Las letras están en todas partes, pero pocas veces reparamos en sus formas o en la complejidad que ocultan. Este libro es la puerta de entrada al fascinante mundo de la tipografía y su lectura permite entender el alcance y variedad de las letras, el desafío creativo para hacerlas y la magia de componerlas en un texto.
Hay un hilo secreto que conecta las pinturas rupestres de la cueva de Altamira, los bestiarios medievales, las campañas de reclutamiento de soldados durante la Primera Guerra Mundial, los posters psicodélicos de los conciertos de rock, las tapas de las revistas de moda, la apropiación de productos de consumo en obras del arte pop y la irrupción de las nuevas tecnologías en la vida cotidiana. En cada uno de los momentos en que el ser humano tuvo necesidad de comunicar algo mediante signos, el diseño gráfico estuvo presente, a veces de manera solapada, pero a medida que se consolidó el capitalismo llegó a convertirse en una actividad crucial de nuestra cultura. Johanna Drucker y Emily McVarish recorren esa historia y organizan, de manera cronológica y a partir de una impactante profusión de imágenes, los hitos que marcan sus hallazgos y rupturas.
El presente libro pretende reflexionar en torno a las manifestaciones artísticas que podemos considerar en los márgenes, entendiendo como tales aquellas menos convencionales y canónicas (como el street art, la performance, el videoarte, el cómic, el cartel, la publicidad, etc.) y, en particular, las que pueden englobarse bajo el paraguas del arte urbano y las manifestaciones audiovisuales, prestando además especial atención al campo de la crítica de arte, siempre vinculada con estos ámbitos.
Aunque la relación entre las matemáticas y el arte puede rastrearse desde la antigüedad, fundamentalmente en aspectos geométricos y técnicos, es con la llegada de las vanguardias y del arte abstracto a comienzos del siglo XX cuando las matemáticas cobran una mayor y distinta relevancia: como fuente de inspiración y como herramienta de creación artística. Pensemos, por ejemplo, en la importancia de la cuarta dimensión para los movimientos vanguardistas o, a partir de Kandisnky y posteriormente de Max Bill y el arte concreto, en la reivindicación del pensamiento matemático en la creación artística. Una idea que tendría una influencia fundamental en corrientes como el constructivismo, el minimalismo, el movimiento fluxus, el arte conceptual, el arte sistemático o el arte óptico, entre otros. Siguiendo este planteamiento, este libro analiza, a través de una variedad de ejemplos y actividades, cómo las matemáticas están presentes en el arte contemporáneo como herramienta creativa. Y lo hace a través de cinco ramas y del estudio de algunos de sus tópicos matemáticos: la geometría (el teorema de Pitágoras), la topología (la banda de Moebius), el álgebra...
Una guía definitiva para diseñadores y creativos sobre la historia y el presente del diseño gráfico. El desarrollo, la teoría y la práctica de la disciplina del diseño gráfico desde sus raíces hasta la actualidad, así como el impacto revolucionario que el diseño gráfico ha tenido en la tipografía y los soportes de comunicación que ha utilizado a lo largo de la historia. Con generosos ejemplos en cada uno de los apartados, sencillos y didácticos, se muestran los fundamentos de la materia en todas sus áreas, cuestiones, contextos y aplicaciones esenciales, para ampliar los conocimientos y la comprensión del fértil mundo de la comunicación visual. El diseño gráfico es una cuestión de enorme amplitud: es una práctica, una técnica, un oficio, una disciplina, una profesión y toda una industria, y converge con casi todos los aspectos de la sociedad humana, desde los negocios y la política hasta el arte y la cultura. Narrar toda la historia del diseño gráfico requiere abordar hitos humanos tan dispares como el desarrollo del alfabeto hace cuatro mil años, las inscripciones lapidarias de los talladores griegos y romanos, los manuscritos de los escribas...
