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Andrea Fraser (Montana, Estados Unidos, 1965) no sólo es una de las mayores representantes de la llamada crítica institucional en el arte contemporáneo, sino que probablemente fue quien por primera vez acuñó ese término en forma impresa. Esta compilación de sus textos traducidos al español equivale en gran medida a una retrospectiva. De la crítica institucional a la institución de la crítica incluye ensayos teóricos, alocuciones públicas y relatos de acciones artísticas.

El arte en el tiempo crítico de la globalización ha encontrado su refugio dorado en las bienales y las ferias de arte, que convierten la experiencia estética en una entrega absoluta a la espectacularización. Desde el reality-show a la violencia expandida mediáticamente se impone un imaginario cruel y, al mismo tiempo, banal que deriva en tendencias artísticas como la estética relacional, las letanías del conceptualismo “institucional” o la obsesión por el archivo. En un mundo delirante proliferan actitudes delirantes y da la impresión de que los freaks toman el mando de las operaciones en un carnaval ininterrumpido y, finalmente, tedioso. Contra el Bienalismo traza una serie de aproximaciones a la cultura contemporánea abordando cuestiones como el pretendido antifetichismo de ciertas obras artísticas, las contaminaciones con lo arquitectónico, la dimensión humorística o paródica de ciertos planteamientos estéticos o la obsesión escatológica. Este mapa fragmentario ofrece posicionamientos críticos para pensar los regímenes de visualidad híbrida actual.

Desde que en 1996 se fundara el Seminario de Estudios de la Mujer, los estudios feministas y de género no han parado de crecer en la Universidad de Huelva. Este libro nace con la vocación de recoger la genealogía feminista de esos intensos años a través de algunos de los ricos testimonios, de las múltiples voces que se dieron cita en el Seminario conmemorativo ?Generaciones por la igualdad? que tuvo lugar en Marzo de 2016. El objetivo es visibilizar, poner en valor y celebrar el camino recorrido y los grandes logros de esos primeros 20 años, muy fructíferos en crecimiento personal y colectivo, en formación y aprendizajes permanentes, en creación de redes de colaboración y de sororidad que se han tejido al calor del Seminario de Estudios de la Mujer, y posteriormente del Máster en Género, Identidad(es) y Ciudadanía y del Programa de Doctorado en Estudios Interdisciplinares de Género. Además, este libro pretende alentar a nuevas generaciones a continuar esa labor de amor y de compromiso con la igualdad de género, por ello se dedica esta publicación a esas nuevas generaciones. La primera sección, "Presencia/Ausencia de las mujeres", se centra por un lado en el...

El arte contemporáneo goza de actualidad. Apenas hay ciudad que no tenga un centro dedicado a él. Existen multitud de cátedras y proyectos de investigación destinados a estudiarlo. Pero ¿qué significa exactamente el concepto de arte contemporáneo y a qué contemporaneidad hace referencia? Con este libro, Juliane Rebentisch se propone introducir, desde una teoría del arte entendida como proyecto crítico, un debate aún en curso sobre cuestiones que son fundamentales tanto a nivel teórico-artístico como estético. Sirviéndose de herramientas teóricas que provienen de la filosofía, de las disciplinas particulares de la ciencia del arte, de la crítica, de los curadores y de los artistas, su objetivo es contribuir al desarrollo de un concepto normativo del arte contemporáneo.

Frente al tiempo lineal, acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones... contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días, multiplicados y expandidos. Partiendo del análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la potencia del pensamiento...

La atmósfera nos hablaría de ambientes arquitectónicos en los que la materialidad, o la consciencia de materialidad, pasan a un segundo plano para que el protagonismo del espacio lo recupere el visitante-espectador a través de sus experiencias y acciones, las interacciones y las sensaciones que experimentan. Los espacios atmosféricos se presentarían como realidades en las que la envoltura física que los envuelve se desvanece en beneficio del fenómeno, configurándose en mera información, una sucesión de efectos que una vez manipulados transmiten sensaciones al visitante-espectador. La materialidad es entendida como diálogo directo y volátil con el sujeto, trascendiendo de su condición objetual en búsqueda de lo etéreo a través de la combinación de efectos sensoriales. La atmósfera haría del aire su material de trabajo, y su objetivo sería la reconquista del espacio como campo de trabajo para la arquitectura creando espectáculos espaciales con los que alcanzar un estado de empatía entre sujeto y espacio, por el que surge un diálogo fenomenológico entre ambos en el que hay cabida para la subjetividad. La atmósfera se nos desplegaría fundamentalmente desde...

