciendo al encontrar un nuevo compañero de viaje que llega para quedarse, Schinkel. En Londres, los Smithson abrieron las puertas a Kahn, pero Nash no recibió a Schinkel. El libro se divide en cuatro partes, Preparando el Equipaje, Ruta a Ninguna Parte, Una Aguja en un Pajar y Hoja de Ruta. El primero aporta datos que permiten a Schinkel licencia para quedarse, el segundo muestra las dificultades de transmitir una idea para la que su público objetivo no está preparado, la tercera busca las aportaciones que en este sentido hubo a lo largo de la historia de la crítica de la arquitectura y por último se plantea que una idea, como la larva de una mariposa, puede quedar oculta para despertar en un tiempo que está preparado para aceptarla.
China vive, desde la última década del siglo XX, una excepcional efervescencia cultural y artística relacionada con las transformaciones que se han producido a raíz de su incorporación a la economía capitalista. Este boom responde, sin embargo, a un proceso mucho más profundo, y entraña un continuo debate entre las novedades llegadas de Occidente y la más pura tradición china, que, una vez más, resurge con fuerza para traer el pasado al presente y convertir al gigante asiático en uno de los focos creativos más importantes del panorama actual. Arte chino contemporáneo plantea un recorrido por el arte de China desde la caída del Imperio, en 1911, pasando por los convulsos períodos de su historia más reciente, hasta el momento actual. Supone una síntesis de un panorama extraordinariamente complejo y diverso, y un recorrido por las distintas manifestaciones plásticas que han surgido debido, en buena medida, aunque no exclusivamente, a los diferentes acontecimientos políticos que sirven de marco de referencia y de hilo conductor del texto. Una obra de gran utilidad para acercarse al fértil panorama artístico de la China de hoy, en el que figuran algunos de los...
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