La presente obra lleva a cabo un riguroso y documentado estudio del desarrollo de las tendencias abstracto-geométricas en España entre 1957-1969. La década de los sesenta marcó la recuperación de la geometría a escala mundial, este despegue se produjo igualmente en España, donde comenzó a surgir una nueva generación de artistas decidida a experimentar con la geometría y a apostar por la razón y el análisis. La autora reconstruye y analiza los diferentes movimientos geométricos existentes en España, como el arte normativo, concreto, cinético y óptico, etc. Sacando a la luz artistas, movimientos y documentos de la época, donde consigue mostrar una nueva fisonomía del devenir de las artes españolas en los sesenta.
"Este libro surge de la investigación titulada: “Periódico Tierra: análisis estético, gráfico e histórico de los discursos visuales que circularon en la prensa obrera colombiana entre 1928 y 1939”, proyecto que convocó a investigadores de la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano y de la Universidad Santo Tomás y que se enfocó en estudiar los fenómenos de producción, circulación y consumo de la publicación periódica Tierra, vigente en Colombia entre 1928 y 1939. Dichos fenómenos se articularon con el análisis de los discursos visuales que fueron creados para el periódico y que tienen una relación estrecha, tanto ideológica como política, con el Partido Comunista Colombiano. La investigación parte de la importancia de los estudios en donde se articulen la imagen, su producción, circulación y consumo, con el contexto histórico en el que posiblemente emergieron formas de apropiación de algunos discursos visuales que se vincularon con un aparato ideológico comunista que se empezaba a consolidar en Colombia. Entonces, al historiar con imágenes se busca articular diferentes momentos del contexto colombiano entre 1932 y 1938, para reconstruir los...
La pedagogía en diseño gráfico se erige como un campo en continua evolución, con el propósito primordial de dotar a los estudiantes de las habilidades y conocimientos necesarios para concebir soluciones visuales efectivas y atractivas en una amplia gama de medios y formatos. Para alcanzar una formación completa y significativa, resulta esencial abordar aspectos fundamentales que abarcan desde la práctica y el pensamiento crítico, hasta la integración de tecnologías y herramientas pertinentes, pasando por la enseñanza de la teoría e historia del diseño, así como la preparación para la inserción en la industria. Se enfatiza la importancia de integrar de manera equilibrada elementos artísticos, científicos y tecnológicos, lo que permite la generación de soluciones visuales más abarcadoras y efectivas. La introducción de un modelo para el desarrollo de proyectos en Diseño Gráfico, que amalgama tanto el pensamiento divergente como el convergente, supone un avance significativo en la mejora de la eficacia y adaptabilidad en el proceso de diseño. Este modelo, fruto de un estudio meticuloso, ha posibilitado la identificación de patrones y tendencias, garantizando ...
Comprender los retos del mundo empresarial y afrontar el desarrollo de nuevas soluciones requiere de un ingrediente básico: la creatividad. Sin embargo, no basta con ser o querer ser creativo… ¡hay que saber entrenar esta capacidad e implantarla para obtener resultados! Es decir, necesitamos de un proceso que nos guíe en el camino y las armas necesarias para salir airosos. Designpedia es un manual imprescindible sobre Design Thinking que recopila todas las herramientas con las que llevar a cabo los retos de la innovación y el emprendimiento en torno a cuatro fases: mapear, explorar, construir y testear. Y que además desvela cómo, al usar los instrumentos adecuados, se pueden generar soluciones originales y válidas. Sus autores, Juan Gasca y Rafael Zaragozá, plasman la apuesta que ya están haciendo tanto grandes compañías (Orange o BBVA) como startups (Dovase o Bydsea).
Aquí se reúnen cuatro décadas del trabajo intelectual de Ida Rodríguez Prampolini; textos antes dispersos en diferentes publicaciones o que incluso nunca habían visto la luz pública. El trabajo de la autora, presentado cronológicamente, permite seguir hechos históricos, vinculados en numerosas ocasiones a las prácticas artísticas. La obra se acopmpaña de cuatro ensayos preliminares a cargo de Rita Eder, Jennifer Josten, James Oles y Cristóbal Andrés Jácome.