Las largas horas dedicadas a la investigación, la redacción de formularios y aplicaciones, las búsquedas de contactos profesionales en ámbitos cargados de gente, las sesiones de revisión de proyectos en instancias educativas, las presentaciones de imágenes, las entrevistas, el tiempo libre malgastado, los sentimientos de culpa y la incertidumbre asociados con los mercados del trabajo creativo son, de alguna manera, los procesos que las imágenes satisfechas dejan en suspenso. Pocas décadas atrás hubiera sido difícil imaginar que la vida de los artistas podía homologarse con una sucesión de escenas de este tipo. Los cambios que se produjeron en el ambiente artístico como esfera de trabajo, y que terminaron por torcer el significado general del concepto de arte, no se dieron de un día para otro. El problema al que hace frente este libro, no respeta niveles de exclusividad, ni siquiera le pertenece completamente al reducto del arte. Su despliegue excede de múltiples modos el campo de las artes visuales. Con lucidez y contundencia Claudio Iglesias nos propone aquí una ruta de acceso a este particular fenómeno.

A través de un recorrido que va desde el Renacimiento hasta la posmodernidad, de las bellas letras a la cultura popular, y de la antropología a los discursos visuales, recorre el tropo del caníbal como símbolo de la condición de América Latina.

La exposición propone un repaso sobre la obra del artista a través de una veintena de fotografías y seis video-instalaciones. El proyecto se completa con un estudio exhaustivo sobre toda la obra videográfica y cinematográfica de la artista.

"Podría decirse que ningún otro artista de su generación ha motivado tantos ensayos académicos sobre su obra, y esto es aún más relevante si consideramos que no se trata de un artista europeo o estadounidense. En este libro presentamos una selección de textos de diversos y reconocidos autores, una conferencia y dos entrevist as inéditas. Se trata de una aproximación a la obra de este reconocido trotamundos, dotada de una movilidad y una diversidad tal, que desestabiliza los espacios comunes para el arte, dándole un inusual poder comunicativo al momento en que el hecho artístico sucede: destapar una caja vacía, cruzar entre charcos en bicicleta, desordenar un supermercado, etc."--Casadellibro

La exposición abarca de manera general todas las líneas de trabajo que ha seguido el artista desde el inicio de su carrera hasta su obra más reciente, de tal forma que se apreciará la solidez de su trayectoria en el arte contemporáneo a través de pinturas, dibujos, esculturas, fotografías e instalaciones. Orozco se replanteó la función de los materiales de producción y su relación con el espacio con la idea de desmaquillar la obra de arte de toda la ornamentación y de la suntuosidad de que es objeto. De esta manera se enfocó en una de las funciones básicas de la expresión artística, que consiste en evocar la fuerza que se establece entre los materiales y su contexto, entre el objeto y el significado. Con esto, a través del objeto artístico, se obtiene una experiencia directa con el entorno inmediato, sin las categorías, ya preconcebidas, del arte tradicional.

