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Después de mayo del 68, fecha que marcó prematuramente el comienzo de la década de los setenta, el objeto de arte empezó a ser considerado como algo completamente superfluo, como un simple instrumento más en el mercado. Fue el momento en que el arte conceptual estuvo en su apogeo, y con él su intento de liberar la obra de arte de su papel de objeto mercantil. Las acciones se convirtieron en la más evidente extensión de esta idea: aunque visibles, eran intangibles, no dejaban huellas y, por lo tanto, no podían ser compradas o vendidas. Bajo estos presupuestos, los espacios dedicados a la performance surgieron muy rápidamente en los principales centros de arte internacionales: los museos empezaron a patrocinar diferentes festivales, las escuelas de Bellas Artes se preocuparon por primera vez de introducir cursos de performance y surgieron algunas revistas especializadas.

El artista "accionista" transfiere a su propio cuerpo todo el poder plástico, metafórico, simbólico y semiótico inherente al objeto artístico. El cuerpo se convierte en el territorio donde tiene lugar la creación y la destrucción, en la topografía del análisis de los límites y en la zona de resistencia de una subjetividad que, a través de la vulnerabilidad de la carne, se enfrenta violentamente al poder político, social y tecnológico. Günter Brus, Otto Mühl, Herman Nistsch, Rudolf Schwarzkogler... Como un latigazo intermitente explotando en la faz del cuerpo social. Las acciones de estos artistas se suceden durante los años sesenta, evidenciando la desgarradura de un sujeto que encuentra sus marcas, sus signos y su potencia de libertad en el cuerpo. Herido, alterado, agredido y empujado más allá del dolor, el cuerpo del artista abre en su piel, en su carne, en sus órganos y en su sangre las preguntas sobre su identidad.

Posiblemente sea Joseph Beuys (1921-1986) uno de los artistas más polémicos del arte del siglo XX. Rechazado violentamente por unos, aclamado y seguido por otros, su persona y su obra pocas veces han provocado indiferencia. Beuys ha transitado por diversos territorios para confluir finalmente en uno, que es su concepto integral y vital de la creación: escultura, dibujo, instalación, acción, docencia de arte y actividad política. En su plástica, materiales peculiares adquieren carta de naturaleza: miel, grasa, fieltro, motores eléctricos, animales... Sus acciones se convierten en escenificaciones del mito más arcaico. Sus discursos, más políticos que estéticos, se encaminan a regenerar las heridas de la sociedad, proclamando para esta la recuperación de su propia actividad.

Durante su corta existencia, Piero Manzoni (Soncino, Cremona, 1933 – Milán, 1963) dedicó su trabajo a socavar las ideas y las prácticas dominantes en el arte de su tiempo. Obras como los Achromes, cuadros realizados sin pintura; las Líneas encerradas en cilindros de cartón; las Bases mágicas (quien subiera a ellas se convertiría en obra de arte) o la Mierda de artista, envasada en pequeñas latas y vendida por el precio equivalente de su peso en oro, permanecen en la actualidad como hitos de la más extrema transgresión vanguardista.

Anselmo Gómez de la Torre accede a la Mitra tudense tras una vida consagrada a la Orden benedictina. Entre 1689 y 1720 emprende una intensa actividad de patronazgo artístico, ya sea como promotor o en su condición de mecenas del Cabildo catedralicio. Durante su mandato impulsa la reforma arquitectónica y dotación de la capilla de Santa Catalina, convirtiéndola en recinto privativo de su linaje familiar. La inusual generosidad de este prelado posibilita que la basílica pueda despertar de un profundo letargo por medio de la renovación del mobiliario litúrgico y sus programas figurativos. Al amparo de su magnificencia se construyen retablos, las puertas de entrada a la basílica, las cajas de los órganos, la cajonería de la sacristía mayor y dos sillerías en la sala capitular y el coro. Esta última es objeto de estudio del presente libro, junto con la figura del mitrado cántabro, cuyo blasón figura en la cátedra episcopal. A partir de su contratación en 1699 se crea una sinergia muy productiva entre el obispo, el maestro Francisco de Castro Canseco y el canónigo Juan de Armida y Puga, que ejerce de mentor. La obra lignaria alberga cinco series iconográficas...

