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Los idiotas ocupa un lugar privilegiado entre las películas más representativas de Dogma 95, último gran movimiento de resistencia cinematográfica, no solo por haber sido dirigida por Lars von Trier, principal ideólogo del movimiento, sino sobre todo por acercarnos a esa radicalidad originaria de la propuesta que iría diluyéndose con el paso del tiempo. La cinta nos ofrece, así, una buena muestra de la estética ordinaria, la incorrección política, la ácida ironía y el fuerte impacto emocional sobre el espectador que caracterizaron a los primeros films de la corriente. Presentándonos la provocadora dinámica de unos jóvenes que simulan ser personas con diversidad funcional y sumergiéndonos en el misterio que alberga Karen, la mujer que topa con el grupo por casualidad, Los idiotas nos insta a reflexionar sobre los beneficios terapéuticos de la idiotización y a posicionarnos ante la voluntad de Dogma 95 de hacer el idiota en el mundo del cine.

La ópera prima del director Sam Mendes fue una de las mayores sorpresas del año 1999. Con esa particular mirada ácida y descarnada sobre la sociedad estadounidense –el reverso del American Way of Life– consiguió el reconocimiento unánime por parte de la crítica y del público. American Beauty se convirtió en un fenómeno social en USA gracias a la disección milimétrica planteada del día a día del modo de vida americano, mostrando el comportamiento de una serie de personas atípicas a través de sus miedos, deseos, mentiras o sueños en el entorno de una comunidad donde, prácticamente, todo el mundo debe fingir lo que no es para lograr sobrevivir. El tono de tragicomedia que envuelve la película nos permite presenciar momentos de cierta ternura junto con otros de auténtica desesperación e incluso violencia por parte de algunos de los protagonistas. El mensaje acerca de la idea de belleza americana del título original del filme es el motor simbólico de la trama, y sirve a Mendes para mostrar esa búsqueda existencial y los caminos que exploran para llegar hasta ella tanto Lester Burnham –principal foco de la acción– como el resto de personajes.

Si hay un órgano vivo que no ha dejado de latir durante más de quinientos mil años es, sin duda, el lenguaje. La comunicación, hoy en día, no solo es esencial para la supervivencia, sino que no podríamos concebir un mundo sin esa tupida red que envuelve la realidad y que interconecta permanentemente a los humanos. Ya sea por medios escritos, orales, virtuales, gráficos o infográficos, el lenguaje es la herramienta que nos permite penetrar en la realidad y contar esa experiencia, poner en orden el pensamiento y hasta compartir las emociones más hondas. Conocer las infinitas posibilidades del lenguaje (y de los lenguajes) no es solo una prioridad para los profesionales de la comunicación (periodistas, escritores, redactores, guionistas...), es más que nada un deber y una exigencia moral. Un vídeo, una infografía, un artículo, un reportaje o una imagen, dada la influencia que pueden ejercer sobre la audiencia, llegan a tener un poder incalculable. Dominar el lenguaje en sus diversas manifestaciones resulta, pues, vital para alguien que desee dedicarse a la comunicación. El lenguaje es un órgano vivo y como tal, su evolución en cada género, formato y plataforma de...

Cinépata recoge impresiones a la salida del cine, reflexiones sobre la cinefilia, la crítica y los festivales, relatos de índole autobiográfica, ficticia y ensayística, fragmentos de guión, un cuento o cuentos, trozos de películas, frases como fotogramas, todo lo que un cinépata necesita.

David Serna Mené es licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Valencia. Como crítico cinematográfico, ha colaborado en diversos programas de televisión y radio, donde cabe destacar el magazine semanal Cinemascope, emitido por Popular FM-Cope Valencia (temporadas 2000-2001 y 2001-2002). Como especialista en música de cine, es colaborador de la página web Scoremagacine y, desde 1996, de la revista especializada Rosebud Banda Sonora. Es autor del libro Guía para ver y analizar Laura, publicado en esta misma colección, de la que también es miembro del consejor asesor. Ha trabajado en el Archivo de la Filmoteca de la Generalitat Valenciana, como realizador de televisión y como guía de una comunidad de cine para la editorial Planeta DeAgostini. Asimismo, ha sido director, guionista y operador de cámara de cortometrajes y mediometrajes en vídeo. El objetivo de la Colección Guías para Ver y Analizar Cine es ofrecer una serie de análisis cinematográficos que resulte útil para amantes del cine en general y al conjunto de la comunidad educativa, en la posible adaptación de estos textos al trabajo en el aula. Cada análisis sigue una estructura general,...