¿Podría ser que las ficciones distópicas de 1984 y Un mundo feliz no fueran ni tan ficciones ni tan distópicas? Lo que en 1984 era una fantasía, hoy no lo es ni mucho menos. Vivimos conectados a dispositivos que emiten y reciben incansablemente información sobre nuestra actividad, que nos ubican, mediante los que nos comunicamos y definimos ante el mundo. Sin embargo, lo que en 1984 formaba parte de un aparato de control impositivo, hoy es una necesidad básica del individuo. Hoy ya nadie nos vigila, porque nos vigilamos nosotros mismos, no es necesario implementar complejos mecanismos de control, ya que el control emana del individuo, que intercambia voluntariamente privacidad por comunicación. Este fenómeno no ha surgido de repente, sino que es la consecuencia de una lenta pero firme concatenación de acontecimientos que, apuntando en la misma dirección, han ido sumando esfuerzos y energías para constituir este ecosistema que nos define. Así, entre Edward Bernays y Mark Zuckerberg (fundador de Facebook) existe una nítida línea continua plagada de pequeñas (y no tanto) incorporaciones, que con pulso seguro han ayudado a trazar las líneas maestras de esta...

Contranarrativa del arte argentino que lee su historia desde la perspectiva de los traumas nacionales que encontraron expresión en su producción estética, en particular, visual. Reflexivo, crítico y polémico, Cañete desempolva el museo de la patria y sacude su panteón. Este libro presenta una historia del arte argentino construida a partir de una mirada ética y estéticamente crítica. Su punto de partida es la pregunta sobre la existencia misma de su objeto; su propósito, promover y vigorizar un debate necesariamente reflexivo, argumentado y, por definición, político. En ese gesto, Rodrigo Cañete se propone, además de poner en discusión el canon artístico nacional, sacar a los artistas de los panteones históricos y contemporáneos en los que instituciones y élites los han ido confinando, y desempolvar el museo de la patria para enfrentar los fantasmas que en última instancia acechan a la Argentina como país signado por la exclusión, el racismo y la veneración por lo extranjero. Largamente esperada, intelectualmente desafiante e inevitablemente polémica, Historia a contrapelo del arte argentino es también un repertorio de recursos para que sus lectores se...

Morton aborda lo humano, su esencia, límites y diferencias respecto de los animales, los objetos y el mundo; revisa críticamente el ecologismo, el antropocentrismo y el humanismo, proponiendo una política solidaria para el presente y el futuro.

Abierto a múltiples fuerzas que desdibujan los límites de continentes, estados y culturas locales, el mundo del siglo XXI se ha vuelto sin duda más fluido y navegable. De eso parecen hablar las nuevas formas errantes del arte y las ficciones de América Latina. Pero frente a un multiculturalismo condescendiente que exalta la diversidad sin alterar la dirección ni las estructuras de poder de los intercambios, frente a un nuevo exotismo que hace de los Otros fetiches coleccionables, se impone recomponer el mapa del continente. Es lo que hace este sorpren­dente de imágenes: busca respuestas a las preguntas por el lugar de América Latina en obras de ar­tistas y escritores que crean cartografías imaginarias, registran nuevos recorridos urbanos, revelan supervivencias fantasmales de otras tradiciones y otros tiempos, se abren a redes de relaciones azarosas o se confinan en esferas incomunicadas.

La moda atraviesa los campos más variados: desde las disciplinas teóricas hasta las prácticas de producción y consumo. En la moda se amplifican los impulsos y se desencadenan los procesos de innovación. Ella absorbe todos los estímulos y los conjuga; es una zona transversal de traducción e interpretación; y es, además, en este convulsionado siglo XXI, el espacio de una cultura compartida. A partir de los últimos años de la década de 1970 y principios de la siguiente, donde se asistió al declive de formas tales como el atelier, se fue estructurando un sistema conformado según las reglas de la posmodernidad, marcado por las grandes revoluciones sociales y por las conquistas feministas. Maria Luisa Frisa, una de la críticas y curadoras italianas más reconocidas en el mundo, se sumerge aquí en el fascinante universo de la moda contemporánea. Innovación, creatividad, negocio y cultura se entrelazan en este ensayo para retratar el complejo y cambiante mundo del fashion system. La moda, entiende Frisa, es una plataforma activa capaz de poner en circulación y de hacer dialogar a los actores y a los saberes relacionados con la cultura visual contemporánea, con la...