Sevilla, buscando su identificación con la Virgen Dolorosa, lleva a cabo permanentemente la búsqueda de la perfección. Podría pensarse que esta perfección ya se ha hallado en el paso de palio, en la proporción áurea, en los doce varales, en el oro y en la plata, en la abundancia de cera y de luces, en las flores que anuncian la regeneración primaveral, en la figuración del Paraíso, en la escenificación secuencial del triunfo del bien sobre el mal... El lector descubrirá una verdadera profusión de detalles, motivos y símbolos, muchos de los cuales pueden habérsele pasado desapercibidos, y encontrará al mismo tiempo reseñas de sincretismo que tal vez le resulten insólitas o impactantes. Todo le llevará a entender la génesis y la evolución histórica del paso de palio como una búsqueda griálica, caballeresca, iniciática y sagrada. Aunque la Semana Santa de Sevilla es, en gran medida, un producto de los pronunciamientos contrarreformistas a favor de la imaginería, de las procesiones y del culto a la Virgen María, hay que observar que el paso de palio se creó a impulsos de religiosidad popular y excediendo los cálculos de la jerarquía eclesiástica. Su...

El presente ensayo pretende ofrecer una amplia panorámica del uso heterogéneo y dispar que los creadores contemporáneos han venido haciendo con la fotografía, sobre todo en las últimas cuatro décadas. Resulta complejo, por no decir fútil, delimitar la frontera entre fotografía de creación y cualquier otro tipo de práctica fotográfica, pues buena parte de estos artistas han promovido la amateurización y el mestizaje del medio fotográfico como recurso estético, contraviniendo así las tesis clásicas que defendían el virtuosismo, o el profundo conocimiento técnico, como condiciones indispensables para legitimar cualquier discurso genuino de autor. Con el apoyo de una amplia selección de obras fotográficas de los creadores más emblemáticos de las últimas décadas, y un discurso tan accesible como pleno de datos, la obra permite recorrer la historia de la fotografía contemporánea y dilucidar sus principales claves. De indudable interés para estudiantes, aficionados y especialistas de la fotografía, la obra resulta igualmente atractiva para un público general más amplio, atento a la creación contemporánea y a la que es, sin duda, una de sus disciplinas más ...

Prácticamente desconocida por el gran público hasta la gran retrospectiva celebrada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1982, cuando la artista contaba 71 años, la escultura de Louise Bourgeois (París, 1911), de marcado carácter autobiográfico y personal, no es fácilmente catalogable en ningún movimiento ni tendencia establecidos. Según sostiene la propia escultora, toda su producción gira en torno a una suerte de mito fundador: el adulterio de su padre, que introdujo a su amante, una joven institutriz inglesa llamada Sadie, en la casa familiar. De hecho, desde sus primeros dibujos y pinturas de "Femmes-maison" (Mujeres-casa), realizados en los años cuarenta, hasta sus "Cells", instalaciones a modo de celdas o pequeñas habitaciones, de los años noventa, pasando por sus esculturas de yeso y látex de los sesenta o imágenes del cuerpo desmembrado de la década de los ochenta, toda su producción se halla marcada, de una forma u otra, por ese recuerdo de la "traición" paterna. Ello no implica, sin embargo, que la escultura de Bourgeois tenga un significado exclusivamente íntimo o biográfico. Su obra nos desvela las relaciones de poder, la situación de...

El texto, estructurado en tres partes (el cuerpo/las identidades/la tierra), pretende ser una breve reflexión sobre el trabajo de la artista Ana Mendieta (1948-1985), objeto de atención por parte de diversos autores desde hace ya más de una década, en algunos casos por cuestiones ajenas a su producción. No se trata de una biografía ilustrada o un catálogo sistemático. La obra recoge la introducción de algunos apuntes críticos, desde posiciones no coincidentes con los criterios de la historiografía tradicional, que nos ayudan a repensar las aportaciones de esta, y de otras y otros artistas en el marco de la historia del arte, así como la urgente necesidad de redefinir la propia disciplina, sus criterios y su metodología, apuntando la posibilidad de que en ella tengan cabida proyectos divergentes y heterogéneos, sin que tengan que ser necesariamente asimilados.