Teoría, tecnología y psicología de colores icónicos, inusuales e innovadores * Un manual contemporáneo para navegar por el fascinante mundo del color, que es una de nuestras señales visuales más poderosas, pero es mucho más que simplemente lo que vemos. * Artistas y diseñadores saben que una utilización adecuada del color puede realzar la sensación o el mensaje que intentan transmitir. * Con reseñas de cien colores -los icónicos, los inusuales y los innovadores- le cambiará para siempre la forma en que ve, piensa y utiliza el color. Descompone los conceptos fundamentales de la teoría, la psicología y la tecnología del color en pequeños apartados, con historias resumidas que revelan la importancia histórica y contemporánea de cada color. Introduce ejemplos inspiradores del arte y el diseño de distintas épocas e incluye consejos para elegir colores de forma inteligente y sostenible para cualquier aplicación.
En un mundo donde todo cambia... ¿acaso la educación no debería iniciar su proceso de cambio donde el arte emergente y la cultura visual adquieran un rol protagónico y la arquitectura pedagógica emige hacia un sistema dialógico y horizontal? Este libro propone modos de trabajo contemporáneos para aquellos que, desde cualquier contexto pero específicamente desde las enseñanzas medias, entienden la educación y el arte como producciones culturales inacabadas y desean que las prácticas artísticas y las educativas se reconcilien.
Ensayo sobre la naturaleza del lenguaje verbal y su relación con la práctica artística. Reguera analiza obras "veladas", obras en las que "al menos una de sus partes (o toda la obra) está conscientemente oculta al espectador, quien sin embargo conocerá la existencia de la misma a través de la palabra (por el título, por un documento escrito, etc.)."
Morphologic study of Pre-Colombian iconography and symbols, recognizing autochthonous graphic designs as part of Argentinean cultural heritage. The author selected 2 representative designs for this study: the feline in the Aguada culture and ceramic urns from the Yocavil (Santamaria) culture.
Según el concepto platónico de belleza, ésta se manifiesta en los objetos que son simplemente útiles. Siendo así, la radical utilidad de la tipografía exalta la suya en una epifanía tan espléndida en su variedad como recatada en su ostentación. En efecto, pese a tenerla siempre a la vista, la tipografía resulta casi invisible. Arte en la tipografía y tipografía en el arte propone contemplar esa belleza útil desde un ángulo apasionado, ofreciendo algunas de las más geniales creaciones, modelos o prototipos. Si el tipo de imprenta resume tantas propiedades plásticas es porque, como apreció el arquitecto Peter Behrens, «es uno de los más elocuentes medios de expresión de cada época o estilo». Además, numerosos artistas plásticos del siglo XX han reparado también en la belleza de la tipografía, añadiendo letras de imprenta a sus composiciones y destacando con sus obras de arte el arte que permanece oculto en la tipografía ante la distraída mirada del mundo.
La muestra se dispone en trono a cuatro grandes temas -arte, arquitectura, diseño y fotografía-, que revisan en clave constructivista lo sucedido en Suiza en la época de entreguerras: el arte se concibe como un todo que contribuye a una vida más equilibrada y en armonía con el mundo.
Rather than limit the minimal to being a type of visual art, the curators of Minimalisms: A Sign of the Times conceive of the minimal as a way of life, as a spirit that impregnates nearly the whole of modern culture and its surroundings. After an exhaustive overview of classic Minimalist works by Dan Flavin, Frank Stella, Agnes Martin, Carl Andre, and Elsworth Kelly, Minimalisms looks further, at artworks by Andreas Gursky, Candida Hoffer, Richard Serra, Jean-Marc Bustamante, and Gunther Forg, architecture by Peter Zumthor, Dominique Perrault, Claus En Kaan, and Rafael Moneo, furniture designs by Donald Judd and Shiro Kuramate, and fashion designs by Anni Albers, Donna Karan, and Issey Miyaki. Linking them all is a simplicity of form and ornament, a technical precision, and the essential and concrete nature of structure.
Annual index contained in first no. of next year.
This series explores architecture; furniture; and interior, graphic, and industrial design with the intention of reflecting the wealth and diversity found in the extensive panorama of contemporary design. Featured designers are chosen on the basis of their originality and their accomplishments. Each book starts with an introductory essay by a well-known critic or designer. The designers themselves stylize the presentation and decide what material will be included -- therefore presenting not only a reference text, but also exhibiting another aspect of the designer's creative vision.