La Pesadilla de la Participación. Markus Miessen Edición en castellano del libro The Nightmare of Participation [Crossbench Praxis as a Mode of Criticality] En línea con el estado de la profesión en los tiempos que corren, este libro cierra la trilogía sobre “Participación”, con la que Miessen reclama la figura del “outsider desinteresado” alguien no sujeto a los protocolos existentes y que se anima a lanzar propuestas solamente armado de su inteligencia creativa y la voluntad de generar un cambio en su entorno. Miessen propone una forma urgente de participación que traspase el consenso político interesado e inefectivo. Un agente de conflictos constructivos, que refresque los campos del conocimiento con una nueva mirada... A veces, "la democracia" tiene que ser evitada a toda costa. El libro incluye: - Introducción de Eyal Weizman - Conversación con Chantal Mouffe - Entrevista con Hans Ulrich Obrist - Post-scripts por Bassam El Baroni, Jeremy Beaudry y Carson Chan.

En momentos en que las ciencias sociales hallan difícil explicar los logros y los fracasos de la globalización, cuando el arco que va de la caída de las Torres Gemelas al derrumbe del mundo de las finanzas ha hecho del inicio de este siglo el gran territorio de la incertidumbre, una nueva mirada sobre el arte puede ayudar a comprender las grandes encrucijadas de la sociedad. ¿Qué dicen sobre esta época los desplazamientos de las prácticas artísticas basadas en objetos a prácticas basadas en contextos, hasta llegar a insertar las obras en los medios de comunicación, los espacios urbanos, las redes digitales y las formas de participación social?

"Ivan Navarro (Santiago, Chile, 1972) belongs to a generation of artists raised under the Pinochet dictatorship, an experience that shaped their artistic vision and gave rise to a new cultural expression." "His work springs from a singular investigation of the potentials of energy: by elaborating luminous constructions, and employing the principles of energy conversion, Navarro creates functional sculptures and objects of great visual impact and structural complexity." "Among his best known works are the Electric Chairs made of fluorescent tubes, generating objects of impressive design whose fragility and high voltage undermine the seductive qualities of ergonomic perfection." "Navarro's art reflects on Minimalism and transcends its pure formalism by addressing social and political issues, with an underlying critique of power and authority." --Book Jacket.

Description: Le Figarocalls it "l'antichambre du paradis," and indeed Art Basel Miami Beach, the sister-event of Art Basel (in Basel, natch), is one of the hottest fairs around. With an exclusive selection of 160 leading international galleries exhibiting 20th and 21st century work by over 1,000 artists, the fair--and the accompanying catalogue--provides an essential reference for professionals and collectors with a special focus on the Americas.

"Featuring the work of twenty artists, this bilingual volume includes several artists' writings ... about artist-run exhibition spaces"--P. [4] of cover.

La traducción ha sido un factor histórico de considerable peso en la evolución de los más diversos campos de actuación humana. En efecto, la traducción se ha concebido, en algunas ocasiones, como movimiento iniciador de una transformación. En otras, ha supuesto un impulso real para la renovación, la ruptura o la reacción en política, ideología o evolución estética. En cualquier momento y situación histórica la visión del mundo se ha nutrido, en gran medida, de textos traducidos. En esta obra se ofrecen diferentes perspectivas de cómo se ha producido esa influencia de la traducción en el desarrollo de ámbitos tan dispares como la difusión de ideas políticas revolucionarias, la configuración de la alteridad, los trasvases culturales en los medios de comunicación, la canonización de las novedades literarias o la reinterpretación de los textos sagrados.

The global framework of the first Triennial of Chile included 3 international colloquiums directed by art critic Nelly Richards with the participation of international intellectuals and art administrators who during 7 days debated and reflected on the concepts in art of history, territory and identity. Some names included: Néstor García Canclini, Andrea Giunta, Adriana Valdes, Willy Thayer, Ana Lomgoni, Ticio Escobar, Guillermo Machuca, Pablo Oyarzún, Maria Berrios and others. "The limits of art are the main topic around in which this 1st Triennial de Chile is developed, exploring as a possibility the transgression of limits; an understood negation not in terms of didactic improvements, but as the key of an ambiguous gesture that simultaneously corroborates and refute the outlines of art."--P.15.