En los siete años que duró la vida artística de Yves Klein (Niza, 1928-París, 1962), que van desde su primera exposición en 1955 hasta el año de su muerte, este experto yudoca tuvo tiempo suficiente para cambiar las cosas. Con la actitud de un preclaro prestidigitador, puso a la vista del público sus múltiples invenciones (los monocromos, la escultura de fuego, la pintura antropométrica, la arquitectura de aire, el vacío, las esponjas, etc.) como reclamos para seducir a la experiencia del mundo en una dimensión perfeccionada. Del color, el principal objeto de su obra, dijo: "Es lo que más se sumerge en la sensibilidad cósmica".

Fluxus es uno de los movimientos artísticos más escurridizos de la segunda mitad del siglo XX. Imbuido del espíritu del Dadá, su duración, sus participantes, sus características formales, sus intenciones sociales, las influencias que recibe y las que genera han sido objeto de un debate nunca cerrado completamente. Desde su nacimiento, a medio camino entre Europa (Düsseldorf) y Estados Unidos, a finales de los cincuenta y principios de los sesenta, las diversas facetas que genera se centran tanto en el ámbito de la acción, de la renovación poética, lingüística y objetual, como en la urgente necesidad de pensar el papel del artista en una sociedad crecientemente acomodada, cuestionando el arte como una práctica de la crítica social. Fluxus responde a una mezcla de todas las propuestas, la música, la performance, el videoarte, las artes plásticas, haciendo de dicha mezcla su rasgo fundamental. Fluxus es un estado de ánimo. Entre sus principales representantes se encuentran George Maciunas (que emplea el término "Fluxus" por primera vez en 1961), Joseph Beuys, John Cage, Allan Kaprov, Wolf Vostell, Nam June Paik, Al Hansen, el compositor La Monte Young... A partir...

Los últimos alardes dadaístas del inteligente Duchamp quebraron la tradición artística en fragmentos. En adelante, la reconstrucción minuciosa y artesanal del entramado, el escenario y el público acordados para el arte iban a convertirse en una ardua, por refutable, tarea. Desplazado, el objeto artístico no era ya el actor principal, sino un tímido actor de reparto. El artista, sin embargo, mantenía su infranqueable ansia de perpetuidad, sus afectos y defectos, aunque la naturaleza de su disciplina mudara su especificidad en aire, su empirismo en teoría y su identidad en espejo. En los años ochenta, la transvanguardia en Italia, la nueva expresión en España o el neoexpresionismo en Alemania son síntomas de esa dolencia espiritual (fin del arte) que se ha dado en llamar posmodernidad y cuyas propuestas (unas más que otras) iban a concretarse en propósitos de enmienda para la plástica. A causa de circunstancias históricas trágicas y humanas –"demasiado humanas"–, el neoexpresionismo alemán, con Baselitz, Lüpertz, Penck, Kiefer, Richter, Polke e Immendorf a la cabeza, resuelve reinstaurar el espíritu alemán sin perder de vista la tierra quemada. Para ello,...

Emilio Vedova es uno de los artistas más representativos del informalismo europeo, tanto por el indiscutible interés de su producción, cuanto por su posicionamiento social, lo que le convierte en paradigma del artista comprometido. Su trayectoria creativa cubre toda la segunda mitad del siglo XX. Sus inicios en los años treinta se hallan marcados por la exploración del territorio de la pintura a partir de la abstracción expresiva. A finales de los cuarenta conforma una poética informalista apostando con intensidad por los significados sociales, y a partir de los cincuenta crea instalaciones. Desde mediados de los ochenta intensifica el tratamiento barroquizante de su pintura utilizando para ello soportes pictóricos circulares que incluyen elementos extrapictóricos a los que denomina "tondi". En definitiva, una trayectoria coherente que marca por sí misma una de las posiciones de la creación plástica surgidas en el marco de la posguerra.

El land art es un movimiento artístico contemporáneo que utiliza como tema y soporte los materiales de la Naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Su principal técnica es la intervención-instalación en el paisaje. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste americano a finales de los años sesenta. Por ello resulta un movimiento casi genuinamente americano. Nacido en un contexto político conservador, este movimiento utilizó la Naturaleza como un escenario artístico donde debatir los movimientos sociales de finales de los años sesenta (hippismo, feminismo, contracultura...). En definitiva, un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta, en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional. Entre sus principales artistas cabe considerar a Walter De Maria, Richard Long, Robert Morris o Robert Smithson, entre otros.