No sólo es Perdición (1944) una de las películas más importantes de la Historia del Cine sino que la estela de su influencia puede rastrearse hasta nuestros días. Para Woody Allen se trata de la mejor película jamás filmada por nadie. En cualquier caso, fue una obra decisiva para todo el cine negro rodado durante el final de la época de los Grandes Estudios. Esta primera película noir de Billy Wilder introdujo algo realmente nuevo en el cine americano: los delincuentes ya no eran criminales profesionales, ni pertenecían a la mafia; eran personas normales, de clase media, arrastradas por la ambición y la pasión sexual. Quizá lo realmente insólito de este filme sea que, siete décadas más tarde, todavía mantenga intacto su poder de seducción. Si Perdición sigue fascinando no es solo por el trabajo de adaptación que convirtió el poco convincente y banal argumento de la novela en un guion de complejo andamiaje, rico en punzantes diálogos y dotado de un ritmo de tintes jazzísticos, sino también porque Wilder supo orquestar la brillante interpretación de su reparto con una puesta en escena envolvente, dotada de una imaginería rica y sugestiva.

Un piano abandonado en la playa, la pequeñez de una silueta femenina ante la inmensidad de la selva neozelandesa o una mujer acampada con su hija, de noche, bajo el miriñaque de su falda decimonónica son algunas de las imágenes que inauguran el relato de El piano (Jane Campion, 1993). La historia ubica en Nueva Zelanda un drama victoriano que enhebra conflictos propios del género –un matrimonio forzado, un triángulo amoroso en cuyos personajes masculinos acecha una vertiente sombría, el comportamiento ambiguo de una niña, una tentativa femenina de suicidio– con el imaginario estético de la cultura romántica: la banda sonora compuesta por Michael Nymann, grandes planos generales de océanos rugientes y bosques frondosos y la presencia de un personaje singular –una madre soltera, muda desde niña y virtuosa pianista– cuyo punto de vista vertebra el relato.

In the Mood for Love es, sin lugar a dudas, el film más representativo de Wong Kar-wai, el que le ha dado fama y reconocimiento mundial, y el que supone un punto de inflexión en su quehacer, ya que es resumen y paradigma del conjunto de sus films anteriores y, nos atreveríamos a decir, posteriores. Esta película es un claro ejemplo de la forma de trabajar de Wong Kar-wai: Ausencia de guión. Las tramas se construyen a medida que el rodaje avanza, mediante la implicación de sus actores fetiche, Tony Leung y Maggie Cheung, quienes, interiorizada la esencia de sus personajes, condicionan el avance de la historia (rodada con radicalidad cronológica) y sus propias características personales. Eliminación, en la fase de montaje, de los aspectos más obvios de la trama. Mediante este mecanismo, los espacios fuera de campo, las ausencias, los elementos sugerentes y la quiebra de las relaciones causa-consecuencia se constituyen en elementos determinantes. Esto, que resulta poco comprensible desde el punto de vista de los costes de producción (¿por qué rodar escenas que serán suprimidas al montar?), permite comprender que el rodaje de In the Mood for Love se prolongara durante...

La Historia de Guinea Ecuatorial es un libro necesario para conocer el pasado de este país; entender su presente, y conjeturar su futuro. Desgraciadamente, no cuenta con muchos precedentes. Durante la etapa colonial solo se hablaba y estudiaba la geografía e historia de la metrópoli; después de la independencia, Francisco Macías Nguema organizó un régimen de terror que persiguió ferozmente toda actividad intelectual convirtiendo el país en una jauría humana; por su parte el Gobierno español declaró “Materia reservada” a todo lo relacionado con su antigua colonia, norma prohibitoria que fue levantada en 1976. La elaboración de una historia propia ha sido sentida como una necesidad por todas las culturas. Sin embargo, las sociedades no son nunca homogéneas, sino que están formadas por grupos con intereses enfrentados, por lo que, desde sus orígenes, la historia ha sido, en ocasiones, manipulada con el objetivo de justificar el dominio social de los grupos dirigentes. La ciencia histórica tiene como objetivo principal evitar que las acciones queden sepultadas en el olvido por el transcurso del tiempo, o que la desmemoria y la manipulación tergiversen...

Considerada como una de las obras maestras del malogrado director Satoshi Kon, Perfect Blue es uno de los filmes sobre los que la animación comercial japonesa contemporánea ha construido su identidad como producto cultural atravesado, por un lado, por elementos propios de la ficción de explotación, y, por otro, por rasgos pertenecientes a la complejidad narrativa de la narración postclásica. La ópera prima de Kon va más allá de las superficiales representaciones del mundo de las idols japonesas y explora los elementos más sombríos del entramado del entretenimiento mediático que las sustenta: la inmoralidad de sus agencias de representación, lo deshonesto de los productores televisivos, el potencial obsesivo de los otaku y, sobre todo, de las secuelas psicológicas a las que están sometidas las idols.

Siempre polémica, atravesada por tremendas tensiones formales y narrativas, la escritura fílmica de Lars von Trier es una de las grandes experiencias cinematográficas de las últimas décadas. Su cine está a medio camino entre la carcajada bufonesca y la náusea más sincera, siempre suspendido entre una autoconsciente idiotez y una lucidez crítica con las estructuras ideológicas del mundo en el que vivimos fuera de toda duda. Melancolía supone uno de los grandes hitos de su carrera, una suerte de condensado filosófico y estético sobre sus búsquedas y sus hallazgos precedentes. Amarga, disparatada, desesperada y profundamente incómoda, la cinta es sin duda merecedora de un análisis como el que aquí proponemos: la búsqueda de su “decir cinematográfico”, pero también la escucha atenta de su denuncia descarnada de las relaciones que se establecen entre la quiebra de la subjetividad y los delirios impuestos por la economía neoliberal.

Antes de labrarse su carrera como cineasta, Clint Eastwood trabajó como actor a las órdenes de otros realizadores. Uno de ellos, el director norteamericano Don Siegel, fue su referente a la hora de construir su propio estilo fílmico junto con el italiano Sergio Leone. Famoso gracias a películas como La invasión de los ladrones de cuerpos, Crimen en las calles, The Lineup, Código del hampa o Brigada homicida, Siegel dirigió a Eastwood en varias ocasiones. Una de las más memorables fue Harry el sucio, vibrante thriller y uno de los títulos más significativos de la renovación que experimentó el cine policíaco estadounidense a principios de los años setenta. El retrato de un duro policía de San Francisco que, en su afán por capturar a un asesino en serie, acaba saltándose los límites de la legalidad, servía para trazar un ambiguo y polémico contraste que diluía las diferencias entre el inspector y el criminal. Harry el sucio es un clásico del género y estableció un patrón que pervive en la actualidad.

Easy Rider está incluida entre las cien películas más importantes de la historia por el American Film Institute. Desde su estreno en 1969 se convirtió en un extraordinario éxito de taquilla. Más de cincuenta años después se mantiene como un icono cultural y audiovisual reconocible en todo el mundo gracias a su banda sonora, pero también por su simbología, que ya forma parte del imaginario colectivo de su época. Easy Rider es también el punto de inflexión del que saldrían los creadores del “nuevo Hollywood”, una hornada de directores que decidió no seguir el camino trazado por las grandes majors norteamericanas y que dio origen a una nueva estética cinematográfica.

Con el inicio del nuevo milenio la Literatura, el Cómic, el Cine y la Televisión parecen haber redescubierto la Antigüedad Clásica y, más específicamente, el Imperio Romano y los Juegos de Gladiadores. Series de televisión, películas, novelas y cómics se ambientan en la Roma imperial o tienen a gladiadores como protagonistas. Es el efecto Gladiator. Solo por ello esta película ya supone un hito en la historia reciente del cine, pero aún acumula más méritos, y entre ellos no es el menor haber conseguido que Ridley Scott, antaño director de culto y en aquel momento en horas bajas tras películas como La teniente O'Neill o Tormenta blanca, enderezara su carrera cinematográfica. Scott, apoyado por los avances tecnológicos y en sus conocimientos de Historia del Arte, y ayudado por su núcleo duro de colaboradores (el editor Pietro Scalia, el director de arte Arthur Max) y por un elenco de actores que aúnan experiencia (Derek Jacobi, Richard Harris, Oliver Reed) y pujanza (Joaquin Phoenix, Russell Crowe en su primera colaboración con este director), no se limita a retomar la tradición del epic, sino que la renueva profundamente con sus aportaciones estéticas y...

Convertido en un icono ineludible de la historia del cine gracias a sus interpretaciones en la serie de películas del detective Harry Callahan y los spaghetti western de Sergio Leone, Clint Eastwood ha tenido que luchar para quitarse la simple etiqueta de “tipo duro” para ser considerado como uno de los mejores directores estadounidenses de las últimas décadas y una suerte de cronista cinematográfico de su país de origen. Habiendo conseguido su consagración como cineasta con Sin perdón, el autor norteamericano pasó la década de los noventa encadenando cintas apreciables que sin embargo no superaron o igualaron el éxito de su último western hasta que ya iniciado el siglo XXI estrenó Mystic River. La película protagonizada por Sean Penn, Tim Robbins y Kevin Bacon fue reconocida inmediatamente como una obra maestra de tintes negros que inauguraba una nueva etapa de madurez fílmica para su artífice, que sería confirmada un año después con la multipremiada Million Dollar Baby. La obra que nos ocupa es una historia que reúne gran parte de las inquietudes de su director, como el retrato de la violencia dentro de los núcleos familiares, y que consigue radiografiar...

Desde su estreno en 1972, El diablo sobre ruedas, “TV movie” extendida para el mercado cinematográfico europeo, es una obra de culto. No en vano espectadores y críticos supieron captar su enorme riqueza significante: enfrentamiento del hombre contra la máquina, simple ejercicio de suspense, estudio sobre la paranoia individual y/o colectiva... El diablo sobre ruedas es también un producto tremendamente representativo de las corrientes cinematográficas norteamericanas del momento (el manierismo y New Hollywood) y la ópera prima de Steven Spielberg, quizás el director más conocido del panorama cinematográfico actual. Inexplicablemente, y a pesar de todo ello, sobre El diablo sobre ruedas se ha escrito poco, demasiado poco. Con esta monografía queremos contribuir a llenar un vacío imperdonable, sumándonos al mismo tiempo a la labor desplegada por la colección Guías para ver y analizar, ya que, desde nuestro punto de vista, esta película permite un acercamiento didáctico a aspectos esenciales del lenguaje cinematográfico, la historia del cine y las diferentes metodologías del análisis fílmico. El lenguaje claro y didáctico utilizado en el análisis de los...

Como en el Teatro Houdin de Georges Méliès, o en los espectáculos de vodevil de Winsor McCay a comienzos del siglo XX, las artes escénicas están experimentando hoy una evolución hacia el espectáculo multimedia mediante la incorporación de imagen animada —o, dicho esto sin ironía, la animación reanima el teatro. Las artes escénicas también han sido motivo de fascinación para los animadores que acuden al teatro y a los géneros musicales como fuente de inspiración o crítica. Por añadidura, los principios teatrales de acting y puesta en escena son fundamentales en la narrativa animada de hoy y de siempre, pues donde hay un animador, sin duda encontraremos también a un actor. Nos sobran los motivos, pues, para brindar en este número de Con A de animación un homenaje al intercambio entre la imagen animada y las artes escénicas a las que tanto debe. El presente número de Con A de animación contiene una serie de reseñas, reportajes, entrevistas y textos de investigación originales e inéditos en torno a la animación y las artes escénicas, que destacarán figuras como el animador británico Barry Purves, el sudafricano William Kentridge o los españoles Alberto ...

Andréi Tarkovski, uno de los directores soviéticos más aclamados por la crítica mundial, estrenó en 1972 su adaptación de la novela de Stanislaw Lem, Solaris, una historia de ciencia ficción que se convirtió en su película más conocida fuera de la Unión Soviética. La escurridiza frontera entre la realidad y la ilusión o los límites del conocimiento humano y al mismo tiempo su grandeza, son algunos de los temas que el director aborda en esta película de tempo moroso y cuidada fotografía y puesta en escena, en la que están presentes buena parte de los recursos estilísticos y narrativos característicos de su director.

Development in Practice Readers offer a selection of articles to promote debate on a theme of current concern. Each paper has been chosen from Development in Practice - an international journal concerned with the social dimensions of development and relief work, with contributions from field workers, policy makers, and researchers. Each book in this series is introduced by a specially commissioned overview, and contains an annotated bibliography of current and classic titles which together constitute an essential reading list on the chosen theme. This volume brings together papers which explore people's varied expectations of development. It is introduced by Mary B Anderson, President of The Collaborative for Development Action Inc., Cambridge, USA.

El presente libro es una recopilación de ensayos en torno a la historia internacional del socialismo. El volumen reúne 20 ensayos producidos por las y los integrantes del equipo de investigación sobre historia del socialismo del Centro de Investigaciones y Estudios sobre Cultura y Sociedad (CIECS), un organismo dependiente del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (CONICET) y de la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina. Los trabajos reunidos en este volumen tienen en común no sólo su preocupación por rescatar la historia del socialismo y del movimiento obrero, sino su enfoque explícitamente marxista. El marxismo es mucho más que un marco teórico académico: es una guía para la acción revolucionaria. El propósito de estos ensayos, por ende, no es sólo aplicar las herramientas teóricas del materialismo histórico al análisis de distintos aspectos de la historia del socialismo y de la teoría marxista, sino ante todo contribuir a la lucha por la emancipación de los trabajadores de la explotación capitalista.