A mediados de la década de los sesenta del siglo XX aparece una de las expresiones artísticas con mayor presencia en el panorama estético actual: el videoarte. Situada en la encrucijada en la que desembocan los caminos del body art, el arte de acción, la música, el cine o el arte conceptual, esta nueva tendencia fue un punto de encuentro para artistas procedentes de diversas tradiciones y lenguajes plásticos. El videoarte les ofreció un instrumento con el que retomar los inveterados problemas del arte, como la relación entre el espacio y el tiempo, la primacía de la idea frente a su materialización, la presencia del cuerpo o los límites de lo artístico. Pero el arte del vídeo ha suscitado además nuevas consideraciones debidas a su imbricación con lo tecnológico y, sobre todo, a la irrupción de la imagen electromagnética que aquel trajo consigo. Videoarte propone un recorrido entre lo cronológico y lo temático, para dar cuenta de los principales hitos y de los grandes nombres que jalonan su historia. Esta corriente, que supo sobrevivir a la obsolescencia de la tecnología que le dio origen, abrió las puertas a las tendencias más pujantes, como el media art o...

Reseña Bíblica dedica este número a Judas Iscariote, una de las figuras más controvertidas del Nuevo Testamento. El hombre de Cariot pasó a la historia como el símbolo de la traición y el modelo de perversión de la amistad. Su hecho traspasó los límites de la literatura bíblica para convertirse en el fenotipo de un gesto de la conducta humana. Judas es un símbolo cultural que ha sido llevado a la literatura, al cine, a todas las dimensiones artísticas, el antihéroe más representado a lo largo de los siglos.

Obra colectiva de una nueva generación de jóvenes y cualificados historiadores del arte, el Diccionario de arte español pone al alcance de un público muy amplio -aficionados, estudiantes y profesores, historiadores, profesionales del mundo del arte y la cultura en general- una obra de referencia unitaria, clara y concisa que recoge la información esencial acerca de todos los periodos de la historia del arte en España desde la Prehistoria hasta la actualidad. Con las necesarias matizaciones, resultado de la importancia relativa que cada área presenta en diversos períodos históricos, este diccionario concede prioridad a la información procedente de las tres artes consideradas tradicionalmente «mayores» -arquitectura, escultura y pintura- frente a las artes decorativas o aplicadas y el diseño. Por otra parte, a diferencia de muchos de los diccionarios de arte y arquitectura, que dan preponderancia, cuando no exclusividad, a la voces biográficas relativas a los artistas, el presente diccionario alberga, junto a las voces de este tipo, otras, muy numerosas, dedicadas a períodos concretos, a yacimientos arqueológicos, monumentos y conjuntos monumentales, etc., que, por...

ARTE ESPAÑOL PARA EXTRANJEROS ofrece, en esta nueva edición, una síntesis actualizada de la historia del arte español destinada a los universitarios extranjeros estudiosos de la cultura española y, en general, a los interesados en conocer el arte de un país que ha producido algunas de las obras cumbre del arte universal. Con un gran acompañamiento de imágenes, y con un tanto rigor como amenidad, la obra explica los períodos y artistas de mayor significación, invitando a su disfrute. Sus autores son reconocidos especialistas en la materia y cuentan con una amplia experiencia en la enseñanza de la cultura y el arte españoles al alumnado extranjero, en distintos centros de estudio y universidades españolas.

La ideología basada en el sistema patriarcal impuesta durante siglos ha negado secularmente a las mujeres la capacidad de crear, tras relegarlas al espacio doméstico y a las tareas reproductivas, convirtiendo en natural una división del trabajo que las apartaba de cualquier posibilidad de ser consideradas como artistas (recluyéndolas en los papeles de musa y modelo). Una ideología que ha puesto en el centro del mundo al varón, con la consecuente marginalización de lo femenino. Durante la mayor parte de la historia de la Humanidad, las artistas se sometieron a los condicionantes socioartísticos que marcaban lo que debía definir las creaciones femeninas. Así, entre la ocultación y el sometimiento, pocas artistas se atrevieron a reflejar las verdaderas condiciones de vida de las mujeres, ni a llevar a sus obras sus reivindicaciones y su visión del mundo. A pesar de las imposiciones ideológicas, la resistencia al orden patriarcal dio lugar al feminismo en su doble vertiente de pensamiento y movimiento, con un eco social variable entre los siglos XVIII y XX. Ello no podía dejar de ejercer un impacto sobre la práctica artística. La intención de la obra es detenerse en...

Robert Morris (Kansas City, 1931) es uno de los artistas clave para entender el desarrollo y la evolución del arte durante la segunda mitad del siglo XX. Su obra ha transitado prácticamente por la mayoría de los movimientos y tendencias del arte desde finales de los años cincuenta hasta la actualidad. Ha pintado a la manera expresionista, ha realizado obras neodadaístas y conceptuales, estructuras primarias y formas escultóricas minimalistas, trabajos de arte procesual, intervenciones en el arte de la tierra, acciones de reivindicación social, crítica institucional al museo y la galería, danza, performance, vídeo o dibujo. Aunque ha sido su vinculación con el minimal art y la escultura de los años sesenta la que le ha garantizado un lugar en el canon del arte contemporáneo, la riqueza de su producción artística abarca otro gran número de preocupaciones y temáticas entre las que se encuentran la experiencia del cuerpo, el movimiento, el proceso, el tiempo real, la reivindicación de la condición social del artista como trabajador, la relación entre visión y ceguera, entre texto e imagen, la memoria, la muerte, la catástrofe o la melancolía. Cuestiones en todos ...

Todavía hoy, en España, en los estudios de Historia del Arte incomoda en algunos sectores que se hable de "cuestiones de género", es decir, de los valores en torno a la feminidad y la masculinidad. Este breve ensayo trata de proponer una serie de lecturas acerca de distintas manifestaciones artísticas, surgidas a lo largo del siglo XX, que no pueden entenderse sin una perspectiva transversal que tenga en cuenta los símbolos, signos y significaciones que la sociedad ha ido imprimiendo a las representaciones de la sexualidad y, por ende, a las que se atribuyen a hombres y mujeres. Estas cuestiones de género son cambiantes y están sometidas al discurrir de los avances sociales, políticos, científicos, culturales y de otra índole que han ido modificando los papeles adscritos al sujeto moderno y contemporáneo, que carecería de imagen y representación visual sin el empuje de los diferentes movimientos feministas. También es destacable la aportación de los estudios de temática gay y lésbica y, recientemente, el impacto de la denominada teoría queer, que cuestiona la existencia de identidades fijas en relación con los comportamientos y las orientaciones sexuales. Todo...

El nombre de Daniel Buren se encuentra vinculado, desde mediados de los años sesenta, a una vía de producción en el arte contemporáneo que ha procedido a la paulatina pero incesante deconstrucción de los diferentes fundamentos sobre los que se apoya la maquinaria institucional. Sus reiterados cuestionamientos del marco de exhibición constituido por el museo/galería (nada en él es neutral, ningún elemento se encuentra exento de contenido político), así como el enriquecimiento del concepto de "arte público" que su obra ha supuesto, lo convierten, sin duda alguna, en uno de los nombres imprescindibles del arte de las últimas décadas.

En la última década del siglo XX y aprovechando el poso de movimientos tan diversos como la Internacional Situacionista, los provos, el punk o la antiglobalización, se ha generado una red relativamente amplia de prácticas artísticas social y políticamente articuladas. Prácticas que se podrían caracterizar por el cuidado que ponen en la contextualización productiva y política de su trabajo y que por ello mismo suelen exceder el marco de concepción, producción y distribución acotado para el arte en la alta cultura moderna. Arte de contexto ofrece un repaso por la historia más reciente y cercana de estas prácticas artísticas, que parten de constatar la quiebra de la representación para considerar juntamente acción directa y formalización artística, casi siempre en contextos altamente polémicos. Mediante los conceptos de "lo táctico, lo estratégico y lo operacional", e introduciendo además nociones procedentes de la reciente estética modal, se da cuenta de los terrenos en que confluyen y se confrontan las formas artísticas y las formas de organizar la sensibilidad y la vida de cada